RESEÑA: Loserville, Union Theatre ✭✭✭✭

El reparto de Loserville. Foto: Darren Bell

Union Theatre

8 de marzo de 2015

4 estrellas

El destino de muchos musicales está en manos de quienes se encargan de su primera producción. Cuando un musical nuevo fracasa, a menudo se culpa a los creativos principales: el autor del libreto y el compositor. Muy rara vez la responsabilidad recae en quienes se ocupan del reparto, la dirección o el diseño. La frase «Fue un fracaso» se adhiere a la obra, al trabajo artístico, y no a quienes originalmente la dirigieron, coreografiaron o interpretaron.

Las primeras producciones de Merrily We Roll Along, The Grand Tour o Candide (por citar solo algunas) se consideraron fracasos. Pero montajes posteriores han demostrado que aquella valoración inicial era, a todas luces, equivocada.

El estreno en el West End de Loserville, un musical con libreto, música y letras de Elliot Davis y James Bourne, no fue un éxito. A mí me pareció desastroso en casi todo (no tanto en lo musical), pero el concepto que impulsaba aquella producción y los trucos empleados en el diseño y la puesta en escena parecían los principales culpables. La reposición de Loserville que ahora se representa en el Union Theatre lo deja clarísimo.

Con dirección de Michael Burgen, dirección musical de Bryan Hodgson y coreografía de Matt Kazan, esta versión de Loserville brilla con un entusiasmo chispeante: combina estereotipos cómicos reconocibles con un excelente trabajo coral de canto y baile, da a varios intérpretes magníficos la oportunidad de lucirse y, al mismo tiempo, subraya los dones inherentes del libreto, la partitura y las letras.

Esta producción se deleita en su frikismo. No todos los musicales pueden permitirse poner música de Star Wars como «música para meter al público en ambiente». Pero este sí. No todos los musicales pueden convertir en rasgos entrañables de sus protagonistas una pasión por Star Trek, unos pantalones demasiado cortos y la costumbre de hurgarse la nariz. Pero este sí. No todos los musicales pueden sacar momentos cómicos y chistes recurrentes del baboseo salaz a jóvenes atléticas o de simios rockeros que intimidan a quienes les caen mal. Pero este sí. Siguiendo el lema de Star Trek, Loserville se atreve a ir donde la mayoría de los musicales nunca han ido.

A veces, el Factor Friki rebasa límites razonables y no cabe duda de que la narración se beneficiaría de un ajuste, y, en ocasiones, de mayor claridad o de una exploración más a fondo. Por ejemplo, parece haber mucho potencial sin explotar en las escenas de la convención de ciencia ficción que abren el segundo acto. Profundizar en los personajes en un entorno donde su frikismo los vuelve normales podría dar muy buenos frutos.

La historia es estrafalaria y, como corresponde, bastante tontorrona. Volvemos a principios de los setenta, cuando Star Trek acaba de terminar su emisión televisiva original y cuando Internet aún no había nacido. Hay chicos guays (ricos, guapos y bastante tontos) y chicos desesperadamente nada guays (no ricos, listos y obsesivos) compartiendo con incomodidad sus horas de clase y de ocio. Los frikis se unen del mismo modo que lo hacen los guays, pero no intentan humillar a los guays como estos humillan a los frikis. El contraste en el aspecto físico y el estilo es tan marcado como el contraste en sus temperamentos.

A esta mezcla cotidiana se suman ingredientes especiales: el chico friki que quiere ser escritor, que se llama Lucas y que está escribiendo una historia romántica ambientada en medio de batallas espaciales (¿lo pillas?); la chica friki que quiere ser astronauta y guarda un secreto que la convierte en víctima de chantaje; el chico friki que cree que puede encontrar la manera de hacer que los ordenadores hablen entre sí y quiere lograrlo antes que nadie (sí, acepta —si quieres— que Internet lo inventó un adolescente estadounidense trabajando básicamente por su cuenta); y el insoportablemente vanidoso, insoportablemente engreído, insoportablemente estúpido Adonis, desesperado por impresionar a su padre sin dar un palo al agua.

Estos cuatro, y sus amigos, van sorteando la trama enfrentándose a cuestiones como el significado de la verdadera amistad, la lealtad, las presiones del amor, la traición, el perdón y la autoaceptación. Los mensajes, nobles e importantes, nunca se subrayan en exceso, pero están ahí, aportando textura y un punto de tensión mientras la tontería pasa ligera.

El programa no dice quién es responsable de la escenografía, pero quienquiera que sea ha creado un marco para la acción engañosamente sencillo y, a la vez, absolutamente inspirado. Las paredes y el suelo desnudos del Union están cubiertos de cálculos matemáticos y científicos, grafitis de ciencia ficción y alguna frase o cita tonta. Hay referencias gráficas a Star Trek, a la primera película de George Lucas, THX 1138, y a Einstein: es el paraíso friki en forma de dibujos e imágenes.

Hay otros dos componentes clave del diseño: dos pequeñas pizarras fijadas a la pared del fondo, que sirven como un modo ingenioso de anunciar los lugares de cada escena mientras refuerzan el mundo escolar en el que interactúan los personajes; y las nueve cajas de colores que funcionan como diversos elementos escénicos y que, en conjunto, representan el dispositivo friki definitivo: el Cubo de Rubik, la evocación definitiva de los setenta.

Elle-Rose Hughes aporta un conjunto de vestuario muy apañado, que refleja tanto la época como el estilo del periodo en el que se desarrolla la acción. La escena de la convención de ciencia ficción es especialmente impresionante en lo relativo al vestuario, pero hay buenos detalles a lo largo de toda la función que contribuyen al burbujeante chisporroteo del conjunto.

Burgen, en su debut como director, mantiene la acción y la caracterización en constante ebullición. La obra avanza a buen ritmo y los niveles de energía son altos y están bien enfocados. Parte del trabajo escénico que subraya el frikismo de los personajes clave es un poco lento, pero nunca se tiene la sensación de ese tedioso aburrimiento, sello distintivo de la producción original del West End.

Pero lo mejor de la producción está en la música: Hodgson saca lo mejor del trabajo vocal de todo el conjunto; cuando todos cantan, el sonido es pleno, rico y estimulante. El trabajo de voces es excelente. Hodgson toca los teclados y dirige el buen hacer de Nicky Caulfield (batería) y Jamie Ross (guitarra), aportando un acompañamiento seguro y siempre palpitante al trabajo vocal del reparto. La partitura es pop y melódica, llena de vida.

Hay, sin embargo, problemas de equilibrio entre los solistas y la banda, y no son culpa de la banda. El Union es un espacio íntimo y debería ser posible cantar sin amplificación y que se te oiga: de hecho, muchos miembros del reparto lo demuestran aquí. Pero no todos. En particular las solistas femeninas, la mayoría de las cuales no tienen la proyección ni el sostén necesarios para elevarse por encima de la banda. Esto va de formación y de capacidad, no de micrófonos. Los intérpretes deben poder cantar y ser escuchados usando su propio cuerpo; depender de la amplificación en un espacio como el Union es absurdo.

Las mejores interpretaciones llegan de la pareja de oro cómico Sandy Grigelis y Matthew Harvey, que encarnan a los superfrikis Marvin y Francis. Abrazando lo ridículo y lo extremo de sus papeles, ambos caminan por esa línea de cuchilla entre lo disparatado y lo auténtico. Son genuinamente encantadores en todos los frentes; cantan y bailan tan bien como construyen sus personajes.

Jordan Fox está magnífico como el aspirante a George Lucas, con sus gafas tontas y un peinado espantoso. Ofrece una interpretación muy detallada del friki definitivo, llena de manías escénicas y de una energía nerviosa que impulsa la acción. Además canta excepcionalmente bien y aporta el punto álgido vocal de esta producción.

Como el horrible niño guapo, Eddie Arch, Lewis Bradley es muy guapo y nada horrible como intérprete. Es bastante difícil retratar tanto la estupidez como la vanidad al nivel que aquí se requiere, pero Bradley lo consigue con una destreza impecable. Como el niño guapo simpático, Michael Dork, Luke Newton es la quintaesencia de lo simpático (y lo guapo), con una voz honesta y dulce y una buena línea de movimientos de baile.

Isobel Hathaway es la mejor del reparto femenino; su Samantha es vivaz y está en muy buena forma vocal. Ni Holly-Anne Hull ni Sarah Covey parecen especialmente bien elegidas para sus papeles, pero ambas se esfuerzan por sacarlos adelante; vocalmente, ninguna es tan sólida como sería deseable.

El conjunto es fuerte y muy disciplinado; en particular, su ejecución de la coreografía enérgica y dinámica de Kazan es precisa e impresionante. Entre los nombres que más destacan del ensemble —y a seguir de cerca— están Charlie Kendall, Delycia Belgrave y Morgan Scott.

El Union Theatre, inspirado por la visión de Sasha Regan de empujar los límites en el circuito fringe, es un espacio escénico que Londres realmente necesita. Ofrece oportunidades a intérpretes que están comenzando sus carreras y da nueva vida y nuevos públicos a musicales como Loserville, que quizá no tuvieron la mejor suerte en su primera salida. La producción de Burgen indica que hay vida y valor en Loserville que la producción original no dejó entrever.

Divertida y sorprendente, alimentará a tu friki interior. Sabes que tienes uno.

Loserville se representa en el Union Theatre hasta el 21 de marzo