REZENSION: Evita, Dominion Theatre ✭

Evita Dominion Theatre 20. September 2014 1 Stern Das Dominion Theatre wurde umfassend und mit viel Liebe zum Detail renoviert. Es ist in jeder Hinsicht ziemlich wunderschön und vermag das Gefühl von Broadways Palace Theatre heraufzubeschwören, das direkt gegenüber vom Times Square liegt. Aktuell kann man sich dort für die stattliche Summe von 67,50 £ einen Platz im Parkett (ohne Premium-Aufschlag) sichern, um die Wiederaufnahme von Evita zu sehen – Andrew Lloyd Webber und Tim Rices Hit-Musical von 1978, das jetzt in einer Produktion unter der Leitung von Bob Thomson und Bill Kenwright im West End zu sehen ist.

Wer das tut, tut es auf eigene Gefahr.

Für mich ist es die schlechteste Musicalproduktion, die ich je auf einer West-End-Bühne gesehen habe. Sie lässt einen nach Too Close Too The Sun zurücksehnen.

Stell dir vor – wenn du kannst –, du bist ein kleines Kind und liest dein Lieblingsbuch im Garten deiner Grossmutter, dem sichersten Ort, den du kennst. Plötzlich explodieren überall um dich herum Granaten und überfallen dich mit Schallwellen, die sich in dein Gehirn krallen und von dort bis in die Zehenspitzen schreien – mit einer Heftigkeit, die niemals nachlässt und Berge spalten könnte. Gleichzeitig erscheint dir deine Grossmutter – jemand, den du über Jahre geliebt und bewundert hast, den du hast reifen sehen, von einem jüngeren Modell zu einer anmutig gealterten Perfektion – so, wie du sie noch nie gesehen hast: schärfer, spröder, ohne Finesse, ohne Anmut, ohne Weichheit, unerbittlich fad, eindimensional und eine einzige Ausstrahlung des Grauens. Und zur selben Zeit fühlt es sich an, als würdest du in Treibsand versinken: Du bekommst kaum Luft, und wenn doch, dann meist nur deshalb, weil du nicht wirklich sprechen kannst und das Ausatmen die einzige Handlung ist, zu der du noch fähig bist. Es ist, als hätte dich die Hölle gepackt – und würde nicht mehr loslassen.

Wenn du dir das vorstellen kannst, musst du diese Wiederaufnahme von Evita nicht sehen. Denn genau diese Reaktion ruft sie hervor.

Musikalisch ist das auf nahezu jeder Ebene unerquicklich. Die Orchestrierungen klingen in diesem Raum blechern und banal; fast niemand singt sauber oder mit Linie – es gibt schlicht kein Gefühl dafür, eine Geschichte durch Musik zu erzählen. Alles ist forte, meist dreifach forte. Als Musikalischer Leiter wird David Steadman genannt – nach diesem Ergebnis sollte man ihm den Taktstock umgehend abnehmen und ihn nach Island auf eine kleine, unbewohnte Insel schicken, damit er dort gregorianische Choräle intoniert. Das Sounddesign – Dan Samson – verstärkt den akustischen Angriff zusätzlich. Die Sängerinnen und Sänger brüllen, und dann werden sie auch noch übermässig verstärkt. Es ist gleichermassen grotesk wie grauenhaft.

Diese grosse Partitur auf diese Weise behandelt zu hören, ist schlichte Folter. Waterboarding wäre danach ein Spaziergang im Park.

Erst im zweiten Akt, beim Song Rainbow Tour, hört man endlich Männerstimmen mit Farbe, Timbre, Interesse, Linie und Klarheit – und es entsteht tatsächlich der Eindruck, dass die Sänger den Text verstehen und versuchen, die Absicht und das Gefühl darunter zu vermitteln. Diese beiden, Joel Elferink und Joe Maxwell, spielen die Kabinettsminister; keine Hauptrollen. (Der Vollständigkeit halber: Elferink hatte zuvor bereits eine Solozeile, die ebenfalls sein Können zeigte.) Keiner der Hauptdarsteller spielt in ihrer Liga, und es ist schwer zu begreifen, warum Elferink nicht Che spielt.

Denn Marti Pellow spielt Che – und an seiner Leistung ist nichts akzeptabel. Er ist ständig daneben, singt ohne Kraft oder Stil und betont das „kon“ in lakonisch – eine Haltung, die er offenbar für passend hält zu seiner eindimensionalen Darbietung. Vokal groont er: eine Art grimassierendes Crooning, das in jeder Hinsicht schmerzt und dafür sorgt, dass man den Text nie versteht.

Als Perón ist Matthew Cammelle ein reizender Holzklotz. Nichts an seiner Darstellung ist verschlagen, politisch, kalkulierend oder auch nur lebendig. Ja, gelegentlich haut er einen grossen Ton heraus – aber Perón ist eine Rolle, die einen begnadeten Schauspieler ebenso braucht wie einen begnadeten Sänger.

Ben Forster hat eine beeindruckende Stimme, aber als Magaldi ist er komplett eindimensional, und seine Stimme wird in den X-Factor-Show-off-Modus geschaltet statt in den Musicaltheater-Modus. Was grossartig sein könnte, ist schlicht langweilig. Mit einer besseren Regie hätte er durchaus ein beeindruckender Magaldi sein können.

Sarah McNicholas hat eine süsse Stimme und liefert mühelos den besten Moment des Abends: Another Suitcase In Another Hall. Aber „der beste“ ist hier eben nicht besonders gut. McNicholas wirkt völlig losgelöst vom Drama des Moments, von den echten Gefühlen, die den Song tragen – es ist noch ein X-Factor-Moment.

Madalena Alberto ist keine Schauspielerin, und das prägt ihre Leistung als Eva. Dazu kommt ein schales, leidenschaftsloses Regiekonzept. Wenn du nicht wüsstest, dass Eva an Gebärmutterhalskrebs starb, wüsstest du es nach dieser Inszenierung – so deutlich wie plump sind die Hinweise auf dieses Schicksal, die Alberto zu markieren hat. Es ist nicht nur das Overacting; es ist die Unfähigkeit zu funkeln, zu blitzen, zu verführen, zu bezaubern. Ihr fehlt durch und durch die Starqualität, die Eva in jeder Hinsicht ausstrahlen muss.

Albertos Stimme ist oben in der Belt-Lage grossartig – aber das ist es dann auch fast. Die tiefen und mittleren Register, in denen so viel der Partitur liegt und die Eva Vielschichtigkeit und Sogkraft verleihen, sind einfach nicht stark genug, und sie scheint zu keiner weichen oder kontrastierenden Klangfarbe fähig. Wenn man für die Melodie in Rainbow High einen Rex-Harrison-Ansatz braucht, ist man im falschen Stück. Und wann hat es je eine Evita-Produktion gegeben, bei der am Ende von Don’t Cry For Me Argentina kein einziger Mensch geklatscht hat – obwohl es so angelegt war, dass es sogar zwei Applausstellen gab? Schrilles Nörgeln macht noch keine Evita.

Das Ensemble arbeitet sehr hart und sieht gut aus. Es führt Bill Deamers Choreografie mit Bravour aus, selbst die Passagen, die idiotisch sind. Man hört sie allerdings kaum – höchstens als Klangteppich; das liegt eher an Regie und Sounddesign als an ihren Fähigkeiten. Diktion scheint im Regieteam niemanden zu interessieren.

Auch wenn weder Bühnenbild noch Kostüme besonders originell oder erfinderisch sind, bekommt Matthew Wright Bestnoten dafür, dass er die professionellsten Aspekte der Produktion im Griff hat. Mark Howetts Lichtdesign ist ebenfalls ausgezeichnet.

Die Regie und das Konzept, das diese Produktion trägt, sind kaum zu fassen. Insgesamt könnte man verzeihlichweise glauben, man sähe die Arbeit von Grundschulkindern, die in ihrer Zweitsprache Musicaltheater inszenieren und erschaffen. Che macht in Rainbow High an einer Stelle eine Anspielung auf „gutter theatrical“, und insgesamt hat man das Gefühl, dass genau dieser Ausdruck für Tomson und Kenwright als Referenzpunkt und Leitbild ihrer Vision gedient hat. Wenn ja, dann haben sie voll ins Schwarze getroffen.

Wobei: Das Publikum gab dem Ensemble Standing Ovations und zeigte sich besonders laut in seiner Verehrung für Forster und Pellow; und Alberto schien man klar zu mögen. Gleichzeitig flüchtete aber auch eine beträchtliche Anzahl von Menschen in der Pause. Die, die nichts über Evita wussten – und die, die es wussten? Vielleicht.

Wenn mich heute Morgen jemand gefragt hätte, ob irgendeine Produktion eines Andrew-Lloyd-Webber-Musicals mich je dazu bringen könnte, mich stattdessen nach Stephen Ward zu sehnen, hätte ich den Gedanken mit verächtlichem Spott abgetan. Diese Produktion von Evita hat mir den Irrtum meiner Annahme gezeigt.