REZENSION: Loserville, Union Theatre ✭✭✭✭

Die Besetzung von Loserville. Foto: Darren Bell

Union Theatre

8. März 2015

4 Sterne

Das Schicksal vieler Musicals liegt in den Händen derjenigen, die für die Erstproduktion verantwortlich sind. Wenn ein neues Musical floppt, wird die Verantwortung oft den zentralen Kreativen zugeschoben – Autor und Komponist. Nur sehr selten trifft die Schuld jene, die für Besetzung, Regie oder Design zuständig sind. Die Formulierung „Es war ein Flop“ haftet dem Stück an, dem künstlerischen Werk, und nicht denen, die es ursprünglich inszeniert, choreografiert oder gespielt haben.

Die ersten Produktionen von Merrily We Roll Along, The Grand Tour oder Candide (um nur einige zu nennen) galten allesamt als Flops. Doch spätere Inszenierungen haben gezeigt, wie lachhaft falsch diese erste Einschätzung war.

Die West-End-Premiere von Loserville, einem Musical mit Buch, Musik und Liedtexten von Elliot Davis und James Bourne, war kein Erfolg. Ich fand sie in den meisten Punkten unerquicklich – musikalisch allerdings nicht –, doch das Konzept, das diese Produktion antrieb, sowie die im Design und in der Präsentation verwendeten Kniffe schienen die Hauptschuldigen zu sein. Die Wiederaufnahme von Loserville, die jetzt im Union Theatre zu sehen ist, unterstreicht diesen Punkt nachdrücklich.

Unter der Regie von Michael Burgen, der musikalischen Leitung von Bryan Hodgson und der Choreografie von Matt Kazan sprüht diese Version von Loserville vor begeisterter Spritzigkeit. Sie verbindet vertraute komische Stereotype mit hervorragendem Ensemblegesang und -tanz, gibt einigen starken Darsteller*innen die Chance zu glänzen – und betont dabei stets die innewohnenden Qualitäten von Buch, Partitur und Songtexten.

Diese Inszenierung schwelgt in ihrem Geek-Sein. Nicht jedes Musical kann gefahrlos Star Wars-Musik als „Wir bringen das Publikum in die richtige Stimmung“-Untermalung spielen. Dieses schon. Nicht jedes Musical kann eine Leidenschaft für Star Trek, zu kurze Hosen und eine Neigung zum Nasebohren als liebenswerte Eigenschaften seiner Hauptfiguren zusammendenken. Dieses schon. Nicht jedes Musical kann aus anzüglichem Spannen auf sportliche junge Frauen oder aus Rock-Affen, die diejenigen drangsalieren, die sie nicht mögen, komische Momente und Running Gags machen. Dieses schon. Ganz im Sinne des Star Trek-Mottos geht Loserville kühn dahin, wo die meisten Musicals noch nie gewesen sind.

Mitunter überschreitet der Nerd-Faktor vernünftige Grenzen, und es gibt keinen Zweifel daran, dass die Erzählung gestrafft werden könnte – und gelegentlich mehr Klarheit oder Ausleuchtung vertrüge. So scheint etwa in den Szenen auf der Science-Fiction-Convention zu Beginn des zweiten Akts einiges an ungenutztem Potenzial zu liegen. Die Figuren in einem Umfeld zu zeigen, in dem ihr Geek-Sein sie ganz normal macht, könnte sich durchaus auszahlen.

Die Geschichte ist skurril und angemessen albern. Wir befinden uns wieder in den frühen Siebzigern, als Star Trek gerade seinen ursprünglichen TV-Lauf beendet hat und das Internet noch nicht geboren ist. Da sind die coolen Kids (reiche, schöne, dumme Leute) und die verzweifelt uncoolen Kids (nicht reich, klug, obsessiv) – sie teilen sich widerwillig Schul- und Freizeit. Die Geeks schließen sich zusammen wie die Coolen, aber sie versuchen nicht, die Coolen zu demütigen, so wie diese die Geeks demütigen. Der Kontrast im äußeren Erscheinungsbild und Stil ist ebenso deutlich wie der in ihren Temperamenten.

In diese alltägliche Mischung kommen besondere Zutaten: der Geek-Junge, der Schriftsteller werden will, Lucas heißt und eine romantische Geschichte inmitten von Weltraumschlachten schreibt (verstanden?); die Geek-Frau, die Astronautin werden will und ein Geheimnis hat, das sie erpressbar macht; der Geek-Junge, der glaubt, er könne einen Weg finden, Computer miteinander „sprechen“ zu lassen und es vor allen anderen schaffen will (ja, akzeptieren Sie ruhig, dass das Internet von einem amerikanischen Teenager im Grunde im Alleingang erfunden wurde, wenn Sie möchten); und der unmöglich eitle, unmöglich anspruchsvolle, unmöglich dumme Junge Adonis, der verzweifelt versucht, seinen Vater zu beeindrucken, ohne dafür irgendetwas zu tun.

Diese vier – und ihre Freund*innen – tanzen durch die Handlung und verhandeln Themen wie die Bedeutung wahrer Freundschaft, Loyalität, den Druck der Liebe, Verrat, Vergebung und Selbstannahme. Die würdigen, wichtigen Botschaften werden nie breit ausgewalzt, aber sie sind da und geben dem Ganzen Struktur und prickelnde Spannung, während der Klamauk vorbeigleitet.

Im Programmheft steht nicht, wer für das Bühnenbild verantwortlich ist – doch wer auch immer es ist, hat einen täuschend einfachen, aber vollkommen inspirierten Rahmen für das Geschehen geschaffen. Die kahlen Wände und Böden des Union sind bedeckt mit mathematischen und wissenschaftlichen Berechnungen, Science-Fiction-Graffiti und hier und da einem albernen Spruch oder Zitat. Es gibt grafische Verweise auf Star Trek, George Lucas’ ersten Film THX 1138 und Einstein – Nerd-Himmel aus Zeichnungen und Bildern.

Zwei weitere Schlüsselelemente des Designs sind: zwei kleine Tafeln an der Rückwand, die als clevere Möglichkeit dienen, die Schauplätze der Szenen anzukündigen und zugleich die Schulwelt zu betonen, in der die Figuren agieren; sowie die neun farbigen Kisten, die als verschiedene Bühnenelemente fungieren und zusammen das ultimative Geek-Objekt darstellen – den Zauberwürfel, die ultimative Beschwörung der Siebziger.

Elle-Rose Hughes liefert ein pfiffiges Kostümbild, das sowohl Zeit als auch Stil der Epoche widerspiegelt, in der die Handlung spielt. Besonders eindrucksvoll sind kostümtechnisch die Szenen auf der Science-Fiction-Convention, doch durchgehend gibt es liebevolle Details, die zum schaumigen Prickeln des Abends beitragen.

Burgen hält in seinem Regiedebüt das Geschehen und die Charakterzeichnung sprudelnd in Gang. Das Stück hat ein gutes Tempo, die Energie ist hoch und gut fokussiert. Manches Business, das die Geekigkeit der Schlüsselfiguren betonen soll, ist etwas zu langsam, doch nie stellt sich das elende Gefühl von Langeweile ein – ein Markenzeichen der ursprünglichen West-End-Produktion.

Der größte Trumpf der Inszenierung liegt jedoch in der Musik: Hodgson holt aus dem gesamten Ensemble die beste Gesangsarbeit heraus; wenn alle singen, ist der Klang voll, reich und mitreißend. Die Stimmführung ist ausgezeichnet. Hodgson spielt die Keyboards und leitet die gute Arbeit von Nicky Caulfield (Schlagzeug) und Jamie Ross (Gitarre) – sie liefern eine sichere, stets pulsierende Begleitung für die Stimmen des Casts. Die Partitur ist poppig und melodiös, voller Leben.

Es gibt allerdings Probleme mit der Balance zwischen Solist*innen und Band – und die Ursachen liegen nicht bei der Band. Das Union ist ein intimer Raum, und es sollte möglich sein, akustisch zu singen und gehört zu werden; tatsächlich zeigen das viele aus dem Ensemble auch. Aber nicht alle. Vor allem die weiblichen Solistinnen – die meisten von ihnen – verfügen nicht über die Projektion und Stütze, die nötig ist, um über die Band hinweg zu tragen. Das ist eine Frage von Ausbildung und Können, nicht von Mikrofonen. Darsteller*innen müssen in der Lage sein, mit dem eigenen Körper zu singen und gehört zu werden; sich in einem Raum wie dem Union auf Verstärkung zu verlassen, ist absurd.

Die besten Leistungen kommen vom Comedy-Gold-Duo Sandy Grigelis und Matthew Harvey, die die Super-Geeks Marvin und Francis spielen. Indem sie die lächerlichen und extremen Seiten ihrer nerdtastischen Rollen voll annehmen, balancieren beide auf dieser rasiermesserscharfen Linie zwischen aberwitzig und wahrhaftig. Sie sind in jeder Hinsicht wirklich entzückend; ihr Gesang und Tanz sind ebenso stark wie ihre Charakterzeichnungen.

Jordan Fox ist großartig als angehender George Lucas – komplett mit alberner Brille und grauenhaftem Haar. Er liefert eine sehr detaillierte Darstellung des Nerds aller Nerds, voller kleinlicher Gesten und angstgetriebener Dynamik. Er kann zudem hervorragend singen und setzt den gesanglichen Höhepunkt dieser Produktion.

Als schrecklicher Schönling Eddie Arch ist Lewis Bradley sehr hübsch – und als Darsteller überhaupt nicht schrecklich. Es ist ziemlich schwierig, sowohl Dummheit als auch Eitelkeit in der hier geforderten Intensität zu spielen, doch Bradley meistert das mit vollendeter Souveränität. Als netter Schönling Michael Dork ist Luke Newton durch und durch nett (und hübsch), mit einer klaren, süßen Stimme und einer soliden Linie in den Tanzschritten.

Isobel Hathaway ist die Beste in der weiblichen Besetzung; ihre Samantha ist quirlig und stimmlich in guter Form. Weder Holly-Anne Hull noch Sarah Covey wirken in ihren Rollen besonders passend besetzt, doch beide arbeiten hart daran, sie zum Funktionieren zu bringen; stimmlich ist keine von beiden so stark, wie man es sich wünschen würde.

Das Ensemble ist stark und gut diszipliniert; insbesondere ist die Umsetzung von Kazans energiegeladener, dynamischer Choreografie präzise und beeindruckend. Auffällige Ensemblemitglieder – und welche, die man im Auge behalten sollte – sind Charlie Kendall, Delycia Belgrave und Morgan Scott.

Das Union Theatre, inspiriert von Sasha Regans Vision, an der Fringe-Grenzen zu verschieben, ist ein Aufführungsort, den London wirklich braucht. Es bietet Darsteller*innen am Anfang ihrer Laufbahn Chancen und haucht Musicals wie Loserville neues Leben und neues Publikum ein – Stücken also, die bei ihrem ersten Anlauf womöglich nicht optimal bedient wurden. Burgens Produktion zeigt, dass in Loserville Leben und Wert stecken, die die Originalproduktion nicht einmal erahnen ließ.

Unterhaltsam und überraschend – es wird Ihren inneren Geek füttern. Sie wissen, dass Sie einen haben.

Loserville läuft im Union Theatre bis zum 21. März