RECENSION: The Tempest, Eel Brook Theatre ✭✭✭✭

The Tempest (Stormen)

14/10/15

Eel Brook Theatre, Fulham

4 stjärnor

Shakespeares sista pjäs gör en aldrig besviken. Genom varje uppsättning eller tolkning jag sett under årens lopp har jag lärt mig något nytt, oavsett hur lite jag än må ha gillat det bärande konceptet. Här finns en sådan formell variation, en språklig metaforisk täthet och ett sådant dramatiskt hantverk i konstruktionen att varje tillfälle erbjuder en ny dekonstruktion av en sällsynt insikt – kanske en som inte ens var avsedd eller uppfattad av det kreativa teamet bakom. Det finns inget spill, ingen utfyllnad, inget överflöd. Det är en klyscha, men naturligtvis fortfarande sant, att Prospero – den suveräne magikern som till slut begraver sin bok, bryter sin stav och befriar sin ”luftande” – är Shakespeare själv som både sammanfattar sin gärning och tar farväl av sin konst.

För att vara ett så högtravande och medvetet skapat verk är det också mycket flexibelt och tål många olika tolkningar... anti- eller postkolonialt, Prospero som magiker (Dr Dee) eller impresario (Peter Greenaway). Det finns ingen enskild karta för att navigera på denna mirakulösa ö som inte bara är ”full av ljud”, utan fylld av en värld med näst intill oändligt tolkningsutrymme.  En nyckel till framgång verkar dock självklar. Varje produktion gör klokt i att använda scenkonstens alla resurser – ljud, ljus, musik, kostym, mask, scenografi, videoprojektion och koreografi – för det här är så nära en pjäs kan komma operans och balettens värld, där alla konstarter förenas för samma sak.

Det är en av de mest framstående bedrifterna i denna ständigt fängslande och genomtänkta uppsättning från London Theatre Workshop att de helt har förstått detta. De använder en liten budget för att skapa en sensuell och kinetisk upplevelse som för dig långt bort från en blöt kväll i Fulham, in i en värld av magisk suggestion som många påkostade produktioner missar helt.

Scenografin imponerar vid första anblicken. Två kvadratiska segel dominerar: ett ovanför en gammal lastpall (som fungerar som den lilla båt Prospero och Miranda drev iväg i), det andra placerat över en grottöppning med träribbor, vilket utgör Prosperos cell. Bakväggarna är fyllda med skrynkligt vitt papper för att symbolisera öns vågor och klippor. Det ligger några böcker och trälådor utspridda längs sidorna, och det är allt.

Trots dessa till synes knappa resurser görs ett enormt jobb för att frammana atmosfär och färg. Seglen används som projektionsdukar för stormscenen, böckerna väcks till liv som fåglar och magiska rätter (men inte på ett sätt som härmar Prospero's Books), och plattformen ger en vertikal dimension åt handlingen samt en utkiksplats för både Prospero och Ariel. Framför allt finns det tillräckligt med plats på förscenen för avancerade rörelsemönster som låter alla karaktärer vara närvarande på scen och erbjuda en visuell tolkning av texten vid viktiga tidpunkter. Scenograferna och rekvisitörerna har lyckats förena fantasi och ekonomi för att skapa ett fantastiskt resultat – all heder åt Justin Williams, Harry Johnson, Anna Nguyen och Dominika Visy.

Integrerat med detta är ett väl sammanhållet ljudspår som löper nästintill oavbrutet från det att de skeppsbrutna dignitärerna anländer till ön tills magin avsvärs. Ön är verkligen ”full av ljud” rakt igenom på ett fängslande och trovärdigt sätt, tack vare Edmund Shaws elektroniska ljuddesign och James Neales förtrollande musik och sånger. Helhetsintrycket är präglat av både skönhet och en oroande mystik som känns helt rätt för en värld av ”våldsam magi”.

Kostym- och ljusdesign lyckas också åstadkomma mycket med små medel. Ljusteamet bestående av Jordan Lightfoot och Ben Homer ger oss en skicklig och omtumlande start med en mycket effektiv storm och skeppsbrott, medan Evie Holdcroft och Ray Rackham ger varje karaktär en distinkt och passande utstyrsel som omedelbart signalerar rang och status, samtidigt som de hittat exotiska detaljer. En virad turban för en adelsman, en passande paljettprydd magisk mantel för Prospero, en grov päls för en redan naturligt hårig Caliban…

Och så till rollbesättningen. Detta är en könsblind produktion med sex kvinnor och tre män. Skådespelarna som spelar Miranda och Ferdinand gör även rollerna som Trinculo och Stephano, och Ariel dyker upp som båtsmannen. Denna strategi skapade inga problem vad jag kunde se och hindrade inte de övertygande prestationerna, vilket det kanske hade gjort om även Ferdinand eller Caliban hade bytt kön. I synnerhet Prospero slår mig inte som en naturligt könsspecifik roll – vad som krävs är naturlig och ibland skrämmande auktoritet, och sedan förmågan att ge upp den. Könet är inte frågan här. Ralph Richardson sa en gång att när John Gielgud klev upp på scenen behövde publiken inte få veta att han var hertig av Milano – han bara uppenbarligen var det; medan när han själv (Richardson) kom in, antog de att han var rörmokaren!

Karen McCaffreys Prospero är en prestation som skapats med kort varsel efter ett sent byte i rollistan och förtjänar beröm trots oundvikliga begränsningar. Hennes leverans av texten var noggrann, välartikulerad och alltid tydlig, men saknade den variation i färg och nyans som mer repetitionstid hade kunnat ge. Hon var mer hemma i att avstå från makten och ställa öns mikrokosmos till rätta än i att visa ilska och bryskt, kejserligt herravälde. Hennes relation med Joseph Laws Ariel var rörande och mindre manipulerande än vanligt – det fanns faktiskt mycket mer ömhet än man brukar se i denna roll, långt innan förlåtelsen blir det centrala i sista akten. Styrkorna och svagheterna i hennes tolkning blev tydliga i det extraordinära talet ”I alver från berg, bäckar, sjöar och lunder”, där det emotionella och tekniska registret behöver spänna från farlig King Lear-liknande ilska till varm acceptans och förlåtelse. Det fanns för lite av det förstnämnda, men det sistnämnda imponerade.

I rollerna som Miranda och Trinculo gjorde Samantha Béart två mycket imponerande och kontrastrika insatser, med en gemensam kaxig energi, sprudlande uppfinningsrikedom och stor omsorg om texten. Stevie Basaula var mindre bekväm med formaliteterna i Ferdinands noggranna diktion, men helt tillfreds med den breda komiken i Stephanos berusade buffelaktighet. Ruskin Denmark var en genomgående utmärkt Caliban som spelade med fysisk bravur och stor lyhördhet för orden – man kände varje nyp och stick med honom, och när det behövdes tvekade han inte att omfamna de retoriska kraven i några av pjäsens finaste lyriska partier. Joseph Laws Ariel var lika bra – så mycket av energin och drivet i handlingen delegeras till honom av Prospero att Ariel måste vara en kvicksilverlik impresario om händelserna inte ska tappa fart. Det var han verkligen: både sårbar, mystisk och skrämmande när omständigheterna krävde det, toppat med en del härlig komisk uppfinningsrikedom.

De skeppsbrutna – Sebastian, Gonzalo, Alonso och Antonio – regisserades i hög grad som en grupp och fungerade som en slags kör under stora delar av handlingen, där de speglade scenens stämning i välavvägda rörelser. Detta gav deras sidointrig en större framträdande plats än vanligt och det fanns gott om utrymme för individerna att glänsa både i komik och empati. Marie Blounts Gonzalo var kanske den mest uttrycksfulla av alla som publikens samvete, och påminde oss om de ofrätter som begåtts mot Prospero och Miranda.

Regissören Brandon Force och rörelseregissören Liam Steward-George förtjänar stort beröm för att ha skapat en så dynamisk och detaljerad uppsättning med ett ständigt visuellt, koreografiskt och textuellt sökande i centrum. Avgörande är att de inte försöker lösa upp eller förklara alla mysterier och förtrollningar i denna oändligt fascinerande pjäs, utan helt enkelt satsar på att frammana dem på ett minnesvärt sätt. Så när festen är slut och du återvänder till en höstkväll i Fulham, så smakar du ännu ”öns sällsamma ting, som ej tillåter dig tro att tingen är vissa…”.

The Tempest spelas på London Theatre Workshop fram till 24 oktober