RESEÑA: Julio César, Teatro Globe ✭✭✭

Julio César Globe Theatre 21 de julio de 2014 3 estrellas

Es el intervalo. Marco Antonio ya ha pronunciado su discurso de «Bruto es un hombre honrado» y la multitud que le escucha ha sido azuzada hasta el frenesí, ahora desesperada por la sangre de Bruto, Casio y sus asesinos confederados. El público abuchea y vitorea, y sale del Globe en busca de un refrigerio, algo de charla y otros alivios.

Al salir por la Torre Norte, un alto estadounidense trajeado y su esposa, con un collar de perlas, comentan animadamente lo mucho que han disfrutado de la función.

«Pero ese Marco Antonio es un capullo, ¿no?», dice el hombre, con un acento que alarga de forma inverosímil la palabra «capullo».

«Claro», responde ella, con aire desenfadado, «pero es tan joven».

Menciono esto porque Julio César, que ahora se representa en el Globe en una nueva producción del director artístico Dominic Dromgoole, es una obra sobre la inestabilidad política, la ansiedad, la venganza y la traición. Y aunque pasarían siglos hasta que se acuñara el término «asesor de imagen», Shakespeare ya escribió en su obra a tres asesores de comunicación de lo más convincentes: Antonio, Bruto y Casio.

Y, según tu propia inclinación política o punto de vista, como espectador puedes decidir por ti mismo quién es el héroe, quién el villano y quién el peón (o alguna combinación de todo ello). Esa es una de las grandezas de la obra.

Pero la reacción de la pareja estadounidense me dejó sin saber qué pensaban de Antonio: ¿lo veían como el villano, el que puso a la mayoría en contra del buen juicio de la élite gobernante? ¿O lo veían como un peón de César?

Siguieron conversando y quedó claro que estaban disfrutando muchísimo de la producción. Así que aquello tenía más que ver con cómo la obra y las interpretaciones les hablaban a ellos y a su propia experiencia vital.

Y cuesta pensar en una confirmación más clara del genio de Shakespeare y de su vigencia inagotable. Si una producción puede acomodarse a las opiniones, prejuicios e inclinaciones políticas de un público variado reunido en un mismo lugar y resonar de forma distinta en cada cual, es que algo se está haciendo bien.

Siguiendo la estela de la reciente producción de Tito Andrónico, los groundlings (el público de pie) se incorporan como parte del tejido del montaje. Antes de que empiece la obra, los actores se abren paso entre los espectadores de pie y los animan a lanzar gritos de guerra a favor de César. Con rapidez e inteligencia, el público se pone del lado de César; después, los tribunos abren la función, y el intercambio con el zapatero plantea las cuestiones clave: si César hizo bien en masacrar a Pompeyo y si César es un gran líder o un dictador voraz.

Dromgoole mantiene a los groundlings implicados durante toda la representación, de modo que hay una sensación constante de participación, de tomar partido, de política partidista. Y, en general, el ambiente cambia según quién esté hablando.

No es una producción en la que te sientas a mirar y te lo dan todo hecho; no: es una producción en la que tu estado de ánimo y el de quienes te rodean forman una parte palpable de la experiencia, y que te afila y te persuade hacia determinados puntos de vista.

Es, en esencia, teatro interactivo, y el resultado compensa con creces. Porque la mentalidad de turba ayuda a tapar las grietas, tanto en la estructura y el desarrollo de la obra como en la desigual calidad de las interpretaciones y del propio montaje.

Lo más raro aquí son los vestuarios de Jonathan Fensom. Son básicamente isabelinos, con alguna que otra banda que evoca cierta idea de Roma al estilo Yo, Claudio. Está claro que en Italia en el 44 a. C. no se vestía a la manera isabelina, así que cuesta entender por qué se elige esa opción. Y, sin embargo, de forma extraña y contra toda intuición, resultan menos ridículos de lo que podrían haberlo sido unas togas convencionales.

A menudo el brutal asesinato de César cuesta tomárselo en serio por culpa de las togas, pero aquí solo César lleva una toga blanca en esa escena y eso genera, por un lado, una sensación de aislamiento para él y, por otro, la impresión de una jauría de caza en los asesinos. Así que, aunque el vestuario sea raro, cumple una función interesante e inesperada.

Aunque da título a la obra, César no es el personaje principal, ni siquiera uno de los principales, pero su presencia es crucial. Sin un César a la vez carismático y falible, la maquinaria de la obra simplemente no funciona como debería. George Irving ofrece un César deslucido, por desgracia: uno al que casi se le asesinaría por compasión, porque da la impresión de estar muy por encima (o por debajo) del poder y de los altos cargos. No aporta nada del fuego que el papel exige.

Eso hace que el peso recaiga más sobre los otros personajes centrales, que a menudo parecen estar hablando de otro César. De hecho, Katy Stephens, como Calpurnia, sostiene tan bien a Irving que consigue que su César parezca mejor simplemente por estar a su lado. El asesinato está bien planteado, pero Irving sobreactúa lamentablemente, y el alarido que soltó cuando Bruto le asestó el golpe fue sencillamente bochornoso.

Pero sus carencias no resultan fatales para el conjunto.

Tom McKay es un Bruto consumado y aporta gran pasión y estilo a lo que hace. Su arenga sobre el cuerpo de César está magníficamente resuelta, igual que las escenas anteriores en las que monologa sobre sus inquietudes y sobre su relación con su esposa, Porcia (un trabajo precioso de Catherine Bailey). Su Bruto es complejo y fascinante, como debe ser.

Anthony Howell hace un buen Casio, aunque tendía a gritar para lograr efecto más que a decir los versos buscando el sentido. Christopher Logan crea un Casca idiosincrático, con una curiosa tonalidad vocal, pero transmite con claridad la doblez y la superficialidad del personaje.

Hay un trabajo excelente de Paul Rider como Cicerón y como el criado de Antonio, de Patrick Driver como Cinna y Flavio, y de Joe Jameson como Octavio.

Pero el corazón palpitante de esta producción llega de la mano de Luke Thompson, cuyo Marco Antonio es original, verosímil y, por suerte, elocuente. Tiene pinta de héroe, suena como un héroe y habla como un héroe; pero subyace la duda de si su fe y su amor por César están equivocados, lo que añade chispa e intriga a toda la interpretación.

Le resulta facilísimo establecer la potencia atlética del personaje (una carrera sin camiseta por el patio lo deja claro) y el comportamiento fogoso y procaz de un joven tribuno con derecho a todo (una interpretación de resaca de primera). Pero cuando masacran a César, se agiganta por completo: pasa por encima de Bruto con una arenga tan atractiva como volátil (el célebre «Amigos, romanos, compatriotas, prestadme oídos») y, con el eco de «Tengo un sueño» de Martin Luther King y del «No preguntes qué puede hacer tu país por ti» de JFK planeando sobre su dicción, se gana sin esfuerzo a la multitud —actores y groundlings— para su causa. La sensación de persuasión era palpable, densa y jugosa en el aire.

El Antonio de Thompson no me pareció en absoluto un capullo.