RESEÑA: La Tempestad, Teatro Eel Brook ✭✭✭✭

La tempestad

14/10/15

Eel Brook Theatre, Fulham

4 estrellas

La última obra de Shakespeare nunca decepciona. De cada producción o adaptación que he visto a lo largo de los años he aprendido algo nuevo, por mucho que pudiera haber detestado la idea rectora. Hay tal variedad formal, tal densidad metafórica en el lenguaje y una pericia dramatúrgica tan experta en la construcción que cada ocasión ofrece una nueva lectura de una visión rara, quizá ni siquiera prevista o apreciada por el equipo creativo responsable. No hay desperdicio, no hay relleno, no hay exceso ni superfluidad. Es un lugar común, pero aun así, por supuesto, cierto, que Próspero, el mago soberano que por fin entierra su libro, rompe su vara y libera a su «espíritu aéreo», es el propio Shakespeare, a la vez resumiendo y despidiéndose de su arte.

Pese a ser una obra tan elaborada, tan conscientemente creada, también es muy flexible, capaz de admitir interpretaciones muy distintas… anti- o poscoloniales, Próspero como mago (el Dr. Dee) o como empresario (Peter Greenaway). No hay un único mapa para orientarse en esta isla milagrosa que no solo está «llena de ruidos», sino colmada de un mundo de sugerencias casi infinitas.  Sin embargo, una clave del éxito parece evidente. Cualquier montaje haría bien en emplear todos los recursos del oficio escénico —sonido, luz, música, vestuario, maquillaje, escenografía, proyección de vídeo y movimiento coreografiado—, pues esta obra es lo más cerca que un texto teatral puede estar del mundo de la ópera y el ballet, que aspira a unificar todas las artes en una causa común.

Uno de los logros más destacables de este montaje, continuamente sugerente y reflexivo, de London Theatre Workshop es que entienden este punto por completo y utilizan la disciplina de un presupuesto diminuto para generar una experiencia sensorial y cinética que te aleja de una noche lluviosa en Fulham y te lleva a un mundo de sugerencia mágica que muchas producciones con financiación generosa pasan por alto.

La escenografía impresiona a primera vista. Dominan dos velas cuadradas: una sobre un viejo palé (que también hace las veces de la diminuta barca en la que Próspero y Miranda son arrojados a la deriva), la otra situada sobre la boca de una cueva, entablillada con madera, que es la celda de Próspero. Las paredes del fondo están rellenas de papel blanco arrugado para simbolizar las olas y los acantilados de la isla. Hay libros y cajas de madera desperdigados por los lados, y eso es todo.

Y, sin embargo, estos recursos aparentemente exiguos hacen un gran trabajo al conjurar atmósfera y color. Las velas se usan como pantallas de proyección para la escena de la tormenta; los libros cobran vida como pájaros y viandas mágicas, pero no de un modo que imite Prospero’s Books; y la plataforma aporta dimensión vertical a la acción y un punto de observación desde el que tanto Próspero como Ariel pueden contemplar la escena. Por encima de todo, sigue habiendo suficiente espacio de proscenio para complejos esquemas de movimiento que permiten que todos los personajes estén presentes en escena, ofreciendo una interpretación visual del texto en momentos clave. Los diseñadores de escenografía y utilería han conjugado imaginación y economía para obtener resultados excelentes: todo el mérito para Justin Williams, Harry Johnson, Anna Nguyen y Dominika Visy.

Integrado con esto hay una banda sonora bien sostenida que suena prácticamente de forma continua desde la llegada a la isla de los dignatarios náufragos hasta que se renuncia a la magia. La isla realmente está «llena de ruidos» de principio a fin, de un modo convincente y verosímil, gracias al diseño sonoro electrónico de Edmund Shaw y a la música y las canciones, tan seductoras, de James Neale. El efecto global es de belleza y de un misterio inquietante, algo plenamente adecuado para un mundo de «magia áspera».

El vestuario y la iluminación también logran hacer mucho con medios limitados. El equipo de iluminación, Jordan Lightfoot y Ben Homer, nos lanza a un arranque sacudido con una tormenta y un naufragio muy eficaces, y Evie Holdcroft y Ray Rackham dan a cada personaje un atuendo distintivo y adecuado que te dice de inmediato algo de su rango y estatus, a la vez que encuentran toques exóticos. Un giro de turbante para un noble, una túnica mágica con el brillo justo para Próspero, una piel áspera para un Calibán ya de por sí naturalmente hirsuto…

Y pasemos al reparto y a los intérpretes. Es una producción de reparto sin distinción de género, con seis mujeres y tres hombres. Quienes interpretan a Miranda y a Fernando también doblan como Trínculo y Estéfano, y Ariel aparece como el contramaestre. Esta estrategia no creó ningún problema que yo pudiera apreciar y no se interpuso en interpretaciones convincentes, como podría haber ocurrido si Fernando o Calibán también hubieran cambiado de género. Próspero, en particular, no me parece un papel intrínsecamente marcado por el género: lo que se necesita es una autoridad natural y a veces inquietante, y luego la capacidad de renunciar a ella. Aquí el género no es la cuestión. Ralph Richardson dijo una vez que cuando John Gielgud salía a escena, el público no necesitaba que le dijeran que era el duque de Milán: sencillamente lo era; mientras que cuando él (Richardson) salía, ¡suponían que era fontanero!

El Próspero de Karen McCaffrey es una interpretación armada con poca antelación debido a un cambio de reparto de última hora, y merece elogios pese a sus inevitables limitaciones. Su decir del texto fue cuidadoso, bien articulado y siempre claro, pero le faltó la variedad de color y el matiz que más tiempo de ensayo podría haber aportado. Se desenvolvía mejor al ceder autoridad y poner en orden el microcosmos de la isla que al mostrar ira y una soberanía brusca e imperiosa. Su relación con el Ariel de Joseph Law fue conmovedora y menos manipuladora de lo habitual: de hecho, hubo mucha más ternura de la que suele verse en este papel, y mucho antes de que el perdón sea la consigna en el acto final. Las fortalezas y debilidades de su enfoque se apreciaron en su recitado de ese extraordinario parlamento «Vosotros, elfos de colinas, arroyos, lagos quietos y bosques», donde el registro emocional y técnico debe pasar de una cólera peligrosa, a lo Lear, a una aceptación afable y al perdón. Hubo demasiado poco de lo primero, pero lo segundo impresionó.

Como Miranda y Trínculo, Samantha Béart ofreció dos interpretaciones muy impresionantes y contrastadas, con una energía combativa común y una inventiva incansable, además de una atención minuciosa al texto. Stevie Basaula estuvo menos en sintonía con las formalidades de la dicción cuidadosa de Fernando, pero se movió con total soltura en la comedia de trazo grueso del borracho bufonesco Estéfano. Ruskin Denmark fue un Calibán constantemente excelente, actuando con bravura física y gran sensibilidad hacia las palabras: sentías cada pellizco y cada pinchazo con él, y cuando hacía falta no temía abrazar las exigencias retóricas de algunos de los versos más hermosos de la obra. El Ariel de Joseph Law fue igual de bueno: tanta energía y dirección de la acción le son delegadas por Próspero que Ariel necesita ser un empresario de mercurio si los acontecimientos no han de decaer. Y lo fue: vulnerable, misterioso e inquietante según lo requirieran las circunstancias, con unos encantadores toques de invención cómica para rematarlo.

El grupo de náufragos formado por Sebastián, Gonzalo, Alonso y Antonio fue dirigido muy claramente como un conjunto, y estuvo presente como una especie de coro durante buena parte de la acción, haciendo eco del ánimo de la escena mediante un movimiento bien modulando. Esto dio a su subtrama mayor protagonismo de lo habitual y hubo muchas oportunidades para que cada cual brillara tanto en la comedia como en la empatía. El Gonzalo de Marie Blount fue quizá el más expresivo de todos, como la conciencia del público, recordándonos las injusticias cometidas contra Próspero y Miranda.

El director Brandon Force y el director de movimiento Liam Steward-George merecen un gran reconocimiento por crear un montaje tan dinámico y detallado, con una exploración visual, coreográfica y textual continua en su núcleo. Y, de manera crucial, no intentan disolver ni explicar todos los misterios y encantamientos de esta obra inagotablemente fascinante, sino que se proponen simplemente evocarlos de forma memorable. Así, cuando los festejos han terminado y vuelves a una noche otoñal en Fulham, «Aún paladeáis algunas sutilezas de la isla, que no os dejarán creer ciertas las cosas…».

La tempestad se representa en London Theatre Workshop hasta el 24 de octubre