RECENSIONE: My Land's Shore, Ye Olde Rose And Crowne ✭✭✭✭

Il cast di My Land's Shore. My Land's Shore

Ye Olde Rose And Crowne

10 febbraio 2017

4 stelle

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Ci sono voluti quindici anni per arrivarci e, finalmente, questo spettacolo approda sul palcoscenico con la sua prima mondiale in una produzione completa. Un traguardo epico non solo per gli autori di questo spaccato di storia gallese, che comprende ben 35 numeri musicali firmati da Christopher J Orton, con testi e libretto di Robert Gould. È anche un magnifico risultato per il team creativo: il regista Brendan Matthew, qui alla sua sesta regia negli ultimi tempi, dimostra di sapersi districare alla perfezione nella complessa rete di storie che compone questo copione, lavorando con una fidata collaboratrice, la coreografa e aiuto regista Charlotte Tooth – la cui capacità di mettere in scena grandi e vivaci numeri di danza su un palco affollato ha qualcosa di miracoloso – e con i superbi arrangiamenti per la band di sei elementi curati dal direttore musicale residente, Aaron Clingham. Ed è anche un’ulteriore vittoria logistica per la piccola sala sopra un pub a Walthamstow, uno dei principali teatri repertorio “ufficiosi” del Paese per il musical. Un cast di 18 interpreti (in costumi fantasiosi di Celestine Healy) riempie una splendida scenografia in legno su più livelli (della sempre ingegnosa Joana Dias), che si arrampica vertiginosamente fino all’altezza completa della sala e offre una mezza dozzina di uscite (consentendo spostamenti spesso rapidissimi dell’ensemble).

Basato sulla storia vera di Die Penderyn, che porta con sé l’un po’ scomoda etichetta di “primo martire gallese della classe operaia”, lo spettacolo è un’idea di Orton, e una presentazione in forma di workshop della sua versione originale fu vista a Londra nel 2005. Da allora Gould si è unito al progetto e, attraverso riscritture, showcase e registrazioni, siamo arrivati all’attuale “versione” del copione. Viene da chiedersi se sarà davvero l’ultima parola sull’argomento. La partitura è senza dubbio splendida, e offre un ventaglio quasi operistico di cori da brivido, bei assoli, scene di grande forza e momenti di sublime trascendenza. Non so come apparirà agli autori, ora che possono vedere l’insieme funzionare in scena, ma per molti in platea lo spettacolo sembra appartenere alla fidanzata dell’eroe, Angharad (l’intensa Rebecca Gilliland). È divisa tra due uomini: il suo attuale innamorato, l’eroe della classe operaia Richard Lewis (l’affascinante Aidan Banyard), e l’inquietante ritorno dal passato Jenkins (altrettanto affascinante, ma in modo sinistramente malvagio, Taite-Elliot Drew). Jenkins, vestito di nero, cupo e rancoroso, è uno schiavo della lettera della legge e riceve la missione (il lavoro dei suoi sogni) di dare la caccia e distruggere il ragazzo d’oro della sua vecchia conquista. Siamo negli anni Trenta dell’Ottocento: nell’aria c’è di nuovo odore di rivoluzione... E se il tricolore francese non sventola sulle barricate erette nelle strade della piccola città mineraria in cui si consumano questi eventi tragici, non è certo per mancanza degli autori di questa moderna operetta, che hanno – di fatto – creato qualcosa che non è tanto una risposta gallese a Les Misérables quanto un’eco drammaturgica piuttosto sonora.

Tuttavia, allo stato attuale, questo dilemma centrale non riceve la priorità che Boublil e Schönberg gli avrebbero probabilmente riservato. My Land's Shore è molto uno spettacolo “da ragazzi”, in cui – a volte lunghi – discorsi politici vengono sbandierati con gusto. Dias inserisce persino due torri parallele nella scenografia e, all’inizio, Matthews vi colloca in cima i rappresentanti di Miniere e Fabbriche – William Crawshay (Andrew Truluck) e Josiah Guest (Hywel Dowsell) rispettivamente – per un dibattito che ha tutta l’importanza immobile e autocelebrativa di uno speciale domenicale pomeridiano in una cappella metodista. O amerete questo genere di cose o lo troverete un po’ faticoso. A onor del vero, Victor Hugo fa qualcosa di simile nel suo romanzo monumentale, quando si arrovella su Bene e Male e sull’Anima dell’Uomo, ecc., ma i suoi adattatori sono stati più spietati con lui quando è arrivato il momento di scrivere il libretto.

Ciononostante, ci sono molti momenti in cui questa tensione idealista gioca a favore dello spettacolo: la parte culminante è straordinariamente scarna, e uno dei ragazzi, Sean (il superbo Raymond Walsh), ferma il cuore di tutti con un brano strofico di una semplicità sensazionale, ma cesellato e dosato con squisita cura, accompagnato – in uno dei tanti colpi da maestro dell’orchestrazione – da una sola chitarra acustica. Trovare il giusto equilibrio tra dramma e musica è un’impresa davvero difficile, e questo mi porta a pensare che possa esserci in programma un ulteriore sviluppo artistico del copione. Qui la tenitura è di appena due settimane e mezza, e questo lavoro sensazionale merita davvero, davvero molta più attenzione di così.

Fino al 26 febbraio 2017

Foto: David Ovenden

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