RECENSIONE: Evita, Dominion Theatre ✭

Evita Dominion Theatre 20 settembre 2014 1 stella Il Dominion Theatre è stato ristrutturato in modo ampio e con grande cura. È davvero splendido sotto ogni aspetto e riesce a evocare l’atmosfera del Palace Theatre di Broadway, proprio di fronte a Times Square. In questo momento, alla modica cifra di 67,50 £, puoi assicurarti un posto in platea (non Premium) per vedere la ripresa di Evita, il musical di successo del 1978 di Andrew Lloyd Webber e Tim Rice, ora in scena in un allestimento firmato da Bob Thomson e Bill Kenwright.

Ma lo fai a tuo rischio e pericolo.

Per quanto mi riguarda, è la peggior produzione di un musical che abbia mai visto su un palcoscenico del West End. Ti fa rimpiangere persino Too Close Too The Sun.

Immagina, se ci riesci, di essere un bambino che legge il suo libro preferito nel giardino della nonna, il posto più sicuro che conosca. All’improvviso esplodono granate tutt’intorno, investendoti con onde sonore che ti afferrano il cervello dall’interno e urlano da lì fino alla punta dei piedi con una ferocia che non si placa mai e che potrebbe spaccare le montagne. Nel frattempo, tua nonna, una persona che hai amato e ammirato negli anni, che hai visto trasformarsi da giovane modello a perfezione maturata con grazia, ti appare come non l’hai mai vista. Più tagliente, più fragile, senza finezze, senza grazia, senza morbidezza: implacabilmente piatta, monotona, e irradiante atrocità. E nello stesso istante ti sembra di sprofondare nelle sabbie mobili, non riesci a respirare bene e quando ci riesci di solito è perché non riesci davvero a parlare, quindi espirare è l’unica azione di cui sei capace. È come se l’Inferno ti avesse reclamato e non volesse lasciarti andare.

Se riesci a immaginarlo, non hai bisogno di vedere questa ripresa di Evita. Perché è esattamente la reazione che suscita.

Musicalmente è inetto quasi a ogni livello. Le orchestrazioni, in questo spazio, suonano metalliche e banali; quasi nessuno canta intonato o con fraseggio: non c’è alcun senso di racconto attraverso la musica. È tutto forte, perlopiù triplo forte. David Steadman è accreditato come direttore musicale: a giudicare da questo, bisognerebbe togliergli immediatamente la bacchetta e spedirlo a intonare canti gregoriani su una piccola isola disabitata in Islanda. Anche il sound design – Dan Samson – contribuisce all’assalto uditivo. I cantanti strepitano e poi vengono amplificati oltre misura. È grottesco e raccapricciante in egual misura.

Ascoltare questa grande partitura trattata così è pura tortura. Dopo, il waterboarding sembrerebbe una passeggiata.

Solo nel Secondo Atto, e con il brano Rainbow Tour, si sentono finalmente voci maschili con colore, timbro, interesse, fraseggio e chiarezza, e si percepisce davvero che i cantanti capiscono il testo e cercano di trasmetterne l’intenzione e l’emozione sottostante. Sono Joel Elferink e Joe Maxwell, che interpretano i ministri di gabinetto: non ruoli da protagonisti. (Per assoluta correttezza, Elferink aveva anche una battuta solista in precedenza che metteva in luce la sua bravura). Nessuno dei protagonisti è al loro livello, ed è piuttosto difficile capire perché Elferink non interpreti Che.

Perché Che lo interpreta Marti Pellow, e nella sua prova non c’è nulla di accettabile. È costantemente stonato, canta senza potenza né stile, e sottolinea la “con” in laconic, la posa che sembra ritenere adatta alla sua interpretazione monocorde. Vocalmente, bofonchia e mugola: una sorta di crooning deformato che è doloroso sotto ogni aspetto e che fa sì che il testo non si senta mai.

Nei panni di Perón, Matthew Cammelle è un delizioso pezzo di legno. Non c’è nulla di scaltro, politico, calcolatore o anche solo vivo nella sua caratterizzazione. Sì, ogni tanto tira fuori una nota notevole, ma Perón è un ruolo che richiede un attore dotato oltre che un cantante dotato.

Ben Forster ha una voce impressionante, ma come Magaldi è totalmente monocorde e la sua voce è portata in modalità “esibizione da talent” più che in modalità interpretazione da musical. Così ciò che potrebbe essere grandioso risulta semplicemente noioso. Con una regia adeguata, avrebbe potuto essere un Magaldi davvero notevole.

Sarah McNicholas ha una voce dolce, e regala con facilità il momento migliore della serata con Another Suitcase In Another Hall. Ma “migliore”, qui, non significa granché. McNicholas sembra completamente scollegata dal dramma del momento, dai sentimenti reali che sostengono il brano: è un altro momento da talent.

Madalena Alberto non è un’attrice, e questo definisce la sua Eva. Non è aiutata da un’impostazione registica fasulla e senza passione. Se non sapessi che Eva muore di cancro al collo dell’utero, lo capiresti dopo questo allestimento: tali sono i cenni espliciti e insieme ottusi a quel destino che Alberto è costretta a segnalare. Non è solo il sovrarecitare: è l’incapacità di brillare, di scintillare, di sedurre, di incantare. Le manca completamente la qualità da star che Eva deve emanare in ogni istante.

La voce di Alberto è ottima nella parte alta del belting, ma praticamente finisce lì; il registro grave e quello centrale, dove è collocata buona parte della partitura e che permettono a Eva di essere sfaccettata e magnetica, non sono abbastanza solidi, e lei sembra incapace di colori vocali morbidi o di contrasti. Se devi adottare un approccio alla Rex Harrison per l’intonazione in Rainbow High, sei nello spettacolo sbagliato. E quando mai c’è stata una produzione di Evita in cui non abbia applaudito neppure una persona alla fine di Don’t Cry For Me Argentina, nonostante fosse impostato in modo da incoraggiare due punti d’applauso? Un lamentoso stridore non fa un’Evita.

L’ensemble lavora durissimo e fa una gran figura. Esegue con disinvoltura tutta la coreografia di Bill Deamer, anche nelle sezioni che sono idiote. Non si riesce a distinguerli se non come una coltre sonora, ma questo dipende più da regia e sound design che dalle loro capacità. La dizione non sembra interessare a nessuno nel team registico.

Pur non essendoci nulla di originale o particolarmente inventivo né nelle scene né nei costumi, Matthew Wright merita il massimo dei voti per aver supervisionato gli aspetti più professionali della produzione. Anche il lighting design di Mark Howett è eccellente.

La regia e il concept che sorreggono questa produzione sfidano la credulità. Nel complesso, si potrebbe perdonare chi pensasse di stare guardando il lavoro di alunni delle elementari che dirigono e creano musical in una seconda lingua. A un certo punto, in Rainbow High, Che fa un riferimento al “gutter theatrical” e la sensazione generale è che quell’espressione sia stata il punto di riferimento per Thomson e Kenwright e per la loro visione di questo allestimento. Se era così, hanno centrato in pieno.

Detto questo, il pubblico ha tributato al cast una standing ovation ed è stato particolarmente rumoroso nella sua adorazione per Forster e Pellow, e ha chiaramente apprezzato Alberto. Ma, allo stesso tempo, un numero significativo di persone è scappato all’intervallo. Quelli che non sapevano nulla di Evita e quelli che lo conoscevano? Forse.

Se stamattina qualcuno mi avesse chiesto se una qualunque produzione di un musical di Andrew Lloyd Webber avrebbe mai potuto farmi desiderare di stare vedendo Stephen Ward invece, avrei deriso l’idea con sprezzante sarcasmo. Questa produzione di Evita mi ha mostrato quanto mi sbagliassi.