REZENSION: Der Sturm, Eel Brook Theatre ✭✭✭✭

Der Sturm

14/10/15

Eel Brook Theatre, Fulham

4 Sterne

Shakespeares letztes Stück enttäuscht nie. Aus jeder Inszenierung oder Bearbeitung, die ich im Lauf der Jahre gesehen habe, habe ich etwas Neues mitgenommen – ganz gleich, wie sehr ich das zugrunde liegende Konzept auch mochte oder ablehnte. Es gibt eine solche formale Vielfalt, eine metaphorische Dichte der Sprache und eine meisterhafte dramaturgische Handwerkskunst im Aufbau, dass jeder Anlass ein neues Entpacken einer seltenen Einsicht bietet – vielleicht nicht einmal beabsichtigt oder vom verantwortlichen Kreativteam überhaupt wahrgenommen. Es gibt keine Verschwendung, kein Füllmaterial, keinen Überfluss. Es ist eine Binsenweisheit, aber natürlich dennoch wahr, dass Prospero, der souveräne Magier, der am Ende sein Buch begräbt, seinen Stab zerbricht und seinen „luftigen Geist“ freilässt, Shakespeare selbst ist – wie er seine Kunst zusammenfasst und sich von ihr verabschiedet.

Bei einem so kunstvoll gearbeiteten, selbstbewusst geschaffenen Werk ist es zugleich erstaunlich flexibel, offen für sehr unterschiedliche Lesarten … anti- oder postkolonial, Prospero als Magus (Dr. Dee) oder als Impresario (Peter Greenaway). Es gibt keine einzige Landkarte für diese wundersame Insel, die nicht nur „voller Geräusche“ ist, sondern von einer Welt nahezu unendlicher Andeutungskraft erfüllt.  Ein Schlüssel zum Gelingen scheint allerdings offensichtlich: Jede Produktion ist gut beraten, die ganzen Mittel der Bühnenkunst auszuschöpfen – Klang, Licht, Musik, Kostüm, Maske, Bühnenbild, Videoprojektion und choreografierte Bewegung –, denn dieses Stück kommt der Welt von Oper und Ballett so nahe wie kaum ein anderes Drama: dem Anspruch, alle Künste in einer gemeinsamen Sache zu vereinen.

Zu den bemerkenswertesten Leistungen dieser durchgehend anregenden und klugen Produktion von London Theatre Workshop gehört, dass sie diesen Punkt vollkommen verstanden hat – und aus der Disziplin eines winzigen Budgets ein sinnliches, körperlich-kinetisches Erlebnis formt, das einen weit weg von einer nassen Nacht in Fulham trägt, hinein in eine Welt magischer Andeutungen, die viele üppig finanzierte Produktionen völlig verfehlen.

Das Bühnenbild beeindruckt auf den ersten Blick. Zwei quadratische Segel dominieren: eines über einer alten Holzpalette (die zugleich als das winzige Boot dient, in dem Prospero und Miranda ausgesetzt werden), das andere über einem höhlenartigen Eingang, mit Holzleisten verschalt – Prosperos Zelle. Die Rückwände sind mit zerknittertem weißem Papier ausgestopft, um die Wellen und Klippen der Insel zu symbolisieren. An den Seiten liegen ein paar Bücher und Holzkisten verstreut – mehr ist es nicht.

Und doch leisten diese scheinbar kargen Mittel Großes, wenn es darum geht, Atmosphäre und Farbe heraufzubeschwören. Die Segel dienen als Projektionsflächen für die Sturmszene, die Bücher erwachen als Vögel und magische Speisen zum Leben – allerdings ohne Prospero’s Books zu imitieren –, und die Plattform gibt dem Spiel eine vertikale Dimension sowie einen Aussichtspunkt, von dem aus sowohl Prospero als auch Ariel das Geschehen überblicken. Vor allem bleibt genügend Spielfläche vor der Bühne für ausgefeilte Bewegungsabläufe, die es ermöglichen, dass alle Figuren in Schlüsselmomenten gleichzeitig auf der Bühne präsent sind und dem Text eine visuelle Deutung geben. Bühnen- und Requisitendesign haben Fantasie und Ökonomie souverän zusammengeführt und sehr feine Ergebnisse erzielt – alle Anerkennung für Justin Williams, Harry Johnson, Anna Nguyen und Dominika Visy.

Damit verbunden ist ein gut durchgehaltener Soundtrack, der so gut wie durchgehend läuft – von der Ankunft der schiffbrüchigen Würdenträger auf der Insel bis zur Abschwörung der Magie. Die Insel ist tatsächlich „voller Geräusche“, und zwar auf überzeugende und plausible Weise, dank des elektronischen Sounddesigns von Edmund Shaw sowie James Neales betörender Musik und Songs. Die Gesamtwirkung ist zugleich schön und unheimlich geheimnisvoll – genau richtig für eine Welt „rauer Magie“.

Auch Kostüm- und Lichtdesign leisten mit begrenzten Mitteln erstaunlich viel. Das Lichtteam Jordan Lightfoot und Ben Homer katapultiert uns mit einem geschickt gesetzten Ruck in einen äußerst wirkungsvollen Sturm und Schiffbruch, und Evie Holdcroft sowie Ray Rackham geben jeder Figur ein unverwechselbares, passendes Outfit, das Rang und Status sofort erkennen lässt – und zugleich exotische Akzente findet. Ein Turban-Dreh für den Edelmann, ein angemessen glitzerndes Zaubergewand für Prospero, ein grobes Fell für den ohnehin von Natur aus zotteligen Caliban …

Und damit zur Besetzung und zum Ensemble. Es ist eine genderblind besetzte Produktion mit sechs Frauen und drei Männern. Die Darstellenden von Miranda und Ferdinand übernehmen außerdem Trinculo und Stephano, und Ariel erscheint als Bootsmann. Diese Strategie erzeugte – soweit ich sehen konnte – keinerlei Probleme und stand überzeugenden Leistungen nicht im Weg, wie es womöglich der Fall gewesen wäre, wenn auch Ferdinand oder Caliban das Geschlecht gewechselt hätten. Gerade Prospero erscheint mir ohnehin nicht als eine von Natur aus gegenderte Rolle – nötig sind natürliche, bisweilen beunruhigende Autorität und dann die Fähigkeit, sie wieder abzugeben. Geschlecht ist hier nicht das Thema. Ralph Richardson sagte einmal, wenn John Gielgud die Bühne betrat, musste man dem Publikum nicht erklären, dass er der Herzog von Mailand sei – er war es ganz offensichtlich; wenn hingegen er (Richardson) auftrat, nahm man an, er sei Klempner!

Karen McCaffreys Prospero ist eine Leistung, die kurzfristig durch eine spätes Umbesetzen zustande kam – und trotz unvermeidlicher Einschränkungen Lob verdient. Ihre Textbehandlung war sorgfältig, präzise akzentuiert und stets klar, doch es fehlte jene Vielfalt an Färbungen und Nuancen, die mehr Probenzeit vermutlich ermöglicht hätte. Sie war stärker darin, Autorität loszulassen und den Mikrokosmos der Insel ins Lot zu bringen, als darin, Zorn sowie schroffe, gebieterische Souveränität zu zeigen. Ihre Beziehung zu Joseph Laws Ariel war berührend und weniger manipulierend als üblich – tatsächlich war in dieser Rolle deutlich mehr Zärtlichkeit zu sehen, und das lange bevor Vergebung im letzten Akt zur Tagesordnung wird. Stärken und Schwächen ihres Ansatzes zeigten sich in ihrer Gestaltung der außergewöhnlichen Rede „Ihr Elfen von Hügeln, Bächen, stehenden Seen und Hainen“, in der die emotionale und technische Spannweite von gefährlicher, Lear-ähnlicher Wut zu heiterer Annahme und Vergebung führen muss. Von Ersterem gab es zu wenig, Letzteres beeindruckte.

Als Miranda und Trinculo lieferte Samantha Béart zwei sehr beeindruckende, gegensätzliche Leistungen ab, verbunden durch eine gemeinsame, kämpferische Energie, geschäftige Erfindungskraft und große Textgenauigkeit. Stevie Basaula war weniger zuhause in den Förmlichkeiten von Ferdinands sorgfältiger Diktion, dafür völlig in seinem Element mit der groben Komik von Stephanos betrunkenem Klamauk. Ruskin Denmark gab einen durchweg starken Caliban, mit körperlicher Bravour und großer Sensibilität für die Worte – man spürte jedes Zwicken und Stechen mit ihm, und wenn nötig scheute er sich nicht, die rhetorischen Anforderungen einiger der schönsten Verse des Stücks voll anzunehmen. Joseph Laws Ariel war ebenso gut – so viel von Energie und Verlauf der Handlung wird ihm von Prospero übertragen, dass Ariel ein quecksilbriger Impresario sein muss, wenn die Ereignisse nicht ins Stocken geraten sollen. Genau das war er: je nach Bedarf verletzlich, geheimnisvoll und beunruhigend, gekrönt von einigen wunderbaren Einfällen komischer Erfindung.

Die schiffbrüchige Gruppe um Sebastian, Gonzalo, Alonso und Antonio wurde stark als Ensemble geführt und war über weite Strecken als eine Art Chor präsent, der die Stimmung der Szene in gut modulierten Bewegungen spiegelt. Das verlieh ihrer Nebenhandlung mehr Gewicht als üblich, und es gab zahlreiche Gelegenheiten, dass Einzelne sowohl komisch als auch mitfühlend glänzen konnten. Marie Blounts Gonzalo war dabei vielleicht die ausdrucksstärkste Figur von allen – als Gewissen des Publikums, das uns an das Unrecht erinnert, das Prospero und Miranda angetan wurde.

Regisseur Brandon Force und Movement Director Liam Steward-George verdienen großes Lob dafür, mit kontinuierlicher visueller, choreografischer und textlicher Erkundung im Zentrum eine derart dynamische und detailreiche Produktion geschaffen zu haben. Entscheidend ist, dass sie nicht versuchen, alle Geheimnisse und Verzauberungen dieses unendlich faszinierenden Stücks aufzulösen oder zu erklären, sondern sie schlicht so zu evozieren, dass sie in Erinnerung bleiben. Und wenn die Festspiele enden und man in eine Herbstnacht in Fulham zurückkehrt, „schmeckt ihr noch immer einige Feinheiten der Insel, die euch nicht glauben lassen, dass Dinge gewiss sind …“

Der Sturm läuft im London Theatre Workshop bis zum 24. Oktober