REZENSION: My Land's Shore, Ye Olde Rose And Crowne ✭✭✭✭

Die Besetzung von My Land's Shore. My Land's Shore

Ye Olde Rose And Crowne

10. Februar 2017

4 Sterne

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Fünfzehn Jahre hat es gedauert – und endlich hat es diese Produktion als vollständige Welturaufführung auf die Bühne geschafft. Eine epische Leistung nicht nur für die Autoren dieses Stücks walisischer Geschichte, das nicht weniger als 35 Musiknummern von Christopher J Orton umfasst, mit Liedtexten und Buch von Robert Gould. Es ist auch eine beeindruckende Leistung des Kreativteams um Regisseur Brendan Matthew, der hier in jüngerer Zeit bereits seine sechste Produktion zeigt und beweist, dass er dem komplexen Geflecht aus Geschichten dieses Skripts mehr als gewachsen ist – gemeinsam mit seiner bewährten Partnerin, Choreografin und Assistenzregisseurin Charlotte Tooth, deren Fähigkeit, große, lebendige Tanznummern auf einer vollgepackten Bühne zu inszenieren, schlichtweg wundersam ist, sowie mit hervorragenden Arrangements für die sechsköpfige Band vom hauseigenen Musical Director Aaron Clingham. Und es ist ein weiterer logistischer Triumph für den bescheidenen Raum über einem Pub in Walthamstow, der zu den führenden inoffiziellen Repertoire-Spielstätten des Landes für Musicaltheater zählt. Eine 18-köpfige Besetzung (fantasievoll kostümiert von Celestine Healy) drängt sich auf einem prachtvollen, mehrstöckigen Holz-Bühnenbild (vom stets einfallsreichen Joana Dias), das schwindelerregend bis zur vollen Raumhöhe aufragt und ein halbes Dutzend Abgänge ermöglicht (und damit oft sehr rasche Bewegungen des Ensembles erlaubt).

Basierend auf der wahren Geschichte von Die Penderyn, der sich mit dem etwas sperrigen Titel „der erste walisische Märtyrer der Arbeiterklasse“ schmücken darf, ist das Stück eine Idee von Orton; eine Workshop-Aufführung seiner Originalfassung war 2005 in London zu sehen. Seitdem stieß Gould dazu, und über verschiedene Umarbeitungen, Showcases und Aufnahmen sind wir bei der aktuellen „Version“ des Buchs angekommen. Man fragt sich, ob das wirklich ihr letztes Wort zu diesem Stoff sein wird. Die Partitur ist jedenfalls prächtig: eine geradezu opernhafte Fülle an regelrecht schauererregenden Chören, markanten Soli, kraftvollen Szenen und Momenten erhabener Transzendenz. Ich weiß nicht, wie es für die Autoren wirkt, jetzt da sie das Ganze als Bühnenproduktion erleben können – doch für viele im Publikum scheint die Show der Verlobten des Helden zu gehören: Angharad (die intensive Rebecca Gilliland). Sie steht zwischen zwei Männern: ihrem jetzigen Liebsten, dem Arbeiterhelden Richard Lewis (der großartige Aidan Banyard), und dem unheilvollen Gespenst aus der Vergangenheit, Jenkins (ebenso attraktiv – nur auf gefährliche Art: Taite-Elliot Drew). Jenkins ist ein schwarz gekleideter, grimmig-verbitterter Sklave des Gesetzesbuchstabens, dem die Mission (sein Traumjob) zufällt, den einst eroberten „Goldjungen“ seiner früheren Flamme aufzuspüren und zu vernichten. Wir sind in den 1830er-Jahren, Revolution liegt wieder in der Luft … Und wenn über den Barrikaden in den Straßen der kleinen Bergbaustadt, in der sich diese tragischen Ereignisse abspielen, nicht die französische Trikolore weht, dann liegt das gewiss nicht an den Autoren dieser modernen Operette, die – tatsächlich – etwas geschaffen haben, das weniger eine walisische Antwort auf „Les Misérables“ ist als vielmehr ein ziemlich lautes dramaturgisches Echo darauf.

So wie die Dinge derzeit stehen, erhält dieses zentrale Dilemma jedoch nicht ganz die Priorität, die Boublil und Schönberg ihm gegeben hätten. „My Land's Shore“ ist sehr stark ein Stück für Jungs, in dem – teils ausführliche – politische Erörterungen mit sichtlicher Freude hin- und hergeworfen werden. Dias integriert sogar zwei parallele Türme in ihr Bühnenbild, und früh lässt Matthew die Vertreter von Bergbau und Fabriken – William Crawshay (Andrew Truluck) und Josiah Guest (Hywel Dowsell) – obenauf Platz nehmen, für eine Debatte, die die ganze statische Selbstwichtigkeit eines methodistischen Sonntagnachmittags-Programms hat. Entweder liebt man so etwas – oder man empfindet es als zäh. Fairerweise muss man sagen: Victor Hugo macht in seinem monumentalen Roman etwas Ähnliches, wenn er über Gut und Böse und die Seele des Menschen und so weiter grübelt; aber seine Bearbeiter gingen beim Schreiben ihres Librettos rücksichtsloser mit ihm um.

Dennoch gibt es viele Momente, in denen dieses hochgestimmte, idealistische Pathos dem Stück in die Karten spielt: Das Finale ist außergewöhnlich sparsam gesetzt, und einer der Männer, Sean (der hervorragende Raymond Walsh), lässt mit einem sensationell schlichten, dabei exquisit phrasierten und getimten Strophenlied alle Herzen stillstehen – begleitet, in einem der vielen orchestralen Meistergriffe, von einer einzigen akustischen Gitarre. Diese Art von dramatisch-musikalischer Balance zu treffen, ist äußerst schwierig, und das lässt mich vermuten, dass eine weitere künstlerische Entwicklung des Buchs durchaus anstehen könnte. Die Laufzeit hier beträgt nur zweieinhalb Wochen, und diese sensationelle Arbeit verdient wirklich, wirklich deutlich mehr Aufmerksamkeit als das.

Bis 26. Februar 2017

Fotos: David Ovenden

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