KRITIK: Kleine Revolution, Almeida Theatre ✭✭

Foto: Manuel Harlan Little Revolution Almeida Theatre 2. September 2014 2 Sterne

Zwei Polizisten halten einen jungen schwarzen Mann, der einen Hoodie trägt, in einem Armhebel fest. Es findet eine Art Verhör statt, aber irgendetwas daran wirkt ein wenig seltsam. Die Luft ist elektrisch geladen vor Spannung. Die Londoner Unruhen von 2011 sind deutlich spürbar. Ein weiterer schwarzer Jugendlicher stellt die Beamten zur Rede. Was machen sie da – und warum? Was für einen Grund haben sie, den Jungen zu befragen? Der eine Polizist ist herablassend; der andere schweigt wie ein Grab. Beide urteilen.

Der neugierige Junge stellt Fragen. Keine Antworten. Stattdessen Aggressivität von den Beamten. Der kluge Junge verlangt die Personalien des lauten Beamten, einen Nachweis, dass er Polizist ist. Der Beamte weigert sich, windet sich, deutet auf die Aufschrift seiner Schutzweste und verweigert es, einen Dienstausweis zu zeigen. Der kluge Junge bleibt dran. Der Beamte knurrt und lehnt ab, behauptet, der festgehaltene Junge wolle weg, wolle „privat“ verhört werden. Der kluge Junge fordert den Identitätsnachweis, bestimmt, mutig – vielleicht schwingt in seinem Ton auch ein Vorwurf von Schikane mit. Der Beamte fragt ihn, für wen er sich hält: etwa für jemanden, der weiss, wovon er spricht?

Das Gefühl von Macht gegen Ohnmacht, Weiss gegen Schwarz, Klasse gegen Klasse, Überlegenheit gegen Verwirrung dröhnt durch die Stille des Zuschauerraums, in dem niemand lächelte oder sich wohlfühlte.

Das ist einer von zwei elektrisierenden Momenten in Joe Hill-Gibbons’ Inszenierung von Alecky Blythes Verbatim-Stück Little Revolution, das derzeit (in Voraufführungen) im Almeida Theatre von Rupert Goold zu sehen ist.

Der andere kommt am Ende des Stücks. Aber dazu gleich.

Dieses Stück speist sich aus den realen Erfahrungen von Menschen, die die Londoner Unruhen und die Zeit danach erlebt haben. Der Kniff – ein theatraler – besteht darin, dass Blythe Zeit auf Londons Strassen verbracht und Gespräche mit Londonerinnen und Londonern aufgezeichnet hat, die auf unterschiedliche Weise mit der Krise umgingen. Die Aufnahmen wurden miteinander verwoben, um so etwas wie eine Erzählung zu bilden, und die Besetzung hat sich akribisch Worte, Rhythmen, Akzente und Sprachmuster der Interviewten angeeignet – vermutlich, um Authentizität zu erzeugen.

Diese Theateraufführung, die rund 85 Minuten dauert (und selbst dann etwa 60 Minuten zu lang ist), will also zugleich authentisch und dramatisch sein; ein Teppich, der die Komplexitäten beleuchten möchte, die den Unruhen zugrunde lagen, und die weiteren Verwicklungen, die sich danach zusammenfügten – die Festnahmen, die Räumungen, Versuche der Gemeinschaft, wieder zusammenzufinden, Konfrontationen, Klassengräben, bittere gegenseitige Vorwürfe, törichtes Gutmenschentum, Polizeigewalt, die Reaktion von Regierung und Justiz und die Ratlosigkeit in der Nachbarschaft.

Das Problem ist: Es hat keinen wirklich kohärenten Zweck, keine durchgehende Linie und erstaunlich wenig Herz. Aus dem Zusammenhang gerissene Gesprächsfetzen ergeben ein allgemeines Bild von Verwirrung, Misskommunikation, Misstrauen und Missverständnissen, aber es steckt nichts Erkenntnisreiches darin. Wer die Unruhen erlebt hat, weiss das alles – und trägt vielleicht bis heute Narben. Wer sie nicht erlebt hat, bekommt kein echtes Gefühl für jene explosive, unsichere Zeit oder für die brennenden Monate danach.

Ein fröhliches Strassen-Tea-Party, damit Nachbar mit Nachbar ins Gespräch kommt, mag ein Bild aus der Zeit danach sein – aber kaum das wichtigste oder das mit der grössten Resonanz. Und doch ist es genau diese Tea-Party, die hier im Zentrum steht.

Dennoch gibt es kluges Spiel. Rufus Wright ist in all seinen Rollen perfekt – als unerwünschter BBC-Journalist, als höhnischer Polizist, als komischer Reporter vom „Das Spiegel“. Allesamt treffend gezeichnete Figuren, meisterhaft geformt und hervorragend gespielt. Imogen Stubbs ist grossartig als gutmeinende, moderne Barbara aus The Good Life, ohne rechte Vorstellung, was eigentlich zu tun wäre, aber mit einem dauerhaft einladenden Lächeln. Bayo Gbadamosi ist hervorragend als der Jugendliche, der der Polizei die Stirn bietet, und in einer Reihe weiterer Rollen. Lloyd Hutchinson, Melanie Ash, Barry McCarthy und Lucian Msamati sind ebenfalls sehr gut darin, eine Galerie skurriler Figuren mit Leben zu füllen.

Die Produktion nutzt, was sie einen Community Chorus nennt: 31 Freiwillige im Alter zwischen 16 und 74. Blythe schreibt im Programmheft, sie könne das Stück „definitiv nicht“ ohne sie machen. Sie fungieren als Statisterie – mal schweigend, mal johlen und rufen sie; sie bedrohen, brüten, lächeln und tanzen. Manchmal sprechen sie. Sie bringen in jede Szene ein Gefühl von Vielfalt und Masse.

Aber gäbe es nicht ausgebildete Schauspielerinnen und Schauspieler, die all das leisten könnten? Für ein Stück, das im Kern von gesellschaftlichen Bruchlinien handelt – verursacht durch gleichgültige oder inkonsequente Behandlung, Bezahlung, Chancen, Gerechtigkeit und Einordnung –, ist es wirklich eine gute Idee, 31 unbezahlte Mitwirkende neben 12 bezahlten arbeiten zu lassen? Wenn das Stück ohne sie nicht zu machen ist, warum können sie dann nicht bezahlt werden? Vielleicht macht es ihnen Spass oder sie fühlen sich durch die Erfahrung „demütig“ (so steht es von einer Person im Programmheft), aber dann könnte man ebenso annehmen, dass die Randalierer und Plünderer die Unruhen genossen haben – und dass ihre Familien „demütig“ waren, als sie aus ihren Wohnungen geräumt wurden, nachdem ein Familienmitglied verurteilt worden war und die Kommune sie rauswarf. Nicht sicher, ob das Erfahrungen sind, die man sich fromm wünschen sollte.

Dieses anhaltende Unbehagen holt einen in der letzten Szene des Stücks ein. Blythe, die sich selbst spielt und sich dabei vermutlich korrekt trifft, kehrt auf das Estate zurück, in dem sie monatelang in der Community recherchiert hat. Sie war sechs Monate weg und hat für die BBC gearbeitet. Sie glaubt, sie könne zurückkommen und bei den Leuten dort wieder anknüpfen, als wäre nichts gewesen. Sie glaubt, das Ergebnis eines Gerichtsverfahrens werde in der Nachbarschaft brandgefährlich sein. Und sie will dabei sein, um die Reaktionen zu dokumentieren.

Nur verschätzt sie sich in jeder Hinsicht mit ihrer Rückkehr. Die Leerstelle zwischen ihrem Verständnis der Community, in der sie so viel Zeit verbracht und so intensiv beobachtet hat, und der Realität dieser Community ist in seiner Grand-Canonesque Art hautkribbelnd.

Doch auf sehr klare Weise fasst diese Schlusszene das zentrale Thema, das das Stück verhandeln will, perfekt zusammen: Das privilegierte oder wohlhabende weisse Establishment, das täglich Entscheidungen und Urteile über das Leben weniger wohlhabender Communities fällt, hat keine Ahnung, was diese Communities bewegt, was sie brauchen oder was sie denken und fühlen. Die kleine Revolution müsste grösser sein – und sie müsste im Establishment selbst stattfinden, nicht bei seinen Opfern.

Und Blythes Schlussbild zeigt – mutig, das muss man sagen – ihre eigene Mitschuld daran, das nicht zu begreifen.

Ian MacNeil hat den Almeida-Raum in eine Spielstätte verwandelt, wie man sie eher am Bush Theatre erwarten würde. Es wirkt eigenartig, provisorisch und auf seine Weise ein bisschen aufrührerisch: Das Publikum ist im und um den Spielraum verteilt, das Saallicht bleibt meist dauerhaft an – das erzeugt ein Gefühl von Alltäglichkeit, von Geldmangel, von Verwahrlosung und Improvisation.

Guy Hoares Lichtdesign fand ich ausgesprochen unerquicklich. Der Regie-/Design-Trick besteht darin, bei Übergängen zwischen unzusammenhängenden Szenen oder wenn Darstellerinnen und Darsteller in andere Rollen wechseln, die Lichter flackern zu lassen. Anfangs ist das irritierend, später einfach nur nervig.

Unterm Strich glaube ich, dass das, was Blythe hier erreicht, als Hörspiel kraftvoller und wirkungsvoller wäre – mit den authentischen Stimmen der tatsächlich Beteiligten als Trägerinnen des Dramas, des Interesses, der Traurigkeit. Es ist zwar spannend zu sehen, wie Schauspielerinnen und Schauspieler versuchen, die Sprache realer Personen zu duplizieren, aber es wirkt auch ziemlich sinnlos, wenn – wie hier – genau diese Sprache das sein soll, was das Gewissen des Publikums trifft.

Als packendes Theatererlebnis ist das hier nicht auf dem Radar.

Little Revolution läuft Di., 26. Aug. 2014 – Sa., 4. Okt. 2014 Tickets 020 7359 4404 oder Online