KRITIK: Machinal, Almeida Theatre ✭✭✭

Julian Eaves bespricht Sophie Treadwells Stück Machinal, das derzeit im Almeida Theatre zu sehen ist.

Die Besetzung von Machinal am Almeida Theatre. Foto: Johan Persson Machinal

Almeida Theatre

11. Juni 2018

3 Sterne

Jetzt buchen „Machinal“ ist eines der aufregendsten und fesselndsten expressionistischen Stücke aus den USA: Es bricht die Regeln des konventionellen Dramas im Eiltempo und zieht uns mit seiner Mischung aus unverblümter Direktheit, kühner Klarheit und verblüffend sicherem Theaterhandwerk tief hinein in die beschädigten Leben seiner schlichten, oft spracharmen Figuren. Geschrieben von der zu Unrecht übersehenen Sophie Treadwell im Jahr 1928 – und dabei offenkundig stark beeinflusst von Elmer Rices einige Jahre zuvor entstandenem „The Adding Machine“, besonders in dem Bild, das es vom Dasein der „kleinen Leute“ in einer anonymen, mechanisierten Großstadt zeichnet, in der Individualität so wenig zählt, dass sie tatsächlich bedeutungslos geworden ist – gewinnt dieses Drama zusätzliche Wucht, indem es zugleich der Frage nachgeht, was es heißt, eine Frau in einer Gesellschaft zu sein, die offenbar von Männern geführt wird und für Männer gemacht ist.  Das Stück wird hierzulande gelegentlich gespielt; ich habe es vor ein paar Jahren in London gesehen, sehr gut gemacht von der Abschlussklasse der Schauspielausbildung am Kingston College. Als ich hörte, dass das Almeida es wieder aufnimmt, stiegen die Erwartungen entsprechend.

Kirsty Rider in Machinal am Almeida Theatre. Foto: Johan Persson

Und es gibt vieles am Erscheinungsbild dieser Inszenierung, das diese gespannte Vorfreude belohnt.  Miriam Buethers Bühnenbild – mit intensiven Lichtblitzen von Jack Knowles ausgeleuchtet – ist eine zutiefst düstere, klaustrophobische Welt: Ihr anfängliches Büro-Panorama der 1920er mit Schreibtischreihen, die durch einen über ihnen in 45 Grad hängenden Spiegel gespiegelt und verdoppelt werden (er bleibt den ganzen Abend), erinnert sofort an Gibbons’ und Gillespies unvergessliche Entwürfe für King Vidors Meisterwerk aus demselben Jahr wie die Entstehung dieses Stücks, „The Crowd“; die expressionistische Geste sitzt punktgenau, ebenso wie der sprunghafte, abgehackte, sich überlagernde Dialog der Eröffnungsszene – mit einem leeren Schreibtisch, der darauf wartet, besetzt zu werden von … nun ja, von wem? … oder was?

Kirsty Rider, Emily Berrington, Dwane Walcott und Alan Morrissey in Machinal. Foto: Johan Persson

Von Emily Berrington.  Sie spielt „A Young Woman“ („eine junge Frau“) – ungefähr so viel Persönlichkeit gesteht ihr der Text zu: Wir merken, dass wir sie bereits gesehen haben, in einem flüchtigen Eindruck eines überfüllten U-Bahn-Wagens oder einer Straßenbahn, wo Körper an Körper gepresst sind, und eine schöne, an Jean Seberg erinnernde Blondine in ihrer Mitte leidet, das Gesicht zu einer missbilligenden Grimasse verzogen – oder ist es ein Schmollmund des Unmuts?  Wie auch immer: Dieselbe säuerliche Abneigung bringt sie in ihren tristen Bürojob mit, wo ihr Unvermögen, „mitzumachen“, sie zum unvermeidlichen Ziel von spöttischem und feindseligem Geplänkel macht.  Und das ist die erste echte Überraschung in Natalie Abrahams Inszenierung: Von der früheren Aufführung habe ich diese Person, die man als Protagonistin des Stücks verstehen soll, nicht als schwaches oder passives Wesen in Erinnerung behalten.

Emily Berrington und Jonathan Livingston in Machinal. Foto: Johan Persson

Und doch scheint es im weiteren Verlauf der Szene genau so, wie Abrahami sie gesehen wissen will.  Sie ist alleinstehend und ganz klar im Visier ihres leicht räuberischen Chefs, der es kaum erwarten kann, sie allein in sein Büro zu bekommen – für ein bisschen „zusätzliche“ Diktierarbeit.  Wenn es so weit ist, und wir sind immer noch erst in der zweiten Szene des Stücks, unterdrücken wir bereits den Impuls, im Sitz aufzustehen und dieser dummen Blondine zuzurufen: „Lässt du dir wirklich so was gefallen?  Wo ist dein Stolz?“

Nun, die Antwort auf die erste Frage lautet: Ja, tut sie; und die Antwort auf die zweite: Sie hat keinen.  Sie hat keinerlei Gefühl für ihren eigenen Wert – nicht so, wie Berrington spielt und Abrahami sie führt.  Ja, sie mag über ihre Rolle im Leben stöhnen und klagen – wer tut das nicht? – aber sie tut es immer aus einer Haltung jammernder Selbstbemitleidung heraus, ohne auch nur ein Quäntchen Selbstbesitz.  Das ist unerquicklich.  Und das wirkt auf mich, der ich diese Figur in einer anderen Produktion radikal anders gesehen habe, seltsam.  Damals lag mir – sehr – am Herzen, was der jungen Frau passiert, weil sie wichtige menschliche Qualitäten zeigte, die man ihr hier in dieser Aufführung verweigert: Würde, Selbstbehauptung, Standhaftigkeit, Durchhaltevermögen, Wärme und Hoffnung.  Und echten Zorn, im Gegensatz zu den Wutanfällen eines verwöhnten Kindes.

Khali Best, Andrew Lewis, Emily Berrington und Nathalie Armin. Foto: Johan Persson

Im Gegensatz dazu scheinen Abrahami und Berrington in dieser Produktion darauf aus zu sein, uns einzuprägen, dass ihr all diese Dimensionen fehlen.  Nun, wenn das so ist: Warum sollte uns dann interessieren, was mit ihr geschieht?  Warum sollte sie überhaupt von Bedeutung sein?  Und wenn sie nicht zählt – was machen wir dann im Theater und sehen zu, wie sie ihr Leben derart gegen die Wand fährt?  Hilft das, einen feministischen Standpunkt zu formulieren?  Wirklich?  Benehmen sich die Männer um sie herum gegenüber allen Frauen derart abstoßend?  Wir sehen keine anderen, die in solche Schlamassel geraten.  Also scheint Geschlecht hier kaum das Schlüsselthema zu sein.  Träge Selbstbezogenheit und eine kaltherzige Haltung gegenüber anderen Menschen – als wären sie nur dazu da, ihren Zwecken zu dienen – wirken wie die dominierenden Eigenschaften der jungen Frau, und besonders einladend sind sie nicht.  Wenn es für sie schiefgeht, werden wir eher zu der Schlussfolgerung geführt, dass sie sich das meiste selbst eingebrockt hat – und eine passende Quittung geradezu verdient.  Das absolute Limit ist erreicht, als sie ihren Ehemann (Jonathan Livingstone) aus dem Weg räumt, weil er ihr unbequem im Weg steht, mit ihrem Liebhaber (Dwane Walcott) zusammen zu sein – beide, interessanterweise, mit schwarzen Schauspielern besetzt – ein Mord, für den sie nicht ein einziges Mal auch nur den Hauch von Reue zeigt.  Und doch, konfrontiert mit dem elektrischen Stuhl, erhöht sie den Einsatz in ihrer Kampagne aus Klage und Selbstwichtigkeit, fleht um Verschonung, als ob es uns kümmern könnte.  Tut es nicht.

Wenn das das Beste ist, was Treadwell zu bieten hat, dann wundert es nicht, dass sie ignoriert wird, werden viele im Publikum schließen.  Aber sie liegen falsch.  Es ist die merkwürdige Schräglage dieser Inszenierung, die uns zwingt, die Dramatikerin in diesem Licht zu sehen – und so ein verfehltes Urteil erst erzeugt.  Das sollte deutlich werden, wenn wir erleben, wie sanft und umgänglich die meisten anderen Figuren ihre Szenen spielen.  Die nörgelnde Mutter, Denise Black, ist in Wahrheit ein selbstloses Arbeitstier, das schuftet, um ihrem einzigen Kind so viel Muße und Komfort wie möglich zu ermöglichen; die Büro-Schergen tun unter denselben einschränkenden Bedingungen nur ihr Bestes und man kann ihnen vollkommen verzeihen, dass sie die erbärmliche Unfähigkeit der jungen Frau, irgendeinen anderen Blickwinkel als den eigenen zu begreifen, nicht zu schätzen wissen.  Wir selbst würden es hassen, mit jemandem so egozentrisch und oberflächlich zusammenarbeiten zu müssen.

Je länger das Stück dauert – und seine bloßen 90 Minuten wirken am Ende wie eine Ewigkeit – desto mehr gilt unser Mitgefühl Nathalie Armin, Khali Best, Demetri Goritsas, Andrew Lewis, John Mackay, Alan Morrissey, Kirsty Rider und Augustina Seymour, die sich mit dieser schwierigen Aufgabe durchkämpfen müssen.  So naturalistisch von Alex Lowde kostümiert, wirken sie tatsächlich wie Fische auf dem Trockenen in dieser expressionistischen Welt – besonders wenn (aus Gründen, die zwar zeitgeistig wirken, aber nicht nachvollziehbar sind) das Dekor plötzlich um ein Jahrzehnt springt, oder zwei oder drei oder vier oder mehr (Sie können mir sagen, ob Sie finden, dass das dem Erzählen hilft).  Ben und Max Ringham steuern ein beeindruckendes Sounddesign bei, und Arthur Pita ergänzt einige Bewegungssequenzen.

Und wo lässt uns das am Ende?  Nun, manchen gefällt es, aber ich glaube, sie würden eine andere Produktion noch mehr lieben: Es ist ein großes, wunderbares, unvergessliches Stück.  Leider finden andere, dass dieses Experiment – bei aller prachtvollen Opulenz – sein Ziel verfehlt.  Ob die Produktion die Verantwortlichen zufriedenstellt, ist ihre Sache und die ihres privaten Gewissens: Ich habe von dieser Regisseurin sonst nichts gesehen und kann ihre Fähigkeiten nicht weiter beurteilen – außer festzustellen, dass ihr Lebenslauf beeindruckend ist. Alle scheinen sehr gründlich, absolut solide gearbeitet zu haben, doch die Summe der Anstrengungen fügt sich hier nicht ganz zu einem gelungenen Ganzen.  Tja.  Sei’s drum.  Es ist nicht das Ende der Welt.  Es wird hoffentlich weitere Inszenierungen dieses Stücks geben.  Bis dahin reicht das gerade so, um damit erst einmal weiterzukommen.

Bis 21. Juli 2018

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