KRITIK: Light Shining In Buckinghamshire, Lyttleton Theatre ✭✭

Light Shining In Buckinghamshire

Lyttleton Theatre

23. April 2015

2 Sterne

Man muss es Es Devlin und Soutra Gilmour lassen: Sie wissen, wie man aussergewöhnliche, überwältigende Bühnenbilder und lebendige, detailreiche Kostüme schafft. Ihre Arbeit in Lyndsey Turners Wiederaufnahme von Caryl Churchills Light Shining In Buckinghamshire, die gestern Abend im Lyttleton Theatre des National Theatre Premiere hatte, ist erstaunlich und – ganz wörtlich – atemberaubend.

Wenn sich zu Beginn der Feuervorhang hebt und den intensiven, opulenten, üppig ausstaffierten Anblick von Adligen des 17. Jahrhunderts freigibt, die an einer riesigen Tafel schlemmen – scheinbar jeder Zentimeter der gewaltigen Weite des Lyttleton von Schauspielerinnen und Schauspielern oder Tisch besetzt –, ist die Wirkung überwältigend. So viel Pracht, so viel Verschwendung. Man kann nicht anders, als sich zu fragen, wie kleinere, nicht subventionierte, nicht „Elite“-Theaterschaffende darauf reagieren würden.

Und zum Teil muss genau das Devlins und Gilmours Punkt sein. Das reiche Hochleben des fest verankerten Adels muss verstanden werden, wenn der Kampf, auf den Churchills Stück zurückblickt, Sinn ergeben soll. Das 1976 entstandene Stück wirft einen nicht-linearen, leicht aus der Mitte gerückten Blick auf den Bürgerkrieg, der zur Hinrichtung Karls I. und zu Oliver Cromwells Commonwealth of England führte. Statt die Hauptereignisse sowie Gedanken und Handlungen der zentralen Akteure dieses Ringens zu untersuchen, entscheidet sich Churchill für diejenigen, die vom Konflikt am stärksten betroffen sind: die einfachen Menschen, die Armen, die Entmachteten, die Frauen, die Soldaten, die Handwerker. Durch ihre Erfahrungen entsteht eine Art Verständnis für die grösseren Machenschaften.

Das Kernstück von Churchills Stück ist eine Verbeugung vor dem Verbatim-Theater: Anhand der tatsächlichen Aufzeichnungen der Putney Debates (ein militärisches Kurzschriftsystem wurde verwendet, um alles Gesagte zu protokollieren; die Debatten fanden über mehrere Tage Ende Oktober/Anfang November 1647 statt) präsentiert Churchill die tatsächlichen Worte der Debattierenden – wenn auch in bearbeiteter Form. Das Gefühl von Authentizität ist daher stark, auch wenn das Gefühl von Dramatik es nicht ist.

Das Merkwürdigste an dieser Inszenierung – der ersten in Rufus Norris’ Amtszeit als Artistic Director des National Theatre – ist, dass nichts an ihr darauf abzielt, das Gewebe, die Struktur und das Gewicht von Churchills Arbeit zu erhellen, offenzulegen oder freizulegen.

Nichts.

Das Stück ist zutiefst intim. Es untersucht, wie gewöhnliche Menschen von den grossen Ereignissen der Welt betroffen waren, wie Fragen im grossen Massstab sich auf die Spitze der alltäglichen Existenz von Englands Männern und Frauen auswirkten. Es ist im Kern ein kleines Stück, das mit grossen Ideen arbeitet. Um die beste Wirkung zu erzielen, braucht es eine intime, nachhallende Inszenierung, die sich auf die Kleinigkeiten konzentriert und sie scharf stellt. Die ursprüngliche Produktion hatte eine Besetzung von sechs Personen.

Es im Lyttleton zu spielen, musste immer eine Herausforderung sein – sein natürlicher Ort ist das Dorfman oder das Temporary Theatre. Die Lyttleton-Bühne ist kein Ort für intimes Theater – sie ist ein Ort für episches Theater, für grosse, breit gemalte Stücke komischer oder dramatischer Überhöhung. Und intime Arbeiten lassen sich nicht einfach dadurch in epische verwandeln, dass man sie in riesige Räume stellt und Geld sowie Expertise darauf wirft. Das bewirkt – wie es sich hier zeigt – nur, dass Bühne und Kostüme wichtiger werden als das Stück.

Es hat eine eigentümliche Faszination, dabei zuzusehen, wie das reich intensive Bankett nach und nach den Vorstössen des einfachen Volkes weicht, wie die üppige Tafel kahlgeräumt wird und sich dann in einen Ort für abgewogene Debatten statt für anmassenden Überfluss verwandelt. Das wunderbare Licht von Bruno Poet unterstreicht diesen satten Übergang noch, ebenso Mary Chadwicks atmosphärische Musik. Der Hinweis auf den königlich gekleideten Karl und sein Gefolge – wie ein wunderschön ausgearbeiteter Geist – schwebt im Hintergrund: da, und doch nicht da.

Eine „Community Company“ mit 44 Mitwirkenden füllt die Reihen der Darstellenden auf, verleiht dem Geschehen ein „rhubarb, rhubarb“-Stimmengewusel und erhellt gelegentlich – am deutlichsten in der Sequenz der Putney Debates – durch eine unheimlich treffsichere Demonstration die Weisheit von Michael Greens The Art Of Coarse Acting. Im Programmheft heisst es, die Produktion habe „die Integration einer Gruppe von Community-Performerinnen und -Performern in eine Hauptbühnenproduktion“ ermöglicht. Da es keinen Hinweis darauf gibt, dass die Community-Performer bezahlt wurden, ist ihre Einbindung hier – so wichtig sie für sie auch sein mag – bestenfalls fragwürdig, schlimmstenfalls empörend. Niemand, der auf einer National-Bühne arbeitet, sollte unbezahlt sein; wer auf einer National-Bühne arbeitet, sollte Teil der regulären Compagnie sein.

Natürlich dient die Einbeziehung dieser „Community Company“ auch dazu, Punkte zu unterstreichen, die Churchill untersucht: wie die Privilegierten die Nicht-Privilegierten misshandeln und ausnutzen. Das mag nicht beabsichtigt gewesen sein, aber der Einsatz der „Community Company“ hebt greifbar und unausweichlich die Schlüsselfrage hervor, die Oliver Cromwell von den Putney Debates in einen Ausschuss trieb: Werden Menschen nach dem Wert dessen beurteilt, wer sie sind und was sie tun – oder nach dem Einkommen, das sie besitzen, und ihrem Anspruch darauf?

Der Ton von Churchills Stück ist zutiefst persönlich. Das Programmheft beschreibt es als ein „Volksstück“. Doch Turners Inszenierung ist opernhaft und kalt, in ihrem Glanz und Überfluss hochgradig unpersönlich. Volkstümlich ist daran nichts.

Nur der hervorragende Trystan Gravelle findet einen Weg, sich über – oder zumindest innerhalb – der Inszenierungshülle zu behaupten und eine Darstellung zu geben, die vor Ehrlichkeit und Wahrheit brennt. Seine methodische und völlig überzeugende Leistung als Briggs, ein gewöhnlicher Arbeiter, der aus Geldnot und aus Hoffnung auf Gerechtigkeit zur Armee geht und auf dem Weg dorthin immer wieder Ernüchterung erlebt, ist wirklich sehr fein. Als Einziger im Ensemble weigert sich Gravelle, zuzulassen, dass seine Arbeit vom Tsunami der Produktionswerte verschluckt wird.

Im Abschnitt der Putney Debates gibt es feurige Überzeugung bei Sargon Yelda, feste Unnachgiebigkeit bei Leo Bill und unermüdliche Hoffnung bei Alan Williams – doch die Inszenierung ermöglicht nie wirklich ein klares Verständnis der Differenzen in diesem bemerkenswerten Moment der englischen Geschichte. Tatsächlich ist die Distanz zu den Darstellenden und ihrer Arbeit hier eher die Regel als die Ausnahme.

Churchill scheint zu vertreten, dass das Versäumnis, die zentralen Fragen in den Putney Debates anzugehen, etwas ist, das England bis heute prägt – und dass dies, ehrlich gesagt, ein wichtiger, vielleicht der wichtigste Aspekt moderner Politik ist. Ihr Punkt ist stichhaltig, geht jedoch vollständig in der grossen Gegenströmung unter, die das Meer aus Spektakel hinterlässt, das Turner, Devlin und Gilmour geschaffen haben.

Die erste von Norris programmierte Produktion – und vermutlich mit seinem ausdrücklichen Segen erdacht und umgesetzt – ist ein Triumph der Form über den Inhalt. Eine epische, kraftlose Inszenierung eines intimen, kraftvollen Werks. Sie sagt einem nichts über Churchills Stück, könnte aber – erschreckenderweise – viel darüber verraten, was unter Norris’ Leitung am National noch kommen wird.

Light Shining In Buckinghamshire läuft bis zum 22. Juni 2015.