CRÍTICA: Pequena Revolução, Teatro Almeida ✭✭

Foto: Manuel Harlan Little Revolution Almeida Theatre 2 de setembro de 2014 2 estrelas

Dois polícias têm um jovem negro, de capuz, imobilizado num golpe de braço. Está a acontecer uma espécie de interrogatório, mas há algo de ligeiramente estranho na situação. O ar está carregado de tensão. Os motins de Londres de 2011 são uma presença palpável. Outro jovem negro confronta os agentes. O que estão a fazer e porquê? Que motivo têm para estar a interrogar o rapaz? Um dos polícias é condescendente; o outro, silencioso como um túmulo. Ambos julgadores.

O jovem inquisitivo faz perguntas. Sem respostas. Beligerância por parte dos agentes. O rapaz, inteligente, pede os dados do polícia mais falador, uma prova de que é de facto polícia. O agente recusa, tergiversa, aponta para as letras no colete à prova de bala, recusando-se a apresentar identificação oficial. O rapaz insiste. O agente rosna e recusa, alegando que o jovem detido quer afastar-se, quer ser interrogado em privado. O rapaz pede prova de identidade, com firmeza, coragem, talvez com uma ponta de acusação de assédio no tom. O agente pergunta-lhe quem pensa que é: alguém que sabe do que está a falar?

A sensação de poder contra impotência, branco contra negro, classe contra classe, superioridade contra perplexidade, ecoa pela sala na quietude do auditório, onde não havia uma única pessoa a sorrir ou a sentir-se confortável.

Este é um de dois momentos electrizantes na encenação de Joe Hill-Gibbons da peça verbatim de Alecky Blythe, Little Revolution, actualmente em cena (em pré-estreias) no Almeida Theatre de Rupert Goold.

O outro surge no final da peça. Mas guardemos isso para já.

É uma peça construída a partir das experiências reais de pessoas que viveram os motins de Londres e o que se seguiu. O truque — um recurso de forma teatral — é que Blythe passou tempo nas ruas de Londres a gravar conversas com londrinos a lidar com a crise de diferentes maneiras. As gravações foram entrelaçadas para formar uma espécie de narrativa e o elenco aprendeu meticulosamente as palavras, os ritmos, os sotaques, as cadências e os padrões de fala de cada entrevistado — presumivelmente para acrescentar autenticidade.

Assim, esta apresentação, que dura cerca de 85 minutos (o que, mesmo assim, é cerca de 60 minutos a mais), procura ser simultaneamente autêntica e dramática; uma tapeçaria que tenta dar conta das complexidades que estiveram na base dos motins e das complexidades adicionais que se foram tecendo no seu rescaldo — as detenções, os despejos, as tentativas de reconstrução comunitária, os confrontos, as divisões de classe, as recriminações amargas, o moralismo ingénuo, a brutalidade policial, a resposta do Governo e do sistema judicial e a incompreensão dentro da própria comunidade.

O problema é que não tem um propósito verdadeiramente coerente, nem um fio condutor, e muito pouca emoção. Trechos de conversas fora de contexto constroem uma imagem geral de confusão, falhas de comunicação, desconfiança e incompreensão, mas não há aqui nada de especialmente revelador. Quem viveu os motins sabe tudo isto — e pode ainda carregar cicatrizes. Quem não viveu dificilmente ficará com uma noção real desse tempo explosivo e incerto ou dos meses abrasivos que se seguiram.

Um animado chá de rua para ajudar vizinho a falar com vizinho pode ser uma imagem desse rescaldo, mas dificilmente é a mais importante ou a que tem maior ressonância. E, no entanto, é precisamente o chá que aqui assume um foco central.

Ainda assim, há interpretações inteligentes. Rufus Wright está impecável em todos os seus papéis — o jornalista indesejado da BBC, o polícia trocista, um repórter cómico da Der Spiegel. São personagens bem desenhadas, com uma execução segura e excelente. Imogen Stubbs é perfeita como a bem-intencionada "boazinha", uma Barbara dos tempos modernos de The Good Life, com pouca noção do que fazer, mas marcada por um sorriso permanentemente acolhedor. Bayo Gbadamosi é soberbo como o jovem que enfrenta a polícia e numa variedade de outros papéis. Lloyd Hutchinson, Melanie Ash, Barry McCarthy e Lucian Msamati são todos muito bons a dar corpo a uma série de personagens excêntricas.

A produção recorre ao que chama de Coro Comunitário: 31 voluntários, com idades entre os 16 e os 74 anos. Blythe afirma no programa que "definitivamente não conseguiria" fazer a peça sem eles. Funcionam como figurantes, por vezes em silêncio, noutras a assobiar e a gritar; ameaçam, cismam, sorriem e dançam. Por vezes falam. Trazem para cada cena a sensação de diversidade e de escala.

Mas, certamente, há actores profissionais que poderiam ter feito tudo isto? Numa peça que, no seu cerne, trata das linhas de fractura na sociedade causadas por tratamentos indiferentes ou inconsistentes, salários, oportunidades, justiça e classificações, será mesmo uma boa ideia ter 31 intérpretes não remunerados a trabalhar ao lado de 12 intérpretes pagos? Se a peça não pode ser feita sem eles, porque não podem ser pagos? Podem gostar ou sentir-se honrados com a experiência (um deles diz isso no programa), mas então também se pode presumir que os motins e os saques foram "agradáveis" para quem os protagonizou — e que as suas famílias ficaram "humildes" ao serem despejadas das suas casas quando um familiar foi condenado e a autarquia os expulsou. Não me parece que sejam experiências desejáveis.

Uma inquietação persistente com isto ganha forma na cena final da peça. Blythe, que interpreta a si própria e presumivelmente se representa com fidelidade, regressa ao bairro social onde passou meses a pesquisar junto da comunidade. Esteve ausente durante seis meses a fazer um trabalho para a BBC. Pensa que pode voltar e retomar com os moradores exactamente onde ficou. Pensa que o resultado de um processo em tribunal será incendiário na vizinhança. E quer estar lá para documentar as reacções.

Só que avalia completamente mal todos os aspectos do seu regresso. O vazio entre a sua compreensão da comunidade — onde passou tanto tempo e que observou tão intensamente — e a realidade dessa comunidade é, de forma arrepiante, digna de um "Grande Cânone".

Mas, de forma muito clara, essa cena final encapsula na perfeição a questão central que a peça procura abordar: o establishment branco, privilegiado ou bem-sucedido, que toma todos os dias decisões e faz juízos sobre a vida de comunidades com menos recursos, não faz ideia do que as move, do que precisam, ou do que pensam e sentem. A pequena revolução precisa de ser maior — e precisa de acontecer no próprio establishment, não entre as suas vítimas.

E a cena final de Blythe, corajosamente — é preciso dizê-lo — expõe a sua cumplicidade em não compreender isso.

Ian MacNeil transformou o espaço do Almeida num tipo de ambiente que se poderia esperar no Bush Theatre. É estranho, improvisado e, à sua maneira, um pouco tumultuoso, com o público disperso por entre e à volta das áreas de representação, as luzes da plateia quase sempre acesas, criando uma sensação de banalidade quotidiana, de falta de meios, de degradação e de desenrascanço.

Achei o desenho de luz de Guy Hoare intensamente irritante. O truque de encenação/design é fazer as luzes tremeluzirem nas transições entre cenas sem relação entre si, ou quando os actores assumem papéis diferentes. Ao início é desconcertante e depois torna-se simplesmente irritante.

No fim de contas, penso que o que Blythe conseguiu aqui seria mais forte, mais incisivo, como peça de rádio, com as vozes autênticas das pessoas reais envolvidas nos motins a fornecerem o drama, o interesse e a emoção. Embora seja interessante ver actores a tentar reproduzir a fala de pessoas reais, isso também se torna bastante inútil quando, como aqui, essa fala é precisamente aquilo que se pretende que interpele a consciência do público.

Como experiência teatral verdadeiramente marcante, isto não entra no radar.

Little Revolution está em cena de terça, 26 de agosto de 2014, a sábado, 4 de outubro de 2014 Bilheteira 020 7359 4404 ou Online