ANMELDELSE: The Tempest, Eel Brook Theatre ✭✭✭✭

The Tempest

14/10/15

Eel Brook Theatre, Fulham

4 stjerner

Shakespeares svanesang skuffer aldrig. Hver eneste opsætning eller bearbejdning, jeg har set gennem årene, har lært mig noget nyt, uanset hvor lidt jeg måtte have brudt mig om det styrende koncept. Der er en så formel variation, en metaforisk tæthed i sproget og et så suverænt dramaturgisk håndværk i opbygningen, at hver gang byder på en ny åbenbaring af en sjælden indsigt, som det kreative hold måske ikke engang selv havde tilsigtet eller indset. Der er intet spild, intet fyld, intet overflødigt. Det er en kliché, men stadigvæk sandt, at Prospero – den suveræne magiker, der til sidst begraver sin bog, brækker sin stav og frigiver sin luftånd – er Shakespeare selv, der både opsummerer og tager afsked med sin kunst.

For et så gennemarbejdet og bevidst skabt værk er det også utroligt fleksibelt og åbent for mange forskellige fortolkninger… anti- eller postkolonialistisk, Prospero som magiker (Dr. Dee) eller impresario (Peter Greenaway). Der findes ikke ét fastlagt kort til at navigere på denne mirakuløse ø, som ikke blot er ‘fuld af lyde’, men mættet med en verden af næsten uendelige antydninger. Én nøgle til succes synes dog indlysende: Enhver produktion gør klogt i at udnytte alle teatrets virkemidler – lyd, lys, musik, kostumer, sminke, scenografi, videoprojektion og koreograferet bevægelse – for dette stykke er så tæt på operaens og ballettens verden, som et skuespil kan komme, i sin stræben efter at forene alle kunstarter i en fælles sag.

Det er en af de mest bemærkelsesværdige bedrifter i denne konstant fængslende og tankevækkende opsætning fra London Theatre Workshop, at de har forstået netop dette til fulde. De bruger disciplinen fra et minimalt budget til at skabe en sanselig og kinetisk oplevelse, der fører dig langt væk fra en våd aften i Fulham og ind i en verden af magiske undertoner, som mange overdådigt finansierede produktioner fuldstændig misser.

Scenografien imponerer ved første øjekast. To firkantede sejl dominerer; det ene over en gammel palle (der også fungerer som den lille båd, Prospero og Miranda blev overladt til), det andet placeret over en huleåbning af trælameller, som udgør Prosperos celle. Bagvæggene er fyldt med sammenkrøllet hvidt papir for at symbolisere øens bølger og klipper. Der er spredt bøger og trækasser rundt langs siderne, og det er det hele.

Alligevel formår disse tilsyneladende spartanske midler at fremmane en enorm atmosfære og farve. Sejlene bruges som projektionsskærme i stormscenen, bøgerne vækkes til live som fugle og magiske lækkerier (dog uden at efterligne Prospero's Books), og platformen giver handlingen en vertikal dimension og et udkigspunkt, hvorfra både Prospero og Ariel kan overskue scenen. Vigtigst af alt er der stadig nok plads på forscenen til komplekse bevægelsesmønstre, der lader alle karakterer være til stede på scenen og tilbyde en visuel fortolkning af teksten på centrale tidspunkter. Scenograferne har forenet fantasi og økonomi til at skabe nogle fremragende resultater – stor ros til Justin Williams, Harry Johnson, Anna Nguyen og Dominika Visy.

Dette integreres med et velkomponeret lydbillede, der kører nærmest uafbrudt fra de skibbrudne VIP-gæsters ankomst til øen, til magien afsværges. Øen er virkelig ‘fuld af lyde’ hele vejen igennem på en dragende og overbevisende måde, takket være Edmund Shaws elektroniske lyddesign og James Neales fortryllende musik og sange. Den samlede effekt er på én gang smuk og ubehageligt mystisk, hvilket føles helt rigtigt for denne verden af ‘vild magi’.

Kostume- og lysdesign formår også at få meget ud af begrænsede midler. Lysteamet bestående af Jordan Lightfoot og Ben Homer giver os en effektiv start med en flot storm og et skibbrud, og Evie Holdcroft og Ray Rackham giver hver karakter en distinkt og passende påklædning, der straks fortæller noget om deres rang og status, samtidig med at der er plads til eksotiske detaljer. En snoet turban til en adelsmand, en passende glitrende magisk kappe til Prospero, en grov pels til en i forvejen naturligt behåret Caliban….

Og så til castingen og skuespillerne. Dette er en kønsneutral produktion med seks kvinder og tre mænd. Skuespillerne, der spiller Miranda og Ferdinand, fungerer også som Trinculo og Stephano, og Ariel optræder som bådsmanden. Denne strategi skabte ingen problemer, jeg kunne få øje på, og stod ikke i vejen for overbevisende præstationer, som det måske kunne have gjort, hvis Ferdinand eller Caliban også havde skiftet køn. Især Prospero forekommer mig ikke at være en iboende kønsbestemt rolle – hvad der kræves, er en naturlig og til tider frygtindgydende autoritet, og derefter evnen til at give afkald på den. Kønnet er ikke afgørende her. Ralph Richardson sagde engang, at når John Gielgud trådte ind på scenen, behøvede publikum ikke få at vide, at han var hertugen af Milano – det var han bare helt tydeligt; mens når han selv (Richardson) trådte ind, antog folk, at han var blikkenslageren!

Karen McCaffreys Prospero er en præstation skabt med kort varsel på grund af en udskiftning i sidste øjeblik, og den fortjener ros trods uundgåelige begrænsninger. Hendes levering af teksten var omhyggelig, præcis og altid klar, men savnede den variation i farve og nuance, som mere prøvetid kunne have givet. Hun følte sig mere hjemme i at give afkald på autoriteten og skabe orden i øens mikrokosmos end i at udvise vrede og bister, bydende overlegenhed. Hendes forhold til Joseph Laws Ariel var rørende og mindre manipulerende end normalt – der var faktisk langt mere ømhed at spore end sædvanligt i denne rolle, længe før tilgivelsen bliver dagens orden i sidste akt. Styrkerne og svaghederne i hendes tilgang kom til udtryk i hendes fremførelse af den ekstraordinære monolog ‘Ye elves of hills, brooks, standing lakes and groves’, hvor det følelsesmæssige og tekniske spænd skal bevæge sig fra et farligt, Lear-agtigt raseri til venlig accept og tilgivelse. Der var for lidt af det førstnævnte, men sidstnævnte imponerede.

Som Miranda og Trinculo leverede Samantha Béart to meget imponerende og kontrastfyldte præstationer med en fælles energisk råstyrke, opfindsomhed og detaljeret fokus på teksten. Stevie Basaula var mindre fortrolig med formaliteterne i Ferdinands diktion, men følte sig helt tryg i den brede komik som den fulde og lallende Stephano. Ruskin Denmark var en konsekvent fremragende Caliban, der spillede med fysisk vovemod og stor følsomhed over for ordene – man følte hvert et niv og stik sammen med ham, og når det krævedes, var han ikke bange for at favne de retoriske krav i nogle af stykkets smukkeste vers. Joseph Laws Ariel var lige så god – så meget af energien og retningen i handlingen er uddelegeret til ham fra Prospero, at Ariel er nødt til at være en lynhurtig impresario, hvis tingene ikke skal trække i langdrag. Det var han; både sårbar, mystisk og skræmmende alt efter omstændighederne, toppet med nogle vidunderlige komiske detaljer.

Det skibbrudne selskab – Sebastian, Gonzalo, Alonso og Antonio – blev instrueret meget som en gruppe og fungerede som et slags kor gennem store dele af handlingen, hvor de genspejlede scenens stemning i velafstemte bevægelser. Det var med til at give deres bihandling større vægt end normalt, og der var masser af muligheder for de enkelte spillere til at række ud i både komik og empati. Marie Blounts Gonzalo var måske den mest ekspressive af alle som publikums samvittighed, der mindede os om de uretfærdigheder, der var begået mod Prospero og Miranda.

Instruktør Brandon Force og bevægelsesinstruktør Liam Steward-George fortjener stor anerkendelse for at have skabt så dynamisk og detaljeret en produktion med kontinuerlig visuel, koreografisk og tekstmæssig udforskning i centrum. Det afgørende er, at de ikke forsøger at opløse eller forklare alle mysterier og fortryllelser i dette uendeligt fascinerende stykke, men blot sætter sig for at fremmane dem på en måde, man husker. Så når festlighederne er forbi, og du er tilbage i en efterårsaften i Fulham, så ‘smager du endnu øens finurligheder, der ikke lader dig tro på tingene som visse….’

Stormen spiller på London Theatre Workshop frem til den 24. oktober