CRÍTICA: A Tempestade, Teatro Eel Brook ✭✭✭✭

A Tempestade

14/10/15

Eel Brook Theatre, Fulham

4 estrelas

A última peça de Shakespeare nunca desilude. Em cada produção ou adaptação que vi ao longo dos anos aprendi sempre algo de novo, por mais que pudesse ter detestado o conceito orientador. Há uma variedade formal e uma densidade metafórica na linguagem, bem como uma perícia dramatúrgica na construção, que fazem com que cada ocasião ofereça uma nova leitura de um raro lampejo de entendimento — talvez nem sequer pretendido ou valorizado pela equipa criativa responsável. Não há desperdício, nem enchimento, nem excesso ou supérfluo. É um lugar-comum, mas continua, claro, verdade, que Próspero, o mago soberano que por fim enterra o seu livro, parte o seu bastão e liberta o seu ‘espírito etéreo’, é o próprio Shakespeare, simultaneamente a resumir e a despedir-se da sua arte.

Para uma obra tão elaborada e conscientemente criada, é também muito flexível, capaz de múltiplas interpretações… anti- ou pós-coloniais, Próspero como mago (Dr. Dee) ou como empresário/encenador (Peter Greenaway). Não existe um único mapa para navegar esta ilha milagrosa que não é apenas ‘cheia de ruídos’, mas repleta de um mundo de sugestão quase infinita.  Uma chave para o sucesso parece, porém, evidente. Qualquer produção faria bem em usar todos os recursos da arte cénica – som, luz, música, figurinos, maquilhagem, cenografia, projeção vídeo e movimento coreografado - pois esta peça aproxima-se tanto quanto possível do universo da ópera e do bailado, que procura unificar todas as artes num propósito comum.

É um dos feitos mais notáveis desta produção continuamente intrigante e inteligente da London Theatre Workshop o facto de perceberem isto por completo e, usando a disciplina de um orçamento minúsculo, gerarem uma experiência sensorial e cinética que nos leva para bem longe de uma noite chuvosa em Fulham e para um mundo de sugestão mágica que muitas produções com financiamento generoso falham por completo em alcançar.

A cenografia impressiona à primeira vista. Duas velas quadradas dominam: uma por cima de uma velha palete (que também faz de pequeno barco em que Próspero e Miranda são lançados ao mar), a outra colocada sobre a boca de uma gruta, ripada em madeira, que é a cela de Próspero. As paredes do fundo estão recheadas de papel branco amarrotado para simbolizar as ondas e as falésias da ilha. Há alguns livros e caixas de madeira espalhados pelas laterais, e é só.

No entanto, estes recursos aparentemente escassos fazem um trabalho enorme a criar atmosfera e cor. As velas são usadas como ecrãs de projeção para a cena da tempestade; os livros ganham vida como pássaros e viandas mágicas, mas não de um modo que imite Os Livros de Próspero; e a plataforma dá dimensão vertical à ação e um ponto de observação para que tanto Próspero como Ariel possam dominar a cena. Acima de tudo, ainda há espaço suficiente na frente do palco para esquemas elaborados de movimento que permitem que todas as personagens estejam presentes em cena, oferecendo uma interpretação visual do texto em momentos-chave. Os designers de cenário e adereços conjugaram imaginação e economia para produzir resultados excelentes – todo o mérito para Justin Williams, Harry Johnson, Anna Nguyen e Dominika Visy.

Integrada com isto está uma banda sonora bem sustentada, que corre praticamente sem interrupções desde a chegada dos dignitários náufragos à ilha até ao momento em que a magia é renunciada. A ilha é, de facto, ‘cheia de ruídos’ do princípio ao fim, de forma convincente e plausível, graças ao desenho sonoro eletrónico de Edmund Shaw e à música e canções sedutoras de James Neale. O efeito global é de beleza e de um mistério inquietante, o que parece inteiramente certo para um mundo de ‘magia rude’.

Os figurinos e o desenho de luz também conseguem fazer muito com meios limitados. A equipa de iluminação de Jordan Lightfoot e Ben Homer dá-nos um arranque com um sobressalto certeiro, com uma tempestade e um naufrágio muito eficazes, e Evie Holdcroft e Ray Rackham dão a cada personagem um traje distinto e adequado que nos diz de imediato algo sobre a sua posição e estatuto, ao mesmo tempo que encontram toques exóticos. Um torção de turbante para um nobre, um vestido de magia devidamente brilhante para Próspero, uma pele tosca para um Caliban já naturalmente hirsuto….

E assim chegamos ao elenco e aos intérpretes. Trata-se de uma produção sem distinção de género, com seis mulheres e três homens. Os atores que fazem Miranda e Ferdinando acumulam também Trínculo e Estêvão, e Ariel surge como o contramestre. Esta estratégia não criou quaisquer problemas que eu tenha notado e não se atravessou no caminho de interpretações convincentes, como poderia ter acontecido se Ferdinando ou Caliban também tivessem trocado de género. Próspero, em particular, não me parece um papel inerentemente marcado pelo género – o que é necessário é uma autoridade natural e por vezes alarmante e, depois, a capacidade de a abdicar. O género não é a questão aqui. Ralph Richardson disse uma vez que, quando John Gielgud entrava em cena, o público não precisava que lhe dissessem que ele era o Duque de Milão – era simplesmente óbvio; ao passo que, quando ele (Richardson) entrava, assumiam que era um canalizador!

O Próspero de Karen McCaffrey é uma interpretação montada à pressa devido a uma alteração de elenco de última hora e merece elogios apesar das inevitáveis limitações. A sua dicção do texto foi cuidadosa, bem marcada e sempre clara, mas faltou-lhe a variedade de coloração e de nuance que mais tempo de ensaio poderia ter trazido. Sentiu-se mais confortável a abdicar da autoridade e a pôr o microcosmo da ilha em ordem do que a exibir raiva e uma soberania brusca e imperiosa. A sua relação com o Ariel de Joseph Law foi comovente e menos manipuladora do que é habitual – houve, de facto, muito mais ternura do que costuma ver-se neste papel, e muito antes de o perdão se tornar a ordem do dia no ato final. As forças e fragilidades da sua abordagem ficaram patentes na forma como disse aquele discurso extraordinário ‘Vós, elfos de colinas, ribeiros, lagos quietos e bosques’, onde o alcance emocional e técnico tem de ir de uma fúria perigosa, à Lear, a uma aceitação afável e ao perdão. Houve pouca da primeira, mas a segunda impressionou.

Como Miranda e Trínculo, Samantha Béart ofereceu duas interpretações muito impressionantes e contrastantes, com uma energia combativa comum e uma inventividade incessante, e uma atenção detalhada ao texto. Stevie Basaula esteve menos em contacto com as formalidades da dicção cuidada de Ferdinando, mas mostrou-se plenamente à vontade com a comédia de traço largo da palhaçada bêbeda de Estêvão. Ruskin Denmark foi um Caliban consistentemente excelente, a atuar com bravura física e grande sensibilidade às palavras – sentia-se com ele cada beliscão e cada picada e, quando necessário, não teve receio de abraçar as exigências retóricas de alguma da mais bela poesia da peça. O Ariel de Joseph Law foi igualmente bom – tanta da energia e da direção da ação lhe é delegada por Próspero que Ariel precisa de ser um empresário de mercúrio se os acontecimentos não quiserem arrastar-se. E foi-o, vulnerável, misterioso e, quando as circunstâncias o pediam, inquietante, com alguns belos toques de invenção cómica a coroar tudo.

O grupo dos náufragos — Sebastião, Gonzalo, Alonso e António — foi dirigido muito como um conjunto e esteve presente como uma espécie de coro durante grande parte da ação, ecoando o ambiente da cena através de movimento bem modulado. Isto serviu para dar ao seu subenredo maior destaque do que o habitual e houve muitas oportunidades para indivíduos brilharem, tanto na comédia como na empatia. O Gonzalo de Marie Blount foi talvez o mais expressivo de todos, como a consciência do público, recordando-nos as injustiças feitas a Próspero e Miranda.

O encenador Brandon Force e o diretor de movimento Liam Steward-George merecem grande crédito por criarem uma produção tão dinâmica e detalhada, com exploração visual, coreográfica e textual contínua no seu coração. Crucialmente, não tentam dissolver nem explicar todos os mistérios e encantamentos desta peça inesgotavelmente fascinante, mas limitam-se a evocá-los de forma memorável. Assim, quando as celebrações terminam e regressamos a uma noite de outono em Fulham, ‘ainda provais algumas subtilezas da ilha, que não vos deixarão acreditar em coisas certas….’

A Tempestade está em cena na London Theatre Workshop até 24 de outubro