RECENSIONE: Piccola Rivoluzione, Almeida Theatre ✭✭

Foto: Manuel Harlan Little Revolution Almeida Theatre 2 settembre 2014 2 stelle

Due poliziotti tengono un giovane nero, con indosso una felpa con cappuccio, in una presa al braccio. È in corso una sorta di interrogatorio, ma c’è qualcosa di leggermente strano. L’aria è carica di tensione. I disordini di Londra del 2011 sono una presenza palpabile. Un altro ragazzo nero sfida gli agenti. Che cosa stanno facendo, e perché? Con quale motivo dovrebbero interrogare il ragazzo? Un poliziotto è supponente; l’altro, silenzioso come una tomba. Entrambi giudicanti.

Il giovane curioso fa domande. Nessuna risposta. Dagli agenti, solo aggressività. Il ragazzo, sveglio, chiede i dati dell’agente più rumoroso, una prova che sia davvero un poliziotto. L’agente rifiuta, svia, indicando la scritta sul giubbotto antiproiettile, e si ostina a non esibire un tesserino ufficiale. Il ragazzo insiste. L’agente ringhia e rifiuta, sostenendo che il fermato vuole allontanarsi, vuole essere interrogato in privato. Il ragazzo chiede una prova d’identità, con fermezza, con coraggio, forse con un pizzico di accusa di molestie nella voce. L’agente gli chiede chi crede di essere: uno che sa di cosa sta parlando?

La sensazione di potere contro impotenza, bianco contro nero, classe contro classe, superiorità contro smarrimento, rimbomba nel silenzio della platea, dove non c’era una sola persona che sorridesse o che si sentisse a proprio agio.

È uno dei due momenti elettrici nella regia di Joe Hill-Gibbons del verbatim play di Alecky Blythe, Little Revolution, ora in scena (in anteprima) all’Almeida Theatre di Rupert Goold.

L’altro arriva alla fine dello spettacolo. Ma, per ora, teniamo a mente questo.

È uno spettacolo costruito a partire dalle esperienze reali di persone che hanno attraversato i disordini di Londra e ciò che ne è seguito. Il trucco, qui, è soprattutto di forma: Blythe ha passato del tempo per le strade di Londra registrando conversazioni con londinesi che affrontavano la crisi in modi diversi. Le registrazioni sono state intrecciate per formare una sorta di narrazione, e il cast ha imparato con scrupolo le parole, i ritmi, gli accenti, le inflessioni e le cadenze di ciascun intervistato — presumibilmente per aggiungere autenticità.

Così questa performance, che dura circa 85 minuti (e anche così è almeno 60 minuti di troppo), punta a essere insieme autentica e drammatica; un arazzo che tenta di affrontare le complessità che hanno alimentato i disordini e le ulteriori complessità che si sono intrecciate nel dopo — gli arresti, gli sfratti, i tentativi di ricucire la comunità, gli scontri, le divisioni di classe, le recriminazioni amare, il buonismo ingenuo, la brutalità della polizia, la risposta del Governo e della giustizia, e l’incomprensione della comunità.

Il problema è che non ha un vero scopo coerente, nessun filo conduttore e pochissimo cuore. Frammenti di conversazioni fuori contesto costruiscono un quadro generale di confusione, cattiva comunicazione, diffidenza e incomprensione, ma qui non c’è nulla di davvero illuminante. Chi ha vissuto quei giorni sa già tutto questo e potrebbe portarne ancora le cicatrici. Chi non li ha vissuti non ne ricaverà un senso autentico di quel tempo esplosivo e incerto, né dei mesi brucianti che seguirono.

Un’allegra festa del tè in strada per far parlare vicino con vicino può essere una delle immagini di quel dopo, ma non è certo la più importante o quella che risuona di più. Eppure, qui è proprio la festa del tè a diventare un fulcro centrale.

Detto questo, c’è anche una recitazione intelligente. Rufus Wright è perfetto in tutti i suoi ruoli — il giornalista della BBC non gradito, il poliziotto ghignante, un reporter comico di Der Spiegel. Sono tutti personaggi riusciti, scolpiti con perizia e restituiti splendidamente. Imogen Stubbs è impeccabile come la “benefattrice” contemporanea, una Barbara da The Good Life che non ha molta idea di cosa fare, ma è contraddistinta da un sorriso accogliente permanente. Bayo Gbadamosi è superbo nei panni del giovane che tiene testa alla polizia, e in una serie di altri ruoli. Lloyd Hutchinson, Melanie Ash, Barry McCarthy e Lucian Msamati sono tutti molto bravi nel dare corpo a una galleria di personaggi eccentrici.

La produzione utilizza quello che chiama un Community Chorus: 31 volontari, dai 16 ai 74 anni. Blythe scrive nel programma che “di certo non potrebbe” fare lo spettacolo senza di loro. Funzionano da figuranti, a volte in silenzio, altre urlando e schiamazzando; minacciano, covano, sorridono e ballano. A volte parlano. Portano in ogni scena un senso di diversità e di numero.

Ma davvero non ci sono attori professionisti che avrebbero potuto fare tutto questo? Per uno spettacolo che, nel profondo, riguarda le fratture della società causate da trattamenti indifferenti o incoerenti, retribuzioni, opportunità, giustizia e classificazioni, è davvero una buona idea avere 31 interpreti non pagati accanto a 12 interpreti pagati? Se lo spettacolo non si può fare senza di loro, perché non possono essere retribuiti? Possono divertirsi o sentirsi onorati dall’esperienza (uno di loro lo dice nel programma), ma allora si potrebbe anche presumere che i rivoltosi e i saccheggiatori si siano divertiti durante i disordini, e che le loro famiglie si siano “sentite onorate” quando sono state sfrattate perché un familiare era stato condannato e il Comune le ha cacciate di casa. Non sono certo esperienze che si possano augurare con devozione.

Questo persistente disagio torna prepotentemente a galla nella scena finale. Blythe, che interpreta sé stessa e presumibilmente si rende in modo accurato, torna nel complesso popolare dove aveva trascorso mesi a fare ricerca nella comunità. È stata assente per 6 mesi per un lavoro alla BBC. Pensa di poter tornare e riprendere con i residenti da dove aveva lasciato. Pensa che l’esito di un processo sarà incendiario nel quartiere. E vuole essere lì, per documentare le reazioni.

Solo che sbaglia completamente ogni aspetto del suo ritorno. Il vuoto tra la sua comprensione della comunità in cui ha passato tanto tempo, osservandola così intensamente, e la realtà di quella comunità è, in modo da far venire la pelle d’oca, grandcanonesco.

Ma, in modo molto chiaro, quella scena finale racchiude perfettamente la questione centrale che lo spettacolo cerca di affrontare: l’establishment bianco, privilegiato o benestante, che ogni giorno prende decisioni e formula giudizi sulla vita di comunità meno abbienti, non ha idea di cosa le faccia funzionare, di che cosa serva loro, né di cosa pensino o provino. La piccola rivoluzione dovrebbe essere più grande — e dovrebbe avvenire dentro l’establishment stesso, non tra le sue vittime.

E la scena finale di Blythe, va detto, con coraggio, mostra la sua complicità nel non averlo capito.

Ian MacNeil ha trasformato lo spazio dell’Almeida in un ambiente del tipo che ci si potrebbe aspettare al Bush Theatre. È strano e arrangiato, e a suo modo un po’ tumultuoso, con il pubblico sparpagliato dentro e attorno alle aree di performance, le luci di sala per lo più sempre accese, a creare un senso di ordinaria quotidianità, di mancanza di fondi, di squallore e di arrangiarsi.

Ho trovato il disegno luci di Guy Hoare intensamente irritante. Il trucco registico/visivo consiste nel far tremolare le luci quando si passa da una scena all’altra non collegata, o quando gli attori assumono ruoli diversi. All’inizio è destabilizzante, poi diventa semplicemente fastidioso.

In definitiva, penso che ciò che Blythe ha ottenuto qui sarebbe più potente, più incisivo, come radiodramma, con le voci autentiche delle persone reali coinvolte nei disordini a fornire dramma, interesse e commozione. È sì interessante vedere attori tentare di riprodurre il parlato di persone reali, ma è anche piuttosto inutile quando, come qui, è proprio quel parlato la cosa destinata a scuotere la coscienza del pubblico.

Come esperienza teatrale capace di lasciare il segno, non è proprio sul radar.

Little Revolution è in scena mar 26 ago 2014 - sab 4 ott 2014 Biglietteria 020 7359 4404 o Online