REZENSION: Julius Caesar, Globe Theatre ✭✭✭

Julius Caesar Globe Theatre 21. Juli 2014 3 Sterne

Pause. Mark Antony hat seine „Brutus ist ein ehrenwerter Mann“-Rede gehalten, und die Menge, die ihm zuhört, ist in Raserei versetzt worden – nun giert sie nach dem Blut von Brutus, Cassius und ihren mörderischen Mitverschwörern. Das Publikum johlt und grölt und strömt aus dem Globe hinaus zu Erfrischungen, Plauderei und anderer Erleichterung.

Als sie den North Tower verlassen, unterhält sich ein großer, geschniegelt gekleideter Amerikaner mit seiner Frau, die eine Perlenkette trägt, darüber, wie sehr ihnen die Aufführung gefallen hat.

„Dieser Mark Antony ist schon ein ziemliches Arschloch, oder?“, sagt der Mann – sein Akzent zieht das Wort „Arschloch“ auf unfeasible Weise in die Länge.

„Klar“, erwidert die Frau unbekümmert, „aber er ist so jung.“

Ich erwähne das, weil Julius Caesar, jetzt am Globe in einer neuen Inszenierung von Artistic Director Dominic Dromgoole, ein Stück über politische Instabilität, Angst, Rache und Verrat ist. Und auch wenn es noch Jahrhunderte dauern sollte, bis der Begriff „Spin-Doctor“ geprägt würde, hat Shakespeare drei überzeugende Spin-Doctors in sein Stück geschrieben: Antony, Brutus und Cassius.

Und je nach eigener politischer Haltung oder Perspektive können Sie als Zuschauerin oder Zuschauer selbst entscheiden, wer der Held ist, wer der Schurke und wer die Spielfigur (oder irgendeine Mischung daraus). Das ist eine der Glanzleistungen dieses Stücks.

Doch die Reaktion des amerikanischen Paares ließ mich unsicher zurück, was sie von Antony hielten: Sahen sie ihn als Bösewicht – als denjenigen, der die Mehrheit gegen den gesunden Menschenverstand der herrschenden Elite aufhetzte? Oder sahen sie ihn als Caesars Bauern?

Ihr Gespräch ging weiter, und es war klar, dass sie die Inszenierung wirklich genossen. Es ging also eher darum, wie das Stück und die Leistungen zu ihnen und ihrer eigenen Lebenserfahrung sprachen.

Und es ist schwer, sich eine deutlichere Bestätigung von Shakespeares Genie und seiner anhaltenden Relevanz vorzustellen. Wenn eine Inszenierung die Ansichten, Vorurteile und politischen Neigungen unterschiedlichster – aber versammelter – Menschen aufgreifen und bei allen auf unterschiedliche Weise nachhallen kann, läuft etwas richtig.

In Anlehnung an die jüngste Titus-Andronicus-Produktion werden die Groundlings als Teil des Gewebes der Inszenierung eingesetzt. Bevor das Stück beginnt, schlängeln sich die Schauspieler durch das stehende Publikum und stacheln es zu Kriegsschreien für Caesar an. Schnell und geschickt steht das Publikum auf Caesars Seite; dann beginnen die Tribunen das Stück, und das Gespräch mit dem Schuster wirft die Kernfragen auf: ob Caesar recht hatte, Pompeius abzuschlachten, und ob Caesar ein großer Anführer oder ein gefräßiger Diktator ist.

Dromgoole hält die Groundlings während der gesamten Vorstellung bei der Stange, sodass ständig ein Gefühl von Beteiligung, Parteinahme oder parteipolitischem Lagerdenken präsent ist. Und meist kippt die Stimmung je nachdem, wer spricht.

Das ist keine Inszenierung, bei der man einfach sitzt und zuschaut und einem das Ergebnis vorgegeben wird; nein, es ist eine Inszenierung, in der Ihre Stimmung und die der Menschen um Sie herum ein spürbarer Teil des Erlebnisses ist – und die Sie auf bestimmte Sichtweisen hin schärft und überredet.

Das kommt interaktivem Theater gleich – und zahlt sich ordentlich aus. Denn die Massenpsychologie hilft, Risse zu übertünchen: sowohl in der Struktur und im Ablauf des Stücks als auch in der wechselhaften Qualität von Spiel und Inszenierung.

Am seltsamsten sind hier Jonathan Fensoms Kostüme. Sie sind im Wesentlichen elisabethanisch, mit der einen oder anderen Schärpe, die ein Gefühl von der „I, Claudius“-Vorstellung von Rom heraufbeschwört. Offensichtlich wurden elisabethanische Kostüme 44 v. Chr. in Italien nicht getragen, daher ist schwer nachzuvollziehen, warum man sich hier dafür entschieden hat. Und doch wirken sie merkwürdigerweise – und gegen jede Intuition – weniger lächerlich, als es gewöhnliche Togen vermutlich getan hätten.

Oft ist Caesars brutaler Mord wegen der Togen schwer ernst zu nehmen, doch hier trug nur Caesar in dieser Szene eine weiße Toga, und dadurch entstand sowohl ein Gefühl seiner Isolation als auch das Bild eines Jagdrudels bei den Attentätern. Die Kostüme sind also zwar seltsam, erfüllen aber einen interessanten, unerwarteten Zweck.

Obwohl es die Titelrolle ist, ist Caesar nicht die Hauptfigur des Stücks – ja nicht einmal eine davon –, doch seine Präsenz ist entscheidend. Ohne einen Caesar, der zugleich charismatisch und fehlerhaft ist, funktioniert die Mechanik des Stücks schlicht nicht so, wie sie sollte. George Irving ist bedauerlicherweise ein blasser Caesar – einer, den man fast aus Freundlichkeit ermorden möchte, weil er wirkt, als sei er jenseits von Macht und hohem Amt. Er bringt nichts von dem Feuer mit, das die Rolle verlangt.

Das bedeutet, dass die anderen zentralen Figuren mehr tragen müssen und oft so wirken, als sprächen sie über einen ganz anderen Caesar. Tatsächlich unterstützt Katy Stephens als Calpurnia Irving so gut, dass sie seinen Caesar allein dadurch besser macht, dass sie mit ihm auf der Bühne ist. Der Mord ist gut arrangiert, doch Irving übertreibt es leider, und das Jaulen, das er ausstieß, als Brutus zustach, war schlicht peinlich.

Doch seine Schwächen sind nicht fatal für das Ganze.

Tom McKay ist ein versierter Brutus und bringt große Leidenschaft und Stil in das, was er tut. Seine Rede über Caesars Leichnam ist ausgezeichnet, ebenso die früheren Szenen, in denen er über seine Ängste monologisiert und über seine Beziehung zu seiner Frau Portia (ein wunderbarer Auftritt von Catherine Bailey). Sein Brutus ist komplex und faszinierend – genau so, wie er sein sollte.

Anthony Howell macht als Cassius eine gute Figur, auch wenn er eher für den Effekt zu schreien neigte, als die Verse aus dem Sinn heraus zu sprechen. Christopher Logan gestaltet einen eigenwilligen Casca mit einem merkwürdigen Stimmklang, vermittelt aber klar die Doppelzüngigkeit und Oberflächlichkeit des Mannes.

Hervorragende Arbeit leisten Paul Rider als Cicero und als Antonys Diener, Patrick Driver als Cinna und Flavius sowie Joe Jameson als Octavius.

Doch das schlagende Herz dieser Inszenierung ist Luke Thompson, dessen Mark Antony originell, glaubwürdig und – zum Glück – beredt ist. Er sieht aus wie ein Held, klingt wie ein Held und spricht wie ein Held – doch da schwingt die Frage mit, ob sein Glaube an und seine Liebe zu Caesar fehlgeleitet sind, was der gesamten Darbietung Würze und Spannung verleiht.

Mühelos etabliert er die athletische Stärke der Figur (ein oberkörperfreier Galopp über den Yard erledigt das) und das lüsterne, derbe Gebaren eines jungen, privilegierten Tribuns (erstklassiges Kater-Spiel). Doch als Caesar abgeschlachtet wird, wächst er majestätisch über sich hinaus – mit einer packenden, explosiven Rede wischt er mit Brutus den Boden auf (die berühmte „Freunde, Römer, Landsleute, leiht mir euer Ohr“-Ansprache) und dreht, während Anklänge an Martin Luther Kings „I Have a Dream“ und Kennedys „Fragt nicht, was euer Land für euch tun kann“ über seiner Artikulation schweben, die Menge – Schauspieler wie Groundlings – mühelos auf seine Seite. Der Sog der Überredung war greifbar, dicht und fruchtig in der Luft.

Thompsons Antony wirkte auf mich überhaupt nicht wie ein Arschloch.