INTERVIEW: Tom Stocks - Gründer von Actor Awareness

Vor nicht allzu langer Zeit habe ich einen Artikel gelesen, in dem Dame Judi Dench ihre Sorge äusserte, dass schauspielerisches Talent durch die Trennung nach Vermögen zunehmend unter die Räder gerät. Es scheint, dass diejenigen, die sich eine Ausbildung an einer Drama School nicht leisten können, keinen Platz in einem Drama-School-Programm bekommen oder sich dafür entscheiden, ihr Studium an einer Universität zu absolvieren, auf einen Umweg in die Branche gedrängt werden. Wie können wir also etwas verändern, damit die Branche allen eine faire Chance gibt – ganz gleich, aus welchem Umfeld man kommt?

Angetrieben von der Ungleichheit und dem eklatanten Mangel an Diversität in der Kunstbranche startete Tom Stocks „Actor Awareness“ – eine Kampagne, die dafür kämpft, dass Schauspieler*innen aus weniger privilegierten Verhältnissen dieselben Chancen erhalten wie jene mit stärkerer finanzieller Rückendeckung. In den Spotlight Studios, geschützt vor einem Wind, der einen vermeintlichen Sommer davongeblasen hatte, habe ich mich mit Tom vor der „Women“-Scratch Night von Actor Awareness zusammengesetzt, um herauszufinden, wie weit die Kampagne inzwischen gekommen ist – und wie weit die Branche noch gehen muss, bis soziale Klassen wirklich gleich behandelt werden und Talent als entscheidende Triebkraft zählt.

Hallo Tom! Was hat dich ursprünglich dazu bewegt, diese Kampagne ins Leben zu rufen?

TS:   Ich wurde zweimal an der E15 angenommen und musste meinen Platz beide Male leider zurückstellen, weil ich es mir nicht leisten konnte. Im ersten Jahr, als ich einen Platz angeboten bekam, habe ich 50 Stunden pro Woche als Koch gearbeitet – und konnte es trotzdem nicht bezahlen. Beim zweiten Mal habe ich wieder durchgehend gearbeitet, aber selbst mit ein bisschen Hilfe von anderer Seite konnte ich die Gebühren nicht aufbringen. Ich habe dann ein paar Blogs darüber geschrieben, und die Leute haben darauf reagiert und gesagt, da müsse etwas passieren. Ich wusste nicht, wo ich anfangen sollte, aber mir wurde klar, dass viele in derselben Lage sind wie ich. Also dachte ich, ich versuche mein Bestes, um etwas zu verändern – und so wurde Actor Awareness geboren. Ich hatte kein Geld, um in die Kampagne zu investieren, also dachte ich, Social Media wäre der beste Startpunkt; es begann als Hashtag, und dann habe ich für unser erstes Treffen den The Pheonix Artist Club gemietet. Von da an kam alles ins Rollen.

Tom Stocks Leider konntest du nie an der E15 studieren, aber du hast einen Abschluss an der Newport University gemacht. Wie, glaubst du, hat dich die Universität auf die Branche vorbereitet – im Vergleich zu dem, was Drama Schools bieten können?

TS:   An der Universität ist die Ausbildung viel akademischer, und ich denke, der Hauptunterschied ist: An der Drama School gibt es ein Showcase, zu dem Agent*innen kommen. An der Uni hatten wir zwar auch ein Showcase, aber es ist keine einzige Agentur erschienen. Bei der Universität – ja, man hat am Ende Schulden, aber zumindest unterstützt einen der Staat; an Drama Schools ist es privat finanziert.

Während meines Studiums sah ich, dass ein lokales Theater ein Pantomime-Stück „Robin Hood“ auf die Beine stellte, und ich dachte, vielleicht kann ich mitmachen. Sie hatten Vorsprechen für unbezahlte Rollen, aber ich dachte: „Mal sehen, was passiert“, und ich bekam eine Rolle als einer der Haupttänzer. Es kam dann dazu, dass ich noch studiert habe, nebenbei gearbeitet habe und für die Panto geprobt habe; ich erklärte der Company, dass ich mich – weil die Rolle nicht bezahlt war – nicht dazu verpflichten könne, jeden Abend zu spielen. Ich musste im Studium und im Job am Ball bleiben, um mir das Ganze überhaupt leisten zu können. Am Ende bot mir das Team dann eine volle Gage an, wenn ich jede Vorstellung spiele – also kündigte ich meinen Job für einen Monat, um es zu machen. Ich probte also weiter für die Panto und in der Mittagspause probte ich fürs Uni-Showcase – ich jonglierte beides gleichzeitig. Ich denke, es war eine wirklich gute Erfahrung, weil ich meinen ersten professionellen Job bekommen habe, und im Jahr darauf wurde mir wieder eine Rolle in ihrer Pantomime angeboten – das hat meine Schauspielkarriere ein Stück weit ins Rollen gebracht.

Glaubst du, dass Universitätskurse eine Zukunft haben, wenn sie als anerkannte Ausbildungsstätten ignoriert werden?

TS:   Ich glaube nicht, dass es die Schuld der Universitäten ist; ich denke, manche Agent*innen und Leute, die diese Branche prägen, sind da ein bisschen snobistisch. Wenn du in einen Auditionraum gehst und erklärst, dass du an einer Universität ausgebildet wurdest, rümpfen manche die Nase. Es geht darum, die Wahrnehmung von Uni-Kursen zu verändern. Ich sage nicht, dass jede Universität grossartig ist – das sind sie nicht. Aber seit dem Wegfall von Drama UK, die alle Drama Schools ein Stück weit in Schach gehalten haben – ja, es ist traurig, dass es sie nicht mehr gibt, aber gleichzeitig ist es jetzt eine Chance zu sagen: „Warum muss man auf eine Drama School gehen, um in dieser Branche zu arbeiten? Warum kann nicht auch eine Universität in diese Top-20-Liste anerkannter Ausbildungsstätten aufgenommen werden?“ Und wir müssen weg davon, alles so London-zentriert zu denken.

Worauf basiert die Branche deiner Meinung nach – noch vor Talent? Und was können Casting Directors und andere Branchenprofis tun, um Veränderung zu bewirken? Bist du zum Beispiel ein Befürworter von offenen Auditions?

TS:   Es basiert auf vielen Dingen, aber im Moment scheint Geld der Eingangscode zu sein. Du kannst zum Beispiel nicht auf eine Drama School gehen, wenn du – so wie ich – nicht genug Geld für die Gebühren hast, also musst du einen anderen Weg finden. Für mich war das zum Glück Actor Awareness, aber nicht jede*r kann einfach so eine Kampagne starten.

Ich glaube, offene Auditions werden oft veranstaltet, damit es so aussieht, als würde eine faire Chance geboten – aber vieles ist reine PR. Manchmal kann aus einer offenen Audition etwas Grossartiges entstehen, aber oft habe ich das Gefühl, dass Rollen längst vergeben sind und Schauspieler*innen wie ich nur ein kleines bisschen Hoffnung hingeworfen bekommen.

Ich finde, Workshops bringen oft nicht viel. Sie nerven mich. Warum sollte man 50 Pfund zahlen müssen, um eine*n Casting Director zu treffen, ein paar Fragen zu stellen und für seine/ihre Meinung zu bezahlen? Ich kann auch eine Meinung haben – und die kann genauso gut sein wie seine/ihre. Oft geht man in so einen Workshop mit dem Gefühl, man könnte von einem Casting Director oder einer Agentur „entdeckt“ werden – manchmal passiert das auch, aber meistens nicht. Wenn du einen Workshop machst, dann bezahl bitte für etwas, das wirklich etwas bringt, und nicht nur für die Meinung einer Person. Wenn du nicht die Meinung bekommst, die du dir erhoffst, kann das deine Karriere ruinieren, weil du dann denkst, du seist nicht gut genug. Dabei bist du es! Es ist nur so, dass diese eine Person das nicht so sieht – tja, und es gibt Tausende andere Casting Directors, die dich vermutlich grossartig finden. Du musst aufhören, in dieser Branche ein Roboter zu sein, und du selbst sein. Ich gehe zum Beispiel nicht in Schwarz zu Auditions, weil das meine Persönlichkeit nicht zeigt. Ich komme in Trainers – und ehrlich gesagt hat mir das schon einmal eine Rolle eingebracht. Geh nicht in ein Vorsprechen und spiele auf eine bestimmte Art, nur weil ein Casting Director dir einmal gesagt hat, du sollst es so machen. Wir haben so viel Angst, Dinge anders zu probieren, falls es einer Person nicht gefällt.

Ausserdem kannst du merkwürdigerweise ohne Spotlight nicht wirklich Schauspieler*in sein – aber um bei Spotlight zu sein, brauchst du eine anerkannte Ausbildung oder drei professionelle Credits im Lebenslauf. Das ist wie im Kreis rennen. Wie kommt man ohne Drama School in die Branche – und ohne Drama School, wie bekommt man die professionellen Credits, ausser man denkt wirklich um die Ecke? Viele Drama Schools lehren alte Ansätze und versuchen, dich direkt ins West End zu bringen. Warum bringen wir den Leuten nicht bei, wie man T.I.E. (Theatre in Education) macht – so fangen viele überhaupt erst an? Warum lehren wir nicht, wie man eigene Arbeiten entwickelt, und ermutigen zu mehr neuer Dramatik? Das ist heute der Schlüssel: eigene Arbeit zu schaffen und Plattformen wie unsere Scratch Nights zu nutzen, um vor Agent*innen zu kommen.

Deine Scratch Nights sind sehr erfolgreich. Wie haben sie sich seit deiner ersten Veranstaltung entwickelt?

TS:   Für unsere erste Scratch Night zum Thema „Working Class“ haben wir, glaube ich, etwa 20 Einsendungen von Autor*innen bekommen – wenn überhaupt. Jedes Mal werden es mehr, und für diese „Women“-Nacht haben wir über 100 Skripte gelesen. Sie finden jeden zweiten Monat statt, und dieses Jahr haben wir etwa 7 oder 8 Scratch Nights geplant. Die Lücken versuche ich mit den Filmabenden zu füllen, die ungefähr 3- bis 4-mal im Jahr stattfinden werden.

Wir haben inzwischen etwa fünf Shows, die von den 15-minütigen Stücken der Scratch Night zu abendfüllenden Produktionen weiterentwickelt wurden und dann in London und anderen Teilen des UK gespielt wurden – das ist wirklich toll! Einige der Schauspieler*innen wurden auch von Agenturen aufgenommen; es hat lange gedauert, bis wir an diesem Punkt waren, aber es funktioniert. Heute Abend, bei der „Women“-Scratch Night, kommen vier Agent*innen – das sorgt für richtiges Knistern. Wir produzieren unsere Scratch Nights inzwischen in den Spotlight Studios, und wir sind die einzige bezahlte Scratch Night im UK – wir werden also einfach immer grösser und besser.

„Die ganze Welt ist eine Bühne, aber nicht alle Spieler sind gleich“ ist der Slogan eurer neuen Dokumentation über Schauspieler*innen aus der Arbeiterklasse. Wann können wir mit der Veröffentlichung rechnen, und wie können wir sie sehen? TS:   Wir sind mit den Dreharbeiten fast fertig, also sollte sie bis zum Sommer fertig sein – das ist sehr aufregend! Sie wird weder online gestellt noch im Fernsehen ausgestrahlt, aber wir werden sie als private Screenings auf Tour durchs UK zeigen – in London und Manchester und überall dort, wo wir sie hinbringen möchten. Ich bin sicher, wir reichen sie auch bei Festivals ein und nehmen sie vielleicht mit an Drama Schools. Wir wollen so viel Wirbel wie möglich machen und so viel Debatte wie möglich auslösen. Es gab schon viel Diskussion, aber ich will damit etwas verändern und zeigen, was hier eigentlich passiert. Als ich die Idee ursprünglich hatte, war sie nicht einmal in erster Linie für die Branche gedacht, sondern dafür, dass ganz normale Leute verstehen, was Schauspieler*innen, Autor*innen und Regisseur*innen durchmachen müssen. Diese Menschen kommen nicht einfach so bei Coronation Street unter – es ist ein harter Weg, um in diese Branche hineinzukommen, und genau das sollen die Leute verstehen. Eine tolle Mischung bekannter Gesichter hat ihre Unterstützung gezeigt, und einige sind mit an Bord gekommen, um ihre Meinung beizusteuern – darunter Maxine Peake, John Challis („Boycie“ aus Only Fools & Horses), Christopher Eccleston, Sam West und Andrew Ellis. Du hast diese Kampagne nach Westminster getragen und mit der Labour Party gesprochen. Wie kam es dazu, und was wurde bislang besprochen?

TS:   Ich habe von einer Kampagne namens „Acting Up“ gehört und dachte, ich könnte mich einbringen. Ich habe vielen Leuten in der Labour Party eine E-Mail geschrieben, und irgendwann hat sich endlich jemand gemeldet. Wir hatten ein Treffen, bei dem mir erklärt wurde, was passiert. Sie führen sogenannte „Evidence Sessions“ durch, bei denen sie Branchenleute einladen, um darüber zu sprechen, was vor sich geht, bevor sie überhaupt etwas umsetzen können. Wenn diese abgeschlossen sind, halten sie ein Policy-Meeting ab, bei dem sie alle gesammelten Belege schriftlich zusammenführen und besprechen, wie sie daraus eine politische Massnahme machen; am Ende wird das dann dem Parlament vorgelegt. Ich war an der ersten Sitzung beteiligt und habe meine Aussagen eingebracht – jetzt schauen wir, was passiert. Die Leute, die das leiten, sind unglaublich engagiert und wollen wirklich Veränderung. Zumindest ist es jetzt auf Regierungsebene angekommen.

Welchen Rat würdest du denen geben, die sich an einer Drama School bewerben, aber nicht aufgenommen werden oder sich das Studium wegen finanzieller Schwierigkeiten nicht leisten können?

TS:   Was ich an der Universität mochte, war, dass ich die akademische Seite gelernt habe. An der Drama School bekommst du die praktische Seite – und das ist grossartig – aber nach dem, was ich gehört habe, lernt man dort nicht besonders viel über Dramatiker*innen und Kontext. Wenn du dir eine Drama School nicht leisten kannst, würde ich einen Uni-Kurs machen und danach über einen Master an einer Drama School nachdenken. Dann hast du das Beste aus beiden Welten. Verschulde dich nicht. Und wenn es mit der Schauspielerei leider nicht klappt, hast du immerhin einen Abschluss, auf den du zurückgreifen kannst. Wenn du nicht an einer Drama School genommen wirst und nicht an eine Uni willst, dann schnapp dir ein paar Freund*innen, die genauso leidenschaftlich sind wie du, und fang an, eigene Arbeiten zu entwickeln. Mach ein Showcase und lade so viele Leute ein, wie du kannst. Tu alles, um dir einen guten Ruf aufzubauen – das ist in dieser Branche ein grosses Ding. Ich weiss, du willst es unbedingt, aber sei nicht verzweifelt. Sei leidenschaftlich, aber geduldig. Drama School ist nicht das A und O – du musst nur graben, um andere Wege hinein zu finden. Sprich Leute an und vernetze dich. Im Moment zählt, wen du kennst, nicht was du kannst. Ich bin nach London gezogen und kannte niemanden. Sei mutig. Was ist das Schlimmste, das passieren kann?

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