REZENSION: Gypsy, Chichester Festival Theatre ✭✭✭✭✭

Imelda Staunton als Momma Rose. Foto: Johan Persson Gypsy Chichester Festival Theatre 11. Oktober 2014 5 Sterne

1959 eröffnete am Broadway ein Stück, das ganz auf den feurigen, schmetternden Broadway-Star Ethel Merman zugeschnitten war, und lief dort etwas über 700 Vorstellungen. Gypsy glänzte mit einer eingängigen, packenden Partitur von Jule Styne, Liedtexten des damals noch jungen Stephen Sondheim (Merman wollte nicht zulassen, dass ein Unbekannter „die Musik“ schreibt) und wurde von Jerome Robbins inszeniert und choreografiert. Trotz acht Nominierungen gewann das Musical keinen einzigen Tony Award.

Vierzehn Jahre später sollte Elaine Stritch die Hauptrolle, Momma Rose, in einer West-End-Produktion übernehmen – doch die Finanzierung kam nicht zustande. So übernahm Angela Lansbury die Rolle; die Produktion wechselte anschließend an den Broadway, wo Lansbury einen Tony Award gewann.

Seitdem gilt Momma Rose als Paradepartie für die größten Broadway-Stars/Divas: Tyne Daly, Betty Buckley, Bernadette Peters, Patti LuPone, Tovah Feldshuh und Caroline O’Connor. Interessant ist, dass Bernadette Peters für ihre Rose keinen Tony gewann, aber die Sam-Mendes-Produktion, in der sie zu sehen war, rund 120 Vorstellungen (oder 15 Wochen) länger lief als die vielfach preisgekrönte Arthur-Laurents-Produktion mit Patti LuPone.

Viele törichte Menschen meinen, Gypsy könne ohne eine Darstellerin im Merman-/LuPone-Stil als Momma Rose nicht funktionieren; das sind dieselben, die Peters’ Darstellung abtun, weil sie nicht „die richtige Stimme“ habe. Das sind Menschen, die nicht begreifen, dass Momma Rose eine Figur in einem außergewöhnlichen Musiktheaterstück ist – und dass es viele Möglichkeiten gibt, sie zu spielen, weil sie eine komplexe, schwierige, getriebene und bemerkenswerte Frau ist. Sie ist nicht bloß ein Monster, nicht bloß ein Vorwand, damit eine Belt-Stimme Hits herausknallen kann – mitreißend oder eben nicht. Lansbury, Daly, Peters und O’Connor haben das ganz eindeutig verstanden und jeweils vitale, bemerkenswerte Porträts geliefert; in begrenztem Maß tat das auch LuPone, doch sie verortete ihre Interpretation klar im Lager der schneidigen Power-Belterinnen.

Die erstaunliche Imelda Staunton zeigt nun ihre Momma Rose in einer Gypsy-Wiederaufnahme am Chichester Festival Theatre – in einer Inszenierung von Jonathan Kent, mit Bühnenbild von Anthony Ward, musikalischer Leitung von Nicholas Skilbeck und einer superb eleganten (und überwiegend originalgetreuen) Choreografie des unermüdlichen Stephen Mear.

Es ist schön, urkomisch, fabelhaft gesungen, herzzerreißend und zugleich erhebend – so nah an Perfektion, wie es eine Gypsy-Produktion überhaupt je kommen kann. Das ist eine der großartigsten Inszenierungen eines der großartigsten Musicals überhaupt.

Alles an Kents Blick auf das Stück greift ineinander und bündelt den Fokus genau dort, wo er hingehört: auf die Geschichte sowie die Triebkräfte und Sehnsüchte der Figuren – aller Figuren, nicht nur der drei Hauptrollen. Wards Ausstattung lässt Theatralik und Vaudeville als dauerhafte, aber nie aufdringliche Präsenz mitschwingen: Seitlich steht ein altmodischer, zugleich irgendwie energiegeladener Proszeniumsbogen, an dessen Flanken gewissermaßen „Karten“ erscheinen, die dem Publikum in Kurzform verraten, welche Art Szene es gerade sieht – ein modernes Gegenstück zur spärlich bekleideten Ingénue, die früher an der Seite des Theaters die Tafeln umsteckte.

Der altmodische Zugriff auf das Bühnenbild – es gibt viele Wagen, die hin und her geschoben werden – verstärkt das Zeitgefühl, in dem Gypsy spielt. Doch in Schlüsselmomenten setzt Ward Falltüren und Hebebühnen ein, um zu überraschen, Charme oder Wehmut hinzuzufügen oder einen magischen Augenblick zu betonen. Die Kostüme sind durchweg schlichtweg großartig; alle sehen immer gut aus, selbst wenn sie ganz bewusst schlecht aussehen sollen. Die Kuh ist ein Meisterwerk. Und wenn Miss Gypsy Rose Lee zu sich findet, sind ihre Outfits sensationell.

Skilbeck leistet im Orchestergraben hervorragende Arbeit, und seine Orchestrierungen kaschieren einiges vom schmerzhaften Mangel an Streichern. Diese Partitur profitiert an entscheidenden Stellen wirklich von Streichern – ihr Fehlen war deutlich spürbar. Dennoch sorgten Skilbecks Orchestrierungen dafür, dass die üppige, reife Musik nie dünn oder enttäuschend klang. Die Tempi waren zupackend, und die Diktion des gesamten Ensembles herausragend – kein Wort ging verloren. Das Spiel aus dem Graben ist köstlich und beglückend.

Mear hat in der Tanzabteilung Großartiges geleistet. Tulsas „All I Need Is The Girl“ ist atemberaubend gut und fasst Tulsas Träume, Nonchalance, Stil und Potenzial vollkommen zusammen. Dan Burton, durch und durch maskulin und voller Élan, macht jeden Schritt perfekt – die ganze Nummer leuchtet. Selten wartet ein erstes Musical-Act mit einer echten „11-Uhr-Nummer“ auf, aber Burton und Mear machen diese hier genau dazu.

Mear beweist besonderen Scharfsinn, indem er dafür sorgt, dass die Choreografie der Kinder in Momma Roses Truppe nach Tanzschritten aussieht, die sie – und nicht er – erarbeitet hätte. Diese Art von Einsicht und Sorgfalt macht all diese Szenen noch ein Stück aufregender. Die gesamte Choreografie ist exzellent, doch besonderes Vergnügen bereiten „Small World“, „Mr Goldstone“, „Rose’s Turn“ und „You Gotta Get A Gimmick“ (wo Mear Robbins’ Originalchoreografie rekonstruiert hat).

Lara Pulver ist als Louise/Gypsy schlicht sensationell. Im ersten Akt drängt sie sich nicht in den Vordergrund, zufrieden damit, die vergessene Tochter zu sein. Ihr „Little Lamb“ ist zart und schön. Während sie Tulsa beim Tanzen zusieht, verraten ihre Augen den Hunger der Figur nach einer Chance, wahrgenommen zu werden. Dann übernimmt sie im zweiten Akt langsam die Kontrolle über ihr Leben, und ihre wunderbare, entscheidende Szene mit Anita Combes punktgenauer Tessie Tura zeigt, wie sie ihre Abhängigkeit vom Diktat der Mutter abstreift – und die Verwandlung nimmt Fahrt auf. Alles mündet in den köstlichen Spiegelmoment, in dem sie schließlich ihre eigene Schönheit annimmt. Pulver gestaltet die Sequenz, in der Gypsy als Burlesque-Stripperin zu Leben und Ruhm erwacht, mit Anmut und Subtilität; der Übergang von der verängstigten Anfängerin zur souveränen Diva/ zum Star ist so vielschichtig und sorgfältig herausgearbeitet wie jede Darstellung von König Lears Abstieg in den Wahnsinn.

Das zahlt sich aus – nicht nur für sie, sondern auch für Staunton. Pulver sorgt dafür, dass ihre Gypsy nicht in die Fußstapfen der Mutter tritt. Sie kann der Mutter verzeihen – und sie tut es. Die letzte Szene zwischen Pulver und Staunton ist berauschend; das Versprechen einer Zukunft, die längst nicht so düster ist wie die Vergangenheit. Nicht immer endet Gypsy mit einem Ton der Hoffnung – aber es ist ganz eindeutig der richtige Ton, um zu schließen, wie Kents Inszenierung mit kristallklarer Deutlichkeit zeigt. Und Pulver ist dafür entscheidend.

Herbie ist eine schwierige Rolle; er ist zugleich unverzichtbar und scheinbar nebensächlich. Er hat nicht wahnsinnig viel Material, doch es ist essenziell, dass er sympathisch ist und man an seine Beziehung zu Momma Rose glaubt. Kevin Whately kommt mit der Partie gut durch – vor allem, weil Staunton so viel dafür tut, dass Roses Verführung und ihr Bedürfnis nach Herbie verständlich und menschlich wirken. Er setzt seine natürliche Gewinnung gut ein.

Gemma Sutton ist als entsetzlich verwöhnte June eine fabelhafte, schmollende, herumwirbelnde pinke Kugel energiegeladener Furchtbarkeit. Besonders inspiriert ist, wie die Kinderdarsteller*innen jeweils Manierismen haben, die von den Erwachsenen aufgegriffen werden, wenn die Figuren älter werden. Die Übergangsszene vom Kinder- zum Erwachsenendarsteller ist wunderbar gelöst.

Auch alle kleineren Rollen sind mit großer Kunst gespielt; es gibt hier keine schiefen Töne, keine Nebenfiguren zweiter Klasse. Julie Legrand ist als Miss Cratchitt – eine crisp-präzise Quelle aus Verachtung und Förmlichkeit – sensationell; ihre Sprache ist so geschniegelt und abgehackt wie ihr Haar. Jack Chissicks apoplektischer Mr Goldstone ist ein Vergnügen, und Harry Dickman holt aus Pop wirklich alles heraus.

Ich habe noch nie ein Stripperinnen-Trio gesehen, das so einnehmend, bemerkenswert und schlicht fantastisch ist wie das, das Kent hier zusammengestellt hat. Louise Golds rubenshafte Amazonen-/Boadicea-Mazeppa ist in jeder Hinsicht grandios – stimmlich, körperlich und in puncto purer Ausstrahlung. Combes leicht verpeilte, warmherzige, in die Jahre gekommene Ballerina Tessie ist perfekt (sie landet jeden Gag), und sie singt und tanzt mit kontrollierter, gebündelter Verve: pures Brio. Legrand hat einen umwerfenden Auftritt als die beschwipste und berauschende Electra und verpasst keinen Moment, um zu glänzen.

Das Beste – und vielleicht Ungewöhnlichste – an diesem Trio ist, dass es wirklich ein Trio ist. Die drei Frauen spielen miteinander, nicht gegeneinander; niemand versucht, die andere auszustechen. Und aus der Stärke dieser gegenseitigen Stütze entsteht ein echtes Leuchten aus Freude, Energie und erhabenem Entertainment. Völlig zu Recht brachten sie die Vorstellung zum Stillstand. „You Gotta Get a Gimmick“ ist die zweite 11-Uhr-Nummer dieses Abends. Hier: ein Volltreffer in jeder Hinsicht.

Imelda Staunton verwandelt mit ihrer außergewöhnlichen, unglaublich detaillierten und vital intensiven Darstellung jede Vorstellung, die man je von Momma Rose hatte. Ihre Rose ist eine Frau, die denen grollt, die sie verlassen haben – besonders ihrer eigenen Mutter – und sie versucht erbittert, ihre Töchter durch Beharrlichkeit und die schiere Kraft ihres Willens an sich zu binden. Doch zugleich ist sie eine kleine, zierliche Frau, die zu großem Charme und Sinnlichkeit fähig ist: Bei ihrem ersten Auftritt überschüttet Staunton das Publikum mit Charme; als sie Herbie zum ersten Mal begegnet, setzt sie ihre weiblichen Reize mühelos und ganz selbstverständlich sinnlich ein.

Staunton spricht Sätze, die man schon hunderte Male gehört hat – aber wenn sie sie sagt, ist es, als wären sie noch nie gesagt worden. Immer wieder erlebt man eine Offenbarung: Ach so, das bedeutet dieser Satz!

„Some People“ singt sie mit erstaunlichem Gift und setzt damit – unbeirrbar und ruhig – die Messlatte für ihre stimmliche Leistung: sehr, sehr hoch. In den weicheren Passagen von „Small World“, „You’ll Never Get Away From Me“ und „Together“ gelingen Staunton Momente wahrer vokaler Schönheit, und die großen Nummern liefert sie mit echter Wucht – sowohl stimmlich als auch in der szenischen Zuspitzung des jeweiligen Moments der Figur. Sowohl „Everything’s Coming Up Roses“ als auch „Rose’s Turn“ sind brennend, herausfordernd und erhellend.

Staunton fesselt in jedem Augenblick: wie sie Requisiten rückt, während ihre Kinder auftreten; wie sie verschiedenste Menschen zum Handeln drängt; wie sie die Worte zu Melodien mitformt, die sie ihren Schützlingen aufzwingt; wie sie stumm, trauernd und zerbrochen ist, während sie Junes Verratsbrief liest, ihn verarbeitet und sich wieder zusammensetzt; wie sie der Burlesque-Welt begegnet und sie dann in sich aufnimmt; wie sie so tut, als würde Herbies Weggehen sie nicht vernichten. Hier steckt so viel Textur, Detail und Komplexität – was Staunton leistet, ist nichts weniger als außergewöhnlich.

Der Schmerz und die zehrende Trauer, die Momma Rose empfindet, als sie erkennt, dass sie ihre Töchter „verlassen“ hat – so wie ihre Mutter einst sie verließ –, ist erschütternd und überwältigend. „Rose’s Turn“ ist von Schmerz gezeichnet, aber vor dem klaren Hintergrund dessen, was hätte sein können. Und Staunton legt die Grundlage für ihren verheerenden Zusammenbruch konsequent durch die gesamte Aufführung; wenn er kommt, gibt es keinen Zweifel, warum er kommt und was ihn ausgelöst hat. Eine absolut wundersame Leistung.

Es besteht kein Zweifel, dass diese Produktion ins West End kommen sollte. Es wäre ein Skandal, wenn nicht.

Weitere Informationen zu Gypsy finden Sie auf der Website des Chichester Festival Theatre