RECENSIONE: Luce splendente nel Buckinghamshire, Lyttleton Theatre ✭✭

Light Shining In Buckinghamshire

Lyttleton Theatre

23 aprile 2015

2 stelle

Bisogna riconoscerlo a Es Devlin e Soutra Gilmour: sanno come creare scenografie straordinarie e travolgenti, e costumi vividi e minuziosamente dettagliati. Il loro lavoro nella ripresa di Light Shining In Buckinghamshire di Caryl Churchill firmata da Lyndsey Turner, andata in scena ieri sera al Lyttleton Theatre del National, è sbalorditivo e, letteralmente, mozzafiato.

Quando all’inizio si alza il sipario tagliafuoco e rivela una visione intensa, sontuosa e ricchissima di dettagli di nobili del XVII secolo intenti a banchettare attorno a un tavolo enorme, con praticamente ogni centimetro della vasta platea del Lyttleton occupato da attori o tavoli, l’effetto è travolgente. Tanta grandiosità, tanto sperpero. Non si può fare a meno di chiedersi come reagirebbero i creatori di teatro più piccoli, non sovvenzionati, non “d’élite”.

E in parte questo dev’essere proprio il punto di Devlin e Gilmour. La vita dorata della nobiltà radicata va compresa se la battaglia su cui il testo di Churchill riflette deve acquistare senso. Il dramma del 1976 offre uno sguardo non lineare e decentrato sulla Guerra civile che portò all’esecuzione di Carlo I e al Commonwealth d’Inghilterra di Oliver Cromwell. Invece di soffermarsi sugli eventi principali e sui pensieri e le azioni dei protagonisti della contesa, Churchill sceglie di guardare a chi dal conflitto è stato colpito più duramente: la gente comune, i poveri, gli esclusi, le donne, i soldati, gli artigiani e i lavoratori. Attraverso le loro esperienze, le grandi manovre della storia acquistano una sorta di senso.

Il fulcro del testo di Churchill è un cenno al teatro verbatim: esaminando gli atti reali dei Putney Debates (per registrare tutto ciò che veniva detto fu usato un sistema di stenografia militare; i dibattiti si svolsero nell’arco di diversi giorni tra fine ottobre e inizio novembre 1647), Churchill mette in scena le parole autentiche dei dibattenti, seppure in forma montata e ridotta. Il senso di autenticità, quindi, è potente, anche se quello di drammaticità lo è meno.

L’aspetto più curioso di questa produzione, la prima del mandato di Rufus Norris come Direttore Artistico del National Theatre, è che nulla, in ciò che vediamo, sembra voler illuminare, rivelare o portare alla luce la trama, la struttura e il peso specifico del lavoro di Churchill.

Nulla.

Il testo è intensamente intimo. Indaga su come le persone comuni venissero toccate dai grandi eventi del mondo, su come le questioni “macro” ricadessero sulla punta più affilata dell’esistenza quotidiana di uomini e donne d’Inghilterra. È, in sostanza, un testo piccolo che maneggia idee grandi. Per rendere al meglio, ha bisogno di un allestimento intimo e risonante, capace di concentrarsi e mettere a fuoco i dettagli minuti. La sua prima edizione aveva un cast di sei.

Metterlo in scena al Lyttleton sarebbe sempre stato una sfida: la sua casa naturale è il Dorfman o il Temporary Theatre. Il palcoscenico del Lyttleton non è il posto per il teatro intimo: è un luogo per il teatro epico, per lavori grandi e a tratti grossolani, di eccesso comico o drammatico. E le opere intime non si trasformano in opere epiche semplicemente piazzandole in spazi enormi e riversandoci sopra denaro e competenze. L’unico risultato, come qui si vede chiaramente, è che scenografie e costumi diventano più importanti del testo.

C’è una fascinazione acuta nel guardare il banchetto ricco e intenso lasciare spazio, poco a poco, all’avanzata della gente comune; nel vedere il tavolo sontuoso spogliarsi fino a restare nudo, per poi trasformarsi in un luogo di dibattito misurato invece che di eccesso privilegiato. Le splendide luci di Bruno Poet non fanno che accentuare questa transizione lussureggiante, così come la musica atmosferica di Mary Chadwick. L’ombra di Carlo, vestito con regalità, e del suo seguito, come un fantasma magnificamente dettagliato, aleggia sullo sfondo: presente, ma non presente.

Una “Community Company” di 44 persone ingrossa le file degli interpreti, aggiungendo alla serata una corposità da “rhubarb, rhubarb” (il classico brusio di fondo) e, a tratti, soprattutto nella sequenza dei Putney Debates, offrendo una dimostrazione quasi inquietante della saggezza di The Art Of Coarse Acting di Michael Green. Il programma rivendica che la produzione ha permesso “l’integrazione di una compagnia di performer della comunità in una produzione su un palcoscenico principale”. Poiché non c’è alcuna indicazione che questi performer siano stati pagati, la loro presenza qui, per quanto importante per loro, è quantomeno dubbia, e nel peggiore dei casi scandalosa. Nessuno che lavori in scena per il National dovrebbe essere non retribuito; chiunque lavori su un palco del National dovrebbe far parte della compagnia a pieno titolo.

Certo, l’inserimento di questa “Community Company” serve anche a sottolineare alcuni punti che Churchill sta interrogando: il modo in cui chi ha privilegi maltratta e sfrutta chi non ne ha. Forse non era intenzionale, ma l’uso della “Community Company” finisce per evidenziare, in modo concreto e inevitabile, la nozione chiave che spinse Oliver Cromwell dai Putney Debates verso un comitato: le persone valgono per ciò che sono e per ciò che fanno, o per il reddito che possiedono e per il diritto che ne deriva?

Il senso del testo di Churchill è intensamente personale. Il programma lo definisce un “folk play”, un dramma popolare. Ma l’allestimento di Turner è operistico e freddo, altamente impersonale nel suo lustro e nel suo eccesso. Qui non c’è nulla di “popolare”.

Solo l’eccellente Trystan Gravelle riesce a emergere — o quantomeno a trovare spazio — dentro le sovrastrutture dell’allestimento, offrendo una prova che brucia di onestà e verità. Il suo Briggs, un lavoratore comune che si arruola nell’esercito per denaro e per la possibilità di giustizia, e che lungo il cammino sperimenta la disillusione, è metodico e totalmente credibile: davvero notevole. Unico nel cast, Gravelle si rifiuta di lasciare che il suo lavoro venga inghiottito dallo tsunami dei valori di produzione.

Nella sezione dei Putney Debates c’è una convinzione ardente in Sargon Yelda, una ferma intransigenza in Leo Bill e una speranza instancabile in Alan Williams, ma la messa in scena non consente mai davvero di comprendere a fondo i punti di divergenza in quello che è un momento straordinario della storia inglese. Anzi, qui la regola è il distacco dai performer e dal loro lavoro, più che l’eccezione.

Churchill sembra sostenere che l’incapacità di affrontare le questioni centrali dei Putney Debates sia qualcosa che definisce l’Inghilterra di oggi e che, a dirla tutta, sia un aspetto importante — forse l’aspetto più importante — della politica contemporanea. Il punto è valido, ma si perde completamente nel grande risucchio lasciato dalla marea di spettacolo creata da Turner, Devlin e Gilmour.

La prima produzione programmata da Norris — e presumibilmente concepita e realizzata con il suo specifico avallo — è un trionfo della forma sulla sostanza. Una messinscena epica e impotente di un testo intimo e potente. Non vi dice nulla dell’opera di Churchill ma, cosa inquietante, potrebbe dire molto di ciò che verrà nel corso del mandato di Norris al National.

Light Shining In Buckinghamshire resta in scena fino al 22 giugno 2015.