RESEÑA: Luz Brillante en Buckinghamshire, Teatro Lyttelton ✭✭

Light Shining In Buckinghamshire

Teatro Lyttleton

23 de abril de 2015

2 estrellas

Hay que reconocerle el mérito a Es Devlin y Soutra Gilmour. Saben cómo crear escenografías extraordinarias y apabullantes, y vestuarios vívidos y minuciosos. Su trabajo en la reposición de Light Shining In Buckinghamshire de Caryl Churchill, dirigida por Lyndsey Turner y estrenada anoche en el Teatro Lyttleton del National, es asombroso y, literalmente, te deja sin aliento.

Cuando al inicio se alza el telón cortafuegos para revelar la vista intensa, suntuosa y profusamente detallada de nobles del siglo XVII banquetando en una mesa enorme —con, al parecer, cada centímetro de la vasta Lyttleton ocupado por un actor o por la propia mesa—, el efecto resulta abrumador. Tanto boato, tanto derroche. Es imposible no preguntarse cómo responderían creadores teatrales más pequeños, no subvencionados, ajenos a lo “élite”.

Y, en parte, este debe de ser el propósito de Devlin y Gilmour. La vida a todo lujo de la nobleza atrincherada debe comprenderse si la batalla sobre la que reflexiona la obra de Churchill ha de tener sentido. La obra de 1976 ofrece una mirada no lineal y descentrada a la Guerra Civil que desembocó en la ejecución de Carlos I y en la Commonwealth de Inglaterra de Oliver Cromwell. En lugar de examinar los acontecimientos principales y los pensamientos y acciones de los protagonistas de la contienda, Churchill elige fijarse en quienes más sufrieron el conflicto: la gente corriente, los pobres, los desposeídos, las mujeres, los soldados, los artesanos y comerciantes. A través de sus vivencias se compone, de algún modo, un sentido de las maquinaciones mayores.

La pieza central de la obra de Churchill es un guiño al teatro documental (verbatim): al examinar los registros reales de los Debates de Putney (se utilizó un sistema de taquigrafía militar para consignar todo lo dicho en los debates, celebrados durante varios días a finales de octubre y principios de noviembre de 1647), Churchill presenta las palabras auténticas de los debatientes, aunque en una versión editada. La sensación de autenticidad, por tanto, es potente, incluso si la sensación de drama no lo es.

Lo más curioso de esta producción, la primera en el mandato de Rufus Norris como director artístico del National Theatre, es que nada en ella busca iluminar, revelar o desenterrar la tela, la estructura y el peso específico del trabajo de Churchill.

Nada.

La obra es intensamente íntima. Explora cómo los acontecimientos del mundo afectaban a la gente corriente, cómo las cuestiones de gran calado repercutían en lo más inmediato del día a día de hombres y mujeres de Inglaterra. En esencia, es una obra pequeña que maneja ideas grandes. Para dar lo mejor de sí, necesita una puesta en escena íntima y resonante, que concentre y enfoque la atención en lo minúsculo. Su primera presentación tuvo un reparto de seis intérpretes.

Montarla en la Lyttleton siempre iba a ser un reto: su hogar natural es la Dorfman o el Temporary Theatre. El escenario de la Lyttleton no es lugar para el teatro íntimo: es un espacio para el teatro épico, para piezas grandes, de trazo grueso, con exceso cómico o dramático. Y las obras íntimas no pueden convertirse en épicas simplemente colocándolas en espacios enormes y arrojándoles dinero y pericia. Lo único que logra eso —como aquí se evidencia— es que la escenografía y el vestuario se vuelvan más importantes que la obra.

Hay una fascinación aguda en ver cómo el banquete, rico e intenso, va cediendo, poco a poco, ante el avance del pueblo llano; en observar cómo la mesa fastuosa se va quedando desnuda y luego se transforma en un lugar de debate medido en vez de exceso privilegiado. La magnífica iluminación de Bruno Poet no hace sino subrayar esa transición exuberante, igual que la música atmosférica de Mary Chadwick. El atisbo de un Carlos ataviado con galas regias y su séquito, como un fantasma bellamente detallado, flota al fondo: está ahí, pero no está.

Una “Community Company” de 44 personas engrosa las filas de intérpretes, aportando a la función una carnosidad de “rhubarb, rhubarb” (ese murmullo de relleno) y, en ocasiones —sobre todo en la secuencia de los Debates de Putney—, iluminando la sabiduría de The Art Of Coarse Acting de Michael Green mediante una demostración inquietantemente certera. El programa presume de que la producción permitió “la integración de una compañía de intérpretes de la comunidad en una producción del escenario principal”. Como no hay indicio de que se pagara a los intérpretes comunitarios, su inclusión aquí —por muy importante que sea para ellos— es, como mínimo, discutible y, como máximo, indignante. Nadie que trabaje en el escenario del National debería hacerlo sin cobrar; cualquiera que trabaje en un escenario del National debería formar parte de la compañía en regla.

Por supuesto, incluir a esta “Community Company” sí sirve para subrayar cuestiones que Churchill está examinando: la manera en que los privilegiados maltratan y utilizan a quienes no lo son. Puede que no fuera intencionado, pero el uso de la “Community Company” pone de relieve, de forma tangible e inevitable, la idea clave que llevó a Oliver Cromwell de los Debates de Putney a un comité: ¿se valora a las personas por quienes son y lo que hacen, o por los ingresos que poseen y el derecho que creen tener a ellos?

El sentido de la obra de Churchill es intensamente personal. El programa la describe como una “obra popular”. Pero la producción de Turner es operística y fría, muy impersonal en su brillo y exceso. Aquí no hay nada de costumbrista ni de popular.

Solo el excelente Trystan Gravelle encuentra la manera de sobresalir —o al menos de habitar— dentro de los aderezos de la producción para ofrecer una interpretación que arde de honestidad y verdad. Su trabajo metódico y totalmente convincente como Briggs, un trabajador corriente que se alista en el ejército por dinero y por la posibilidad de justicia, y que se va desengañando a cada paso, es realmente notable. Único en el reparto, Gravelle se niega a permitir que su trabajo sea devorado por el tsunami de valores de producción.

En la sección de los Debates de Putney, hay convicción ardiente en Sargon Yelda, intransigencia firme en Leo Bill y una esperanza incansable en Alan Williams, pero la puesta en escena nunca permite comprender de verdad los puntos de divergencia en lo que es un momento extraordinario de la historia inglesa. De hecho, la desconexión con los intérpretes y su trabajo es aquí la norma, más que la excepción.

Churchill parece sostener que el fracaso a la hora de abordar las cuestiones centrales de los Debates de Putney es algo que define a la Inglaterra de hoy y que, a decir verdad, es un aspecto importante —quizá el más importante— de la política moderna. Su planteamiento es sólido, pero se pierde por completo en el gran reflujo del mar de espectáculo que Turner, Devlin y Gilmour han creado.

La primera producción programada por Norris, y presumiblemente concebida y ejecutada con su bendición expresa, es un triunfo de la forma sobre el fondo. Una puesta en escena épica pero impotente de una obra íntima y poderosa. No te dice nada sobre la obra de Churchill pero, de manera inquietante, quizá diga mucho sobre lo que está por venir bajo el mandato de Norris en el National.

Light Shining In Buckinghamshire estará en cartel hasta el 22 de junio de 2015.