REZENSION: Lesere, Jermyn Street Theatre ✭✭

Lesere

Jermyn Street Theatre

14/07/15

2 Sterne

Das Jermyn Street Theatre ist ein intimer Raum, der sich bestens für Thriller eignet – und inzwischen sogar mit Klimaanlage gesegnet ist; in den Sommermonaten lässt sich Klaustrophobie und Enge damit auf die psychologische statt auf die körperliche Ebene beschränken. Bis August zeigt das Haus Lesere, ein neues Stück von Ashley G Holloway: in zwei Akten, in der Arena gespielt und für drei Darsteller*innen.

Wir beginnen in einem spärlich möblierten Interieur, das an die 1920er erinnert – und mit Ranken, die offenbar erfolgreich im Lichtträgerwerk gedeihen. Jane (Cassandra Thomas) und John (Leon Williams) sind ein Ehepaar, das nach dem Ersten Weltkrieg sparsam in der französischen Provinz lebt. Die ersten Dialogwechsel wirken leicht und häuslich, doch sobald einer von beiden die Bühne verlässt, wird er oder sie von Schüttelfrost, Kopfschmerzen und anderen beunruhigenden körperlichen Symptomen ergriffen, die nach jüngster seelischer Erschütterung riechen. Offenkundig wird dies ein Stück, in dem die Erinnerung an den Krieg groß im Raum steht – und in dem sich zunehmend eine Kluft auftut zwischen höflicher Oberfläche und dunkleren, persönlichen Erinnerungen. Bei allem spürbaren Vergnügen und der Erleichterung, die das Paar in den Ritualen des Landlebens erlebt – und für Jane im Schreiben von Gedichten –, liegt über dieser Idylle eine Strömung aus Verdrängung und Eskapismus, wörtlich unterstrichen durch unheilvolle Toneffekte, die an fernes Artilleriefeuer erinnern. Wir erfahren, dass Jane aus einer wohlhabenden Familie stammt, aber als Krankenschwester an der Westfront diente, und dass John als Offizier an der Somme war und in Gefangenschaft geriet.

In dieses Szenario platzt – im Verlauf eines einzigen Tages – ein dritter, geheimnisvoller Eindringling: George Darbridge (Richard Atwill). Er taumelt in das Haus, in voller Abendgarderobe und mit einer verletzten Hand, die Jane für ihn verbinden soll. Es stellt sich heraus, dass er in einem nahegelegenen Gasthof wohnt und an einem Roman recherchiert; auch er hat Kriegserfahrungen, die er lieber vergessen würde, sowie eine französische Ehefrau, die kürzlich in der Epidemie der Spanischen Grippe gestorben ist. Er hat eine aufdringliche Art und beginnt, Jane nach ihrer Vergangenheit und John nach dessen Kriegsdienst auszufragen – und zugleich Fragen nach der Aufrichtigkeit und Integrität ihrer Beziehung aufzuwerfen. Am Ende dieser Szene gelingt es ihm, Janes privates Gedichtheft mitzunehmen; das liefert ihm genug Stoff, um bei seiner späteren Rückkehr am selben Tag, wenn er sich John vorstellt, dieselbe Übung des Zweifel-Säens zu betreiben. Bis zur Pause hat er sich derart über das Paar erhoben, dass er es dazu zwingt, sich für ein fingiertes Dinner im eigenen Haus herauszuputzen – bei dem jeder Gang zu einer von ihm bestimmten Wahrheitsprüfung wird. Dieses Muster bestimmt die zweite Hälfte: Jeder „Gang“ wird von den edelsten Weinen begleitet, entpuppt sich jedoch als Abfolge immer niederschmetternder Enthüllungen, die uns zwingen, vollständig neu zu bewerten, was wir über das Paar im Zentrum des Dramas zu wissen und beobachtet zu haben glaubten.

Das Stück insgesamt ist durchaus lehrreich, was das Erzeugen von theatralischer Spannung betrifft – aber nicht immer auf eine Weise, die dem Autor zur Ehre gereicht. Holloway schreibt im Programmheft: „Wenn man wirklich Licht auf etwas werfen will, muss man es zuerst ins Dunkel stellen.“ Wenn er damit meint, dass die Wirkung der finalen Enthüllungen in jedem Thriller vor allem davon abhängt, wie die Themen vorbereitet werden und wie das Spiel des „bait and switch“ – also das Anfüttern und Umschwenken – mit den Erwartungen des Publikums funktioniert, dann kann man kaum widersprechen. Doch genau dieser Plan wird hier nicht wirklich eingelöst. In einem Hitchcock-Drehbuch etwa oder in einem Klassiker wie Sleuth bemerkt das Publikum nicht, in welchem Ausmaß große Annahmen und gedankliche Sprünge durch die kleinen Schritte kaschiert werden, die wir als unauffällig schlucken – die eigentliche Kunst besteht darin, die Zuschauer*innen sehr allmählich und mit stillschweigender Zustimmung über viele kleinteilige Plausibilitäten in die Fäden des Plots hineinzuziehen. Genau das fehlt hier weitgehend. In der ersten Hälfte ist George schlicht zu unhöflich, grob unsensibel und in seinen Insinuationen zu plump, um glaubwürdig zu wirken. Es ist kaum vorstellbar, dass irgendein Paar – selbst eines, das so konventionell passiv und so höflich-englisch ist wie dieses – einem derart großspurigen Tyrannen Unterschlupf gewährt hätte; dass man nicht zwischen seinen Besuchen Notizen verglichen und seine Anmaßungen durchschaut hätte. Dadurch überzeugt die erste Hälfte nicht, und die nachfolgenden Enthüllungen verfehlen – trotz der schauspielerischen Qualität ihrer Ausführung – den beabsichtigten Schockeffekt. Die Möglichkeit seelischer Beschädigungen durch den Krieg wurde zu oft und zu früh angedeutet, als dass sie uns noch überraschen könnte, und George überzeugt nicht als eine Art strafender Engel der Gerechtigkeit, dessen Verhalten sich im Dienst einer größeren Wahrheit rechtfertigen ließe. Das Stück nickt häufig in Richtung von J. B. Priestleys An Inspector Calls, ohne jedoch die handwerkliche Meisterschaft dieses alten Schlachtrosses zu besitzen.

Das Ensemble arbeitet mit dem Material durchweg hart – vielleicht zu hart. Sowohl Thomas als auch Williams müssen einen Weg zurücklegen von einer geschniegelt-oberflächlichen Konversationskomödie hin zu einer angespannten, zermürbenden emotionalen Konfrontation. Die Kunst besteht darin, die Risse in der Fassade nur sehr langsam sichtbar werden zu lassen, und beide beherrschen das. Wenn die finalen Szenen ihnen die Chance geben, wirklich loszulassen und sich den emotionalen Wahrheiten der Vergangenheit zu öffnen, die sie zu verdrängen versucht haben, ergreifen sie diese Gelegenheit mit Verve. Allerdings ist es nicht ihre Schuld, dass das Ganze eher als technischer Erfolg denn als bewegendes Erlebnis fürs Publikum wirkt. Sie haben sozial unglaubwürdige Situationen schlicht zu bereitwillig akzeptiert, um am Ende den Lohn in Form von Vertrauen und Empathie des Publikums einzufahren. Atwill hat es in einer Rolle, die teils Mephistopheles, teils Inspector Goole ist, noch schwerer. Er bringt viel Energie und körperliche Dynamik in George, doch der Text gesteht ihm auch das Recht zu, eine „große, sabbernde Meute von Erinnerungen“ nach der anderen aufzudecken. Er sieht aus und spielt wie eine Figur, die direkt von einem Plakat eines viktorianischen Melodrams gesprungen ist – und wir können uns weder für ihn noch für die Sache der Wahrheit interessieren, der er sich zu verschreiben vorgibt.

Was Licht, Bühne, Kostüme, Ton und Design betrifft, leistet das Kreativteam um Regisseur Donnacadh O’Briain gemeinsam mit dem Ensemble sehr solide Arbeit. Doch die Professionalität der Produktion kann nicht darüber hinwegtäuschen, dass ein interessantes Konzept und Szenario im Text keine überzeugende, durchgehaltene Umsetzung findet.

Lesere läuft im Jermyn Street Theatre bis zum 1. August 2015