CRITIQUE : La Tempête, Théâtre Eel Brook ✭✭✭✭

La Tempête

14/10/15

Eel Brook Theatre, Fulham

4 Étoiles

La dernière pièce de Shakespeare ne déçoit jamais. De chaque production ou adaptation que j'ai vue au fil des années, j'ai appris quelque chose de nouveau, même si je pouvais ne pas apprécier le concept directeur. Il y a une telle variété formelle, une densité métaphorique dans la langue, et une expertise dramaturgique dans la construction que chaque occasion offre une nouvelle exploration d'une perspicacité rare, peut-être même pas voulue ou appréciée par l'équipe créative responsable. Il n'y a ni gaspillage, ni remplissage, ni excès ou superflu. C'est une vérité admise, mais elle est bien sûr encore vraie, que Prospero, le magicien souverain qui finit par enterrer son livre, brise son bâton et libère son « esprit aérien », est Shakespeare lui-même résumant et disant adieu à son art.

Pour une œuvre aussi élaborée et consciemment créée, elle est aussi très flexible, capable de nombreuses interprétations différentes... anti- ou post-coloniales, Prospero en tant que mage (Dr Dee) ou impresario (Peter Greenaway). Il n'y a pas de carte unique pour naviguer sur cette île miraculeuse qui n'est pas seulement « pleine de bruits », mais regorge d'un monde de suggestions presque infinies. Un élément clé pour réussir semble cependant évident. Toute production ferait bien d'utiliser toutes les ressources de l'art scénique — son, lumière, musique, costume, maquillage, conception de décors, projection vidéo et mouvements chorégraphiés - car cette pièce se rapproche de l'opéra et du ballet, cherchant à unifier tous les arts dans une cause commune.

C'est l'un des accomplissements les plus remarquables de cette production continuellement intrigante et réfléchie du London Theatre Workshop qu'ils comprennent entièrement ce point, et utilisent la discipline d'un petit budget pour générer une expérience sensuelle et cinétique qui vous éloigne bien d'une nuit pluvieuse à Fulham vers un monde de suggestions magiques que de nombreuses productions abondamment financées manquent totalement.

Le décor impressionne dès le premier regard. Deux voiles carrées dominent, l'une au-dessus d'un ancien plateau (qui sert aussi de petit bateau dans lequel Prospero et Miranda sont abandonnés), l'autre placée au-dessus d'une ouverture de grotte, lattes de bois, qui est la cellule de Prospero. Les murs arrière sont remplis de papier blanc froissé pour symboliser les vagues et les falaises de l'île. Il y a une dispersion de livres et de boîtes en bois autour des côtés et c'est tout.

Pourtant, ces ressources apparemment maigres jouent un rôle majeur dans la création d'atmosphère et de couleur. Les voiles sont utilisées comme écrans de projection pour la scène de la tempête, les livres prennent vie comme oiseaux et mets magiques, mais pas d'une manière qui imite Les Livres de Prospero, et la plateforme donne une dimension verticale à l'action et un point de vue pour Prospero et Ariel pour observer la scène. Surtout, il y a encore assez d'espace à l'avant-scène pour des schémas de mouvement élaborés qui permettent à tous les personnages d'être présents sur scène, offrant une interprétation visuelle du texte à des moments clés. Les concepteurs de décor et d'accessoires ont allié imagination et économie pour produire de très beaux résultats – tout le mérite revient à Justin Williams, Harry Johnson, Anna Nguyen et Dominika Visy.

Intégré à cela, une bande sonore bien soutenue qui fonctionne presque en continu dès l'arrivée des dignitaires naufragés sur l'île jusqu'à ce que la magie soit reniée. L'île est vraiment « pleine de bruits » tout au long d'une manière convaincante et plausible, grâce à la conception sonore électronique d'Edmund Shaw et à la musique envoûtante et aux chansons de James Neale. L'effet global est à la fois d'une beauté et d'un mystère inquiétant qui semble tout à fait approprié pour un monde de « magie brute ».

Les designs de costumes et d'éclairage parviennent également à faire beaucoup avec des moyens limités. L'équipe d'éclairage de Jordan Lightfoot et Ben Homer nous donne un début habile avec une tempête et un naufrage très efficaces, et Evie Holdcroft et Ray Rackham offrent à chaque personnage une tenue distinctive et appropriée qui vous révèle immédiatement quelque chose de leur rang et statut tout en trouvant également des touches exotiques. Une torsion de turban pour un noble, une robe magique scintillante pour Prospero, une peau rugueuse pour un Caliban naturellement hirsute....

Et donc, au casting et aux acteurs. C'est une production sans distinction de genre, dans laquelle il y a six femmes et trois hommes. Les acteurs jouant Miranda et Ferdinand doublent également Trinculo et Stephano, et Ariel apparaît comme le maître d'équipage. Cette stratégie n'a pas créé de problèmes que j'ai pu voir et n'a pas gêné des performances convaincantes comme cela aurait pu se produire si Ferdinand ou Caliban avaient également changé de genre. Prospero en particulier ne me paraît pas être un rôle intrinsèquement genré – ce qui est nécessaire, c'est une autorité naturelle et parfois alarmante, puis la capacité de la céder. Le genre n'est pas la question ici. Ralph Richardson a dit un jour que lorsque John Gielgud arrivait sur scène, le public n'avait pas besoin qu'on lui dise qu'il était le Duc de Milan – il l'était manifestement ; tandis que lorsque lui (Richardson) arrivait, ils supposaient qu'il était plombier !

Le Prospero de Karen McCaffrey est une performance assemblée en urgence à travers un changement de casting de dernière minute et mérite d'être saluée malgré les inévitables limitations. Sa diction du texte était soignée, bien accentuée et toujours claire, mais manquait de la variété de teintes et de nuances qu'un temps de répétition plus long aurait pu offrir. Elle était plus à l'aise dans le fait de céder son autorité et de mettre en ordre le microcosme de l'île que d'afficher une colère et une souveraineté brusque et impérieuse. Sa relation avec Ariel de Joseph Law était émouvante et moins manipulatrice que d'habitude – il y avait en fait beaucoup plus de tendresse montrée dans ce rôle qu'à l'accoutumée, et bien avant que le pardon ne devienne l'ordre du jour dans l'acte final. Les forces et les faiblesses de son approche étaient évidentes dans sa livraison de ce discours extraordinaire ‘Ye elves of hills, brooks, standing lakes and groves’ où la gamme émotionnelle et technique doit évoluer de la rage dangereuse semblable à un roi Lear à l'acceptation et au pardon chaleureux. Il y avait trop peu du premier, mais le second a impressionné.

En tant que Miranda et Trinculo, Samantha Béart a offert deux performances très impressionnantes et contrastées, avec une énergie commune fougueuse et une inventivité débordante, et une attention minutieuse au texte. Stevie Basaula était moins en phase avec les formalités de la diction soignée de Ferdinand mais tout à fait à l'aise avec la comédie au pinceau large de la bouffonnerie alcoolisée de Stephano. Ruskin Denmark était un Caliban constamment excellent, jouant avec une bravoure physique et une grande sensibilité aux mots – vous ressentiez chaque pince et piqûre avec lui, et quand c'était nécessaire, il n'avait pas peur d'embrasser les exigences rhétoriques de certaines des plus belles poésies de la pièce. Joseph Law's Ariel était tout aussi bon – tant de l'énergie et de la direction de l'action sont dévolues à lui par Prospero que Ariel doit être un impresario vif-argent si les événements ne doivent pas s'enliser. C'est ce qu'il était, à la fois vulnérable, mystérieux et effrayant selon les circonstances nécessaires, avec de jolis touches d'invention comique pour couronner le tout.

Le groupe naufragé de Sebastian, Gonzalo, Alonso et Antonio était très dirigé en tant que groupe, et était présent comme une sorte de chœur pour une grande partie de l'action, reflétant l'ambiance de la scène dans un mouvement bien modulé. Cela a servi à donner à leur sous-intrigue une plus grande importance que d'habitude et il y avait de nombreuses occasions pour les individus de briller à la fois dans la comédie et l'empathie. Gonzalo de Marie Blount était peut-être le plus expressif de tous en tant que conscience du public, nous rappelant les torts faits à Prospero et Miranda.

Le metteur en scène Brandon Force et le directeur des mouvements Liam Steward-George méritent beaucoup de crédit pour avoir créé une production aussi dynamique et détaillée avec une exploration visuelle, chorégraphique et textuelle continue au cœur. Ils ne cherchent pas à dissoudre ou à expliquer tous les mystères et enchantements de cette pièce infiniment fascinante, mais se contentent de les évoquer mémorablement. Alors, lorsque les réjouissances sont terminées et que vous retournez à une nuit d'automne à Fulham, « Vous goûtez encore certaines subtilités de l'île, qui ne vous laisseront pas croire les choses certaines... »

La Tempête est à l'affiche au London Theatre Workshop jusqu'au 24 octobre