CRITIQUE : Ma Terre Natale, Ye Olde Rose And Crowne ✭✭✭✭

La distribution de My Land's Shore. My Land's Shore

Ye Olde Rose And Crowne

10 février 2017

4 étoiles

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Cela fait quinze ans que ce spectacle est en préparation et - enfin - il a atteint la scène dans sa première mondiale en pleine production. C'est un accomplissement épique non seulement pour les auteurs de cette tranche d'histoire galloise, comprenant pas moins de 35 numéros musicaux de Christopher J Orton, avec des paroles et un livret de Robert Gould. C'est aussi un merveilleux succès pour l'équipe créative du metteur en scène Brendan Matthew, offrant ici son sixième spectacle récemment et montrant qu'il est plus que à la hauteur du réseau complexe d'histoires qui composent ce script, travaillant avec son collaborateur de confiance, chorégraphe et metteur en scène adjoint, Charlotte Tooth - dont la capacité à mettre en scène de grands numéros de danse animés sur une scène bondée est tout simplement miraculeuse, et avec des arrangements superbes pour le groupe de six par le directeur musical résident, Aaron Clingham. Et c'est un autre triomphe logistique pour la modeste salle au-dessus d'un pub à Walthamstow, qui est l'un des principaux théâtres de répertoire non officiels du pays pour le théâtre musical. Une distribution de 18 acteurs (costumés de manière imaginative par Celestine Healy) se presse sur un magnifique décor en bois à plusieurs niveaux (par la toujours ingénieuse Joana Dias) qui s'élève vertigineusement à toute la hauteur de la pièce et offre une demi-douzaine de points d'égresse (permettant souvent des mouvements très rapides de l'ensemble).

Basé sur l'histoire vraie de Die Penderyn, qui se réjouit sous le titre quelque peu inconfortable d'être 'le premier martyr gallois de la classe ouvrière', c'est l'idée originale d'Orton, et une performance en atelier de sa version originale a été vue à Londres en 2005. Depuis, Gould est monté à bord, et, via diverses réécritures, vitrines et enregistrements, nous sommes arrivés à la 'version' actuelle du script. Vous devez vous demander si ce sera leur dernier mot sur le sujet. La partition est certainement splendide, offrant une véritable variété opératique de chœurs à vous donner des frissons, de magnifiques solos, de puissantes scènes, et des moments de transcendance sublime. Je ne sais pas comment cela apparaîtra aux auteurs, maintenant qu'ils ont l'avantage de voir l'ensemble sur scène, mais pour beaucoup dans le public, le spectacle semble appartenir à la fiancée du héros, Angharad (l'intense Rebecca Gilliland). Elle est déchirée entre deux hommes : son amoureux actuel, le héros de la classe ouvrière Richard Lewis (le magnifique Aidan Banyard), et le sinistre retour du passé Jenkins (l'aussi beau, mais d'une manière maléfique, Taite-Elliot Drew). Jenkins est un esclave sombre et morose de la lettre de la loi, à qui est donnée la mission (son travail de rêve) de traquer et détruire le beau garçon de sa vieille conquête. Nous sommes dans les années 1830, la révolution est dans l'air... encore une fois. Et si le tricolore français ne flotte pas au-dessus des barricades érigées dans les rues de la petite ville minière où se déroulent ces événements tragiques, ce n'est pas la faute des auteurs de cette opérette moderne, qui ont - en fait - créé quelque chose qui n'est pas tant une réponse galloise aux 'Misérables' qu'un écho dramaturgique assez fort.

Cependant, en l'état actuel des choses, ce dilemme central n'est pas accordé tout à fait la primauté que Boublil et Schoenberg lui auraient attribuée. 'My Land's Shore' est très largement un spectacle pour hommes, où - parfois des discussions politiques longues - sont échangées avec élan. Dias incorpore même deux tours parallèles dans son décor, et dès le début Matthews place au sommet les représentants des Mines et des Usines - William Crawshay (Andrew Truluck) et Josiah Guest (Hywel Dowsell) respectivement - pour un débat qui a toute la solennité statique d'un spécial après-midi de dimanche dans une chapelle méthodiste. Vous apprécierez soit ce genre de chose ou la trouverez un peu difficile. En toute justice, Victor Hugo fait quelque chose de similaire, dans son énorme roman, quand il agonise sur le Bien et le Mal et l'Âme de l'Homme, etc., mais ses adaptateurs ont été plus impitoyables avec lui lorsqu'il s'agissait d'écrire leur livret.

Néanmoins, il y a de nombreux moments où cette haute élévation fonctionne en faveur du spectacle : le point culminant du spectacle est extraordinairement peu texturé, et l'un des gars, Sean (le superbe Raymond Walsh), arrête tous les cœurs avec une chanson strophique sensationnellement simple, mais merveilleusement phrasée et rythmée, accompagnée - dans un des nombreux coups de maître de l'orchestration - par une guitare acoustique seule. Obtenir ce type d'équilibre dramatico-musical est une entreprise très délicate, et cela m'incite à penser que d'autres développements artistiques du script pourraient être à l'ordre du jour. Il n'y a qu'une séance d'une durée de deux semaines et demie ici, et ce travail sensationnel mérite vraiment, vraiment beaucoup plus d'attention que cela.

Jusqu'au 26 février 2017

Photos : David Ovenden

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