RESEÑA: Lesere, Teatro Jermyn Street ✭✭

Lesere

Jermyn Street Theatre

14/07/15

2 estrellas

El Jermyn Street Theatre es un espacio íntimo, muy adecuado para la presentación de thrillers, y que además ahora cuenta con aire acondicionado; así que en estos meses de verano la claustrofobia y el encierro pueden quedar restringidos a lo psicológico más que a lo físico. Hasta agosto acoge Lesere, una nueva obra de Ashley G Holloway, dividida en dos actos, montada en arena y para tres intérpretes.

Se abre el telón sobre un interior austeramente amueblado, evocador de los años veinte, con enredaderas que, al parecer, prosperan en la parrilla de iluminación. Jane (Cassandra Thomas) y John (Leon Williams) son un matrimonio que vive con austeridad en el campo francés tras la Primera Guerra Mundial. Los primeros intercambios son ligeros y domésticos, pero a medida que cada uno abandona el escenario queda asaltado por escalofríos, dolores de cabeza y otros síntomas físicos inquietantes, impregnados de un trauma psicológico reciente. Está claro que será una obra en la que los recuerdos de la guerra pesarán mucho y en la que, cada vez más, se abrirá una brecha entre las formas educadas y memorias personales más sombrías. Pese al evidente disfrute y a la sensación de liberación que la pareja encuentra en los rituales de la vida agrícola y —en el caso de Jane— en escribir poesía, hay una corriente subterránea de evasión y escapismo en este idilio, subrayada literalmente por efectos sonoros ominosos que recuerdan a los lejanos bombardeos. Sabemos que Jane procede de una familia acomodada, pero sirvió como enfermera en el Frente Occidental, y que John fue oficial del ejército en el Somme, donde fue hecho prisionero.

En este escenario, y a lo largo de un solo día, irrumpe un tercer personaje misterioso, un intruso: George Darbridge (Richard Atwill). Entra tambaleándose en la casa vestido de etiqueta, con una mano herida, y le pide a Jane que se la venda. Resulta que se aloja en una posada cercana mientras investiga para una novela, y que él también vivió experiencias de guerra que preferiría olvidar, además de haber perdido recientemente a su esposa francesa en la epidemia de gripe española. Tiene un aire insistente y comienza tanto a interrogar a Jane sobre su pasado y la carrera militar de John como a sembrar dudas sobre la integridad y la honestidad de su relación. Al final de esta escena logra marcharse con el cuaderno privado de poemas de Jane, lo que le proporciona material suficiente para repetir el mismo ejercicio de sembrar la duda cuando regresa más tarde ese día para presentarse a John. Para el intermedio, ha logrado tal ascendiente sobre la pareja que los obliga a arreglarse para una cena ficticia en su propia casa, en la que cada plato se convertirá en un ejercicio de decir la verdad impuesto por él. Este patrón marca el rumbo de la segunda mitad, donde cada «plato» va acompañado de los mejores vinos, pero termina siendo una sucesión de revelaciones cada vez más desoladoras, que nos obligan a replantearnos por completo lo que creemos haber aprendido y observado de la pareja en el centro del drama.

La obra en conjunto resulta bastante instructiva sobre cómo se construye la suspense teatral, pero no siempre de una manera que deje bien parado al autor. Holloway afirma en el programa que «si de verdad quieres arrojar luz sobre algo, primero ponlo en la oscuridad». Si con ello quiere decir que el impacto de las revelaciones finales en cualquier thriller depende sobre todo de cómo se preparan los temas y del juego de «cebo y cambio» con las expectativas del público, ¿quién podría discrepar? Pero aquí ese plan no llega a ejecutarse. En un guion de Hitchcock, por ejemplo, o en un clásico como Sleuth, el público no se da cuenta de hasta qué punto las grandes suposiciones y saltos de comprensión quedan disimulados por pequeños pasos que aceptamos como normales: la verdadera destreza está en arrastrar al público muy gradualmente y de forma consensuada a las madejas de la trama mediante una acumulación de plausibilidades a pequeña escala. Y, crucialmente, eso falta en gran medida aquí. En la primera mitad, George es simplemente demasiado grosero, burdamente insensible y tosco en sus técnicas de insinuación como para resultar creíble. Cuesta imaginar que cualquier pareja —incluso una tan convencionalmente pasiva y educadamente inglesa como esta— hubiera dado cobijo a un fanfarrón tan abusón; o que no hubieran comparado impresiones entre sus visitas y descubierto sus pretensiones. Como resultado, la primera parte no convence y las revelaciones posteriores, pese a la pericia interpretativa con que se muestran, no alcanzan el impacto pretendido. La posibilidad de un daño de personalidad provocado por la guerra se anuncia demasiadas veces y demasiado pronto como para sorprendernos, y George no resulta convincente como una especie de ángel vengador de la justicia cuya conducta pueda justificarse al servicio de una verdad mayor. La obra guiña en numerosas ocasiones hacia el An Inspector Calls de J. B. Priestley, sin exhibir la artesanía de la que presume ese viejo caballo de batalla.

El reparto trabaja duro, quizá demasiado, con este material. Tanto Thomas como Williams deben recorrer un trayecto desde una pulida comedia de modales hasta una confrontación emocional tensa y desgarradora. Aquí la habilidad consiste en dejar que las grietas de la fachada asomen muy gradualmente, y ambos lo hacen con destreza. Cuando las escenas finales les permiten soltarse de verdad y abrirse a las verdades emocionales del pasado que han intentado reprimir, toman la iniciativa con brío. Sin embargo, no es culpa suya que esto se perciba más como un logro técnico que como una experiencia emotiva para el público. Han aceptado con demasiada naturalidad situaciones socialmente inverosímiles como para obtener la recompensa en forma de confianza y empatía del patio de butacas. Atwill tiene una tarea aún más difícil en un papel que es en parte Mefistófeles y en parte el inspector Goole. Aporta mucha energía y dinamismo físico al personaje de George, pero el texto le concede el derecho a sacar a la luz, una tras otra, «una gran memoria babeante, como un sabueso». Parece y se comporta como un personaje que ha saltado del cartel de un melodrama victoriano, y no llegamos a preocuparnos por él ni por la causa de la verdad que dice defender.

En cuanto a iluminación, escenografía, vestuario, sonido y diseño, el equipo creativo encabezado por el director Donnacadh O’Briain realiza un trabajo muy sólido, al igual que el reparto. Pero el nivel de profesionalidad de la producción no puede compensar el hecho de que un concepto y un planteamiento interesantes no encuentren una realización convincente y sostenida en la escritura.

Lesere se representa en el Jermyn Street Theatre hasta el 1 de agosto de 2015