REZENSION: Jacques Brel lebt und ist wohlauf und wohnt in Paris, Charing Cross Theatre ✭✭

Jacques Brell ist quicklebendig und wohlauf im Charing Cross Theatre. Foto: Scott Rylander Jacques Brel Is Alive And Well And Living In Paris

Charing Cross Theatre

21. Oktober 2014

2 Sterne

Ich vermute, es ist etwa fünfzehn Jahre her, als ich zum ersten Mal den Möglichkeiten von Verzauberung, erstaunlicher Kraft und stilvoller Verve begegnete, die sich auftun, wenn ein grosser Interpret sich der Musik von Jacques Brel annimmt. Meine Initiation war ein Konzert von Chita Rivera, bei dem sie – spektakulär – Brels wunderbares Lied „Carousel“ sang. In einem Abend, gespickt mit vertrauten Juwelen aus den Kronen von Herman, Sondheim, Bernstein sowie Kander & Ebb, war das ein Ausreisser nach oben, ein Volltreffer, ein Triumph.

Derzeit ist im Charing Cross Theatre eine Wiederaufnahme von Jacques Brel Is Alive And Well And Living In Paris zu sehen, inszeniert vom unermüdlichen Andrew Keates für Steven M. Levy und Sean Sweeney (vermutlich für das Charing Cross Theatre selbst). Diese Revue – wenn man es so nennen will – von Brels Vermächtnis wurde erstmals 1968 zusammengestellt, aber 2006 Off-Broadway von Gordon Greenberg sehr erfolgreich überarbeitet, der kürzlich Guys and Dolls in Chichester inszenierte.

Es handelt sich nicht exakt um dieselbe Fassung wie die Off-Broadway-Wiederaufnahme von 2006; die Reihenfolge der Songs ist merkwürdig anders, und es gibt einige Streichungen. Doch als Vehikel, um Brels Musik kennenzulernen, ist das eine nahezu unschlagbare Auswahl an Melodien und Themen; eine wunderbare Leinwand, auf der sich resonante, kraftvolle theatrale Bilder malen lassen.

Wie es im Programmheft heisst:

„Brel hatte ein natürliches Talent für Worte und balancierte Witz und Emotion perfekt – ganz im Sinne Hugos in der Suche nach der idealen Mischung aus Groteskem und Erhabenem. Liebe, Verzweiflung, Sex, Tod, Absurdität, Schönheit; jede Facette der menschlichen Existenz ist in seinen Werken präsent … er war zutiefst antimilitaristisch, auch wenn ihn nur wenige einen echten Pazifisten nennen würden … in einem Europa, das sich erholte und doch verwundet war, etablierte sich Brel als der Sänger, der den Schleier von Gesellschaft, Menschen und den Mühsalen des Lebens lüften konnte.“

All das stimmt. Brels Musik ist einzigartig: herzzerreissend schöne Melodien über schreckliche Situationen; harte Linien für überraschende Themen; ein Faden von Absurdität, der neben ganz normalen Situationen oder Erfahrungen liegt; eine spukhafte Melancholie, die sich in einen berauschenden oder verzweifelten Moment der Selbstbefragung oder des Weltverstehens verwandeln kann. Eine einfache Melodie kann sich winden und drehen, zu etwas Komplexerem werden und in ihrer Intensität geradezu bersten; ebenso kann ein lebhafter, pulsierender Song in Fragmente von Einsamkeit, Erinnerung und Nachdenken zerfallen.

Das Beste an dieser Produktion ist das musikalische Niveau, das der begabte Dean Austin und die vier Mitglieder seiner Band zeigen, die mit Klavier, Akkordeon, Gitarre, Bass und Percussion die herrliche Klanglandschaft für Brels Werk schaffen. Austin singt ebenfalls, und jedes Mal, wenn er es tut, unterstreichen Wahrhaftigkeit und ein stilvolles Verständnis für das Gewebe der Musik das Geschehen, machen es besser, reizvoller.

Die Band schafft zusammen mit Chris De Wildes prächtigem Pariser Cabaret-Bühnenbild eine sehr „französische“ Atmosphäre, die dabei hilft, Brels Musik zu begreifen und ihr Vergnügen abzugewinnen. Einige Sitze im Zuschauerraum wurden entfernt und durch kleine Cabaret-Tische ersetzt. Das funktioniert sehr gut – und tatsächlich wäre es vielleicht noch besser gewesen, wenn der gesamte vordere Teil des Parketts den kleinen Tischen gewichen wäre: Diese Art von Atmosphäre, wie Keates so deutlich versteht, nützt in Brels Repertoire allen – Interpret, Komponist und Publikum.

Es gab Momente, in denen die Kombination aus Licht (Mike Robertson), Ausstattung und Band einen geradezu in einen dunklen Abend in einer schwach beleuchteten Pariser Strasse versetzte, wo Möglichkeit und Tragödie nur einen Schritt entfernt sind, wo die französische Arroganz scharf in der Luft liegt und wo das sanfte Glühen der Sterne zu ewiger Betrachtung einlädt.

Leider wurden diese atemlosen Klarheitsmomente allzu oft von einem Sounddesign zerschlagen (das es schaffte, entweder zu leise oder zu laut zu sein, aber nie angemessen, damit Gesang und Texte zu hören und zu verstehen waren) sowie von Sängern, die offenbar aktiv lieber brüllten oder schrien, statt zu singen. Während die Band (zumindest grösstenteils) verstanden zu haben schien, was sie da spielt, wirkten sowohl Ensemble als auch Sounddesigner, als seien sie mit etwas anderem beschäftigt.

Über weite Strecken gab es eine deutliche Entkopplung zwischen Text und Sänger, zwischen Szene und Choreografie. Das sind wertvolle, wunderbare Songs, die „einfach nur“ grossartig gesungen werden müssen – manche leise, manche mit sich aufbauender und dann explosiver Energie, manche mit einem Grinsen, manche mit einer Träne, manche mit Freude, erinnerter oder gegenwärtiger. Aber sie alle verlangen Schlichtheit und Stil – und zwar reichlich.

Sam Spencer Lanes Choreografie passte nicht zu diesem musikalischen Anlass, zumal die Darsteller sie ganz offensichtlich nicht präzise und synchron ausführen konnten. Die besten Momente entstanden, wenn eine Ruhe im Spiel herrschte, die vollständige Konzentration auf Musik und Text – und die Performance – erlaubte.

Natürlich hat eine solche Präsentation ihren Preis: Sie legt die Defizite, besonders die stimmlichen, des jeweiligen Interpreten schonungslos offen. Doch genau in diesem rohen, ungefilterten Moment der Klarheit erreicht Brels Musik ihre grössten Höhen.

Hier waren die vier Darsteller den Anforderungen der Musik nicht gewachsen. Brüllen ist kein stilvolles Performen. Es gab viel zu viel deutlich schiefen Gesang – vielleicht in der Absicht von „Spiel“ oder „Leidenschaft“, mit dem Ergebnis, dass der Kern der Musik vollständig verloren ging. Mitunter fragte ich mich, ob man versuchte, Brels persönliche Neigung zu leidenschaftlicher Inbrunst (wenn nicht gar Histrionik) im Vortrag zu kopieren – aber Brel war Brel, und in dieser Show geht es nicht um Brel, sondern um seine Musik.

Einige Songs wirken in ihrer szenischen Umsetzung durchaus schön, doch der Gesang erreicht nicht die Wirkung der Inszenierung. Andere Nummern, besonders die komischeren, sind in der Präsentation übertrieben verkünstelt und verlieren dadurch ihr komisches Timing. Wieder andere verwechseln Wut mit Verzweiflung oder Glück mit Melancholie. Manche szenischen Einfälle stehen völlig quer zur Stimmung und Tonlage von Song und Sänger.

Mehrere Themen werden verhandelt – am gelungensten sind jene über das Alter, den Krieg und seine Opfer sowie Liebe und Verrat. Man verlässt das Theater auf jeden Fall mit dem Wunsch, mehr von Jacques Brels Musik zu hören.

Daniel Boys ist der überzeugendste im Ensemble, insbesondere was Intonation und Stil betrifft. Gina Beck zeigt immer wieder echte Klasse und schafft es, einzelne Passagen mancher Songs geradezu ätherisch in Klang und Ausdruck wirken zu lassen.

David Burt und Eve Polycarpou sehen gelegentlich grossartig aus und wirken für den jeweiligen musikalischen Moment in Kostüm, Haltung, Attitüde und Temperament genau richtig – doch dann raubt ihnen die stimmliche Umsetzung jede Wirkung. Songs wie  „Amsterdam“, „Ne Me Quitte Pas“ und „Carousel“ verlangen stimmliche Virtuosität weit über das hinaus, was Burt und Polycarpou leisten können. Es ist wirklich schade, denn beide scheinen alles zu geben, um es zum Funktionieren zu bringen.

Und vielleicht liegt genau darin das zentrale Problem. Es scheint sehr viel Überlegung und Aufwand in die Frage geflossen zu sein: „Wie machen wir das 2014?“, statt sich darauf zu konzentrieren, einfach die bestmögliche Version des Brel-Katalogs zu liefern. Ablenkungen wie eine Nigel-Farage-Maske, ein Wartezimmer in einer Sexualgesundheitsklinik oder Videoaufnahmen von nicht identifizierten Menschen, die nicht identifizierte Dinge tun und hinten auf der Bühne laufen, sind völlig unnötig, wenn das Material so stark und leidenschaftlich ist wie Brels Musik.

Es ist ein Geschenk, dass das Charing Cross Theatre diese Produktion unterstützt hat – Jacques Brels Musik war in London in den letzten Jahren nicht gerade quicklebendig und wohlauf. Dean Austins Musikalität – und die seiner Band – liefert einen verlockenden Hinweis auf die Schönheit und Kraft von Brels Musik. Doch auch wenn diese Besetzung meine Erinnerung an jenen längst vergangenen Auftritt von Chita Rivera nicht verdrängen kann, regt sie einen ganz sicher an, Brels Musik zu hören.

Bis zum 21. November.