RECENSIONE: Giulio Cesare, Globe Theatre ✭✭✭

Giulio Cesare Globe Theatre 21 luglio 2014 3 stelle

È l’intervallo. Marco Antonio ha appena pronunciato il suo discorso sul «Bruto è un uomo d’onore» e la folla che lo ascolta è stata aizzata fino alla frenesia, ormai assetata del sangue di Bruto, Cassio e dei loro complici assassini. Il pubblico fischia, urla e si dirige fuori dal Globe per un rinfresco, due chiacchiere e altri piccoli sollievi.

Mentre escono dalla North Tower, un alto americano in giacca e cravatta e la moglie con una collana di perle chiacchierano di quanto si siano goduti lo spettacolo.

«Però quel Marco Antonio è proprio uno stronzo, vero?» dice l’uomo, con un accento che allunga in modo improbabile la parola “stronzo”.

«Certo», risponde lei, con nonchalance, «ma è così giovane».

Lo cito perché Giulio Cesare, ora in scena al Globe in un nuovo allestimento del Direttore Artistico Dominic Dromgoole, è un testo che parla di instabilità politica, inquietudine, vendetta e tradimento. E anche se sarebbero passati secoli prima che si coniasse il termine “spin doctor”, Shakespeare inserì nel dramma tre convincenti spin doctor: Antonio, Bruto e Cassio.

E, a seconda delle vostre inclinazioni politiche o del vostro punto di vista, come spettatori potete decidere da soli chi sia l’eroe, chi il cattivo e chi la pedina (o una combinazione di queste cose). È una delle glorie del testo.

Ma la reazione della coppia americana mi ha lasciato perplesso su cosa pensassero davvero di Antonio: lo vedevano come il cattivo, colui che ha rivolto la maggioranza contro il buon senso dell’élite al potere? Oppure lo consideravano una pedina di Cesare?

La conversazione è proseguita ed era evidente che si stessero divertendo molto. Quindi si trattava più di come il testo e le interpretazioni parlassero a loro e alla loro esperienza di vita.

Ed è difficile immaginare una conferma più chiara del genio di Shakespeare e della sua perdurante attualità. Se una produzione riesce a incontrare le opinioni, i pregiudizi e le tendenze politiche di persone diverse ma riunite nello stesso luogo, e a risuonare in modo differente per ciascuna, significa che qualcosa sta funzionando.

Sulla scia del recente allestimento di Titus Andronicus, i groundlings vengono usati come parte integrante del tessuto dello spettacolo. Prima che la rappresentazione inizi, gli attori si insinuano tra gli spettatori in piedi e li incitano a lanciare grida di guerra in favore di Cesare. In modo rapido e intelligente, il pubblico si schiera dalla parte di Cesare; poi i Tribuni aprono lo spettacolo e il dialogo con il ciabattino mette sul tavolo le questioni chiave: se Cesare abbia fatto bene a massacrare Pompeo e se sia un grande leader o un dittatore famelico.

Dromgoole mantiene i groundlings coinvolti per tutta la serata, così che si avverte costantemente un senso di partecipazione, di schieramento, di politica di parte. E per lo più l’atmosfera cambia a seconda di chi sta parlando.

Non è un allestimento in cui ci si siede a guardare e l’esito è deciso al posto vostro; no: qui il vostro umore e quello di chi vi sta intorno diventano una componente tangibile dell’esperienza, e lo spettacolo vi affila e vi persuade verso determinati punti di vista.

È, in sostanza, teatro interattivo — e il risultato paga eccome. Perché la mentalità da folla aiuta a coprire le crepe, sia nella struttura e nello sviluppo del testo, sia nella qualità altalenante delle interpretazioni e della messa in scena.

La cosa più bizzarra sono i costumi di Jonathan Fensom. Sono sostanzialmente elisabettiani, con qualche fascia qua e là che richiama un’idea di Roma alla Io, Claudio. È evidente che nel 44 a.C. in Italia non si indossavano abiti elisabettiani, quindi è difficile capire perché siano stati scelti. Eppure, stranamente e controintuitivamente, risultano meno ridicoli di quanto lo sarebbero state delle toghe “normali”.

Spesso il brutale assassinio di Cesare è difficile da prendere sul serio a causa delle toghe, ma qui soltanto Cesare indossa una toga bianca in quella scena e questo crea, di conseguenza, un senso di isolamento per lui, oltre a restituire l’idea del branco in caccia per gli assassini. Dunque, per quanto i costumi siano strani, assolvono a uno scopo interessante e inatteso.

Pur essendo il personaggio del titolo, Cesare non è il protagonista del dramma, né uno dei principali, ma la sua presenza è cruciale. Senza un Cesare insieme carismatico e imperfetto, gli ingranaggi della pièce semplicemente non funzionano come dovrebbero. George Irving, purtroppo, è un Cesare svogliato: viene quasi da dire che ucciderlo sia un atto di gentilezza, perché sembra già al di là del potere e delle alte cariche. Non porta in scena nulla del fuoco di cui il ruolo ha bisogno.

Il che significa che gli altri personaggi centrali si sobbarcano più peso e spesso sembra che stiano parlando di un altro Cesare. In effetti Katy Stephens, nei panni di Calpurnia, sostiene Irving così bene da rendere il suo Cesare migliore semplicemente standogli accanto. L’assassinio è ben orchestrato, ma Irving esagera in modo spiacevole e l’urlo che lancia quando Bruto lo colpisce è stato semplicemente imbarazzante.

Ma i suoi limiti non compromettono il risultato complessivo.

Tom McKay è un Bruto di grande livello e porta passione e stile in tutto ciò che fa. La sua orazione sul corpo di Cesare è resa in modo eccellente, così come le scene precedenti in cui monologa sulle proprie ansie e sul rapporto con la moglie, Porzia (splendida Catherine Bailey). Il suo Bruto è complesso e affascinante, come dev’essere.

Anthony Howell dà un’ottima prova di Cassio, anche se tende a urlare per effetto più che a dire le battute per farne emergere il senso. Christopher Logan costruisce un Casca idiosincratico, con un curioso colore vocale, ma rende con chiarezza la doppiezza e la superficialità del personaggio.

Ottimo anche Paul Rider nei ruoli di Cicerone e del servo di Antonio, Patrick Driver come Cinna e Flavio, e Joe Jameson come Ottaviano.

Ma il cuore pulsante di questa produzione è Luke Thompson, il cui Marco Antonio è originale, credibile e — per fortuna — eloquente. Ha l’aspetto di un eroe, suona come un eroe e parla come un eroe; ma resta sotto traccia una domanda su quanto la sua fede e il suo amore per Cesare siano mal riposti, e questo aggiunge brio e intrigante ambiguità all’intera interpretazione.

Gli riesce naturale stabilire l’atletismo del personaggio (una corsa a torso nudo intorno alla platea basta e avanza) e il comportamento lascivo e sboccato di un giovane tribuno pieno di privilegi (una recitazione da post-sbornia di prim’ordine). Ma quando Cesare viene massacrato, si impone magnificamente: fa a pezzi Bruto con un’orazione coinvolgente e volatile (il celebre «Amici, Romani, concittadini, prestatemi orecchio») e, con l’eco del «I had a Dream» di Martin Luther King e del «Ask not what your country can do for you» di JFK che aleggia nella sua consegna, capovolge con facilità la folla — attori e groundlings — dalla sua parte. La sensazione di persuasione era palpabile, densa e quasi fruttata nell’aria.

Il Marco Antonio di Thompson non mi è sembrato affatto uno stronzo.