RESEÑA: My Land's Shore, Ye Olde Rose And Crowne ✭✭✭✭

El reparto de My Land's Shore. My Land's Shore

Ye Olde Rose And Crowne

10 de febrero de 2017

4 estrellas

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Se ha gestado durante quince años y, por fin, este espectáculo ha llegado a las tablas en su estreno mundial, en una producción completa. Es un logro épico no solo para los autores de este retazo de historia galesa, que incluye nada menos que 35 números musicales de Christopher J Orton, con letras y libreto de Robert Gould. También es un magnífico acierto del equipo creativo, con el director Brendan Matthew —que presenta aquí su sexto montaje en tiempos recientes y demuestra estar más que a la altura de la compleja maraña de historias que conforman el guion—, trabajando con su colaboradora habitual, la coreógrafa y ayudante de dirección Charlotte Tooth, cuya capacidad para montar grandes y vibrantes números de baile en un escenario abarrotado es poco menos que milagrosa, y con unos soberbios arreglos para la banda de seis músicos del MD residente, Aaron Clingham. Y es, además, otra proeza logística para la modesta sala sobre un pub en Walthamstow, uno de los principales teatros de repertorio no oficiales del país dedicados al teatro musical. Un reparto de 18 intérpretes (vestidos con gran imaginación por Celestine Healy) llena un espléndido decorado de madera de varios niveles (obra de la siempre ingeniosa Joana Dias) que se eleva vertiginosamente hasta la altura total de la sala y ofrece media docena de puntos de salida (lo que permite, a menudo, desplazamientos muy rápidos del conjunto).

Basado en la historia real de Dic Penderyn, que carga con el algo incómodo título de ser «el primer mártir galés de la clase trabajadora», es una idea original de Orton, y en 2005 se vio en Londres una función de taller de su versión inicial. Desde entonces, Gould se incorporó al proyecto y, tras diversas reescrituras, showcases y grabaciones, hemos llegado a la «versión» actual del libreto. Cabe preguntarse si será su última palabra sobre el tema. La partitura, desde luego, es espléndida y ofrece un abanico auténticamente operístico de coros que ponen la piel de gallina, hermosos solos, escenas poderosas y momentos de sublime trascendencia. No sé cómo lo verán los autores, ahora que pueden contemplar el conjunto funcionando sobre un escenario, pero para muchos en el público el espectáculo parece pertenecer a la prometida del héroe, Angharad (la intensa Rebecca Gilliland). Está dividida entre dos hombres: su actual galán, el héroe de la clase trabajadora Richard Lewis (el deslumbrante Aidan Banyard), y el siniestro Jenkins, un fantasma del pasado (igual de apuesto, aunque en versión malévola, Taite-Elliot Drew). Jenkins, vestido de negro, es un agrio y lúgubre esclavo de la letra de la ley, al que se le encomienda la misión (el trabajo de sus sueños) de perseguir y destruir al niño bonito de su antigua conquista. Estamos en la década de 1830; la revolución vuelve a estar en el aire... Y si la tricolor francesa no ondea sobre las barricadas levantadas en las calles del pequeño pueblo minero donde se desarrollan estos trágicos acontecimientos, no es por culpa de los autores de esta opereta moderna, que han creado, en realidad, algo que no es tanto una respuesta galesa a Los Miserables como un eco dramatúrgico bastante estruendoso de la obra.

Sin embargo, tal y como está ahora, a este dilema central no se le concede la primacía que Boublil y Schönberg le habrían otorgado. My Land's Shore es, en gran medida, un espectáculo de chicos, donde —a veces extensas— disquisiciones políticas se lanzan con entusiasmo. Dias incluso incorpora dos torres paralelas en su escenografía, y al principio Matthews coloca en lo alto a los representantes de las minas y las fábricas —William Crawshay (Andrew Truluck) y Josiah Guest (Hywel Dowsell), respectivamente— para un debate que tiene toda la importancia estática de un especial dominical de tarde en una capilla metodista. O te encanta ese tipo de cosas o te resulta un poco arduo. En honor a la verdad, Victor Hugo hace algo parecido en su novela monumental, cuando se atormenta con el Bien y el Mal y el Alma del Hombre, etc.; pero sus adaptadores fueron más implacables con él a la hora de escribir el libreto.

Aun así, hay muchas ocasiones en las que esta elevada rectitud juega a favor del espectáculo: el clímax está extraordinariamente despojado de textura y uno de los hombres, Sean (el magnífico Raymond Walsh), detiene el corazón de todos con una canción estrófica de una sencillez sensacional, pero exquisitamente fraseada y medida, acompañada —en uno de los muchos golpes de genio de la orquestación— por una sola guitarra acústica. Dar con este tipo de equilibrio dramático-musical es un asunto muy delicado, y eso me inclina a pensar que puede haber en el horizonte un mayor desarrollo artístico del libreto. Aquí solo hay una temporada de dos semanas y media, y este trabajo sensacional merece, de verdad, muchísima más atención que esa.

Hasta el 26 de febrero de 2017

Fotos: David Ovenden

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