CRÍTICA: My Land's Shore, Ye Olde Rose And Crowne ✭✭✭✭

O elenco de My Land's Shore. My Land's Shore

Ye Olde Rose And Crowne

10 de fevereiro de 2017

4 estrelas

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Foram quinze anos de trabalho e — finalmente — este espetáculo chegou ao palco na sua estreia mundial, numa produção completa. É uma conquista épica, não só para os autores desta fatia da história do País de Gales, que inclui nada menos do que 35 números musicais de Christopher J Orton, com letras e libreto de Robert Gould. É também um feito notável da equipa criativa liderada pelo encenador Brendan Matthew, que apresenta aqui o seu sexto espetáculo em tempos recentes e prova estar à altura da complexa teia de histórias que compõe este texto, trabalhando com a sua colaboradora de confiança, a coreógrafa e assistente de encenação Charlotte Tooth — cuja capacidade de montar grandes e vibrantes números de dança num palco cheio é, literalmente, milagrosa —, além dos excelentes arranjos para a banda de seis elementos feitos pelo diretor musical residente, Aaron Clingham. E é ainda mais um triunfo logístico para a modesta sala por cima de um pub em Walthamstow, que é um dos principais teatros de repertório “não oficiais” do país no que toca a teatro musical. Um elenco de 18 intérpretes (com figurinos imaginativos de Celestine Healy) enche um magnífico cenário em madeira, de vários níveis (assinado pela sempre engenhosa Joana Dias), que sobe vertiginosamente até à altura total da sala e oferece meia dúzia de saídas (permitindo deslocações muitas vezes muito rápidas do conjunto).

Baseado na história verídica de Dic Penderyn, que carrega o título algo desconfortável de “o primeiro mártir galês da classe trabalhadora”, o espetáculo é uma criação de Orton; uma apresentação em workshop da sua versão original foi vista em Londres em 2005. Desde então, Gould juntou-se ao projeto e, através de várias reescritas, showcases e gravações, chegámos à “versão” atual do texto. Fica a dúvida se será a palavra final dos autores sobre o assunto. A partitura é, sem dúvida, esplêndida, oferecendo um leque verdadeiramente operático de coros arrepiantes, solos elegantes, cenas poderosas e momentos de sublime transcendência. Não sei como isto se apresentará aos autores agora que têm a vantagem de ver o conjunto a funcionar em palco, mas para muitos na plateia parece que o espetáculo pertence à noiva do herói, Angharad (a intensa Rebecca Gilliland). Ela divide-se entre dois homens: o seu amor atual, o herói da classe trabalhadora Richard Lewis (o belíssimo Aidan Banyard), e o sinistro fantasma do passado Jenkins (igualmente atraente — mas de um modo perverso — Taite-Elliot Drew). Jenkins, vestido de negro, é um servo amargurado e inflexível da letra da lei, a quem é atribuída a missão (o emprego de sonho) de caçar e destruir o menino-dourado da sua antiga conquista. Estamos na década de 1830; a revolução está no ar... outra vez. E, se a tricolor francesa não ondula sobre as barricadas erguidas nas ruas da pequena vila mineira onde estes acontecimentos trágicos se desenrolam, não é por falta dos autores desta opereta moderna, que — na verdade — criaram algo que não é tanto uma resposta galesa a “Les Misérables”, mas sim um eco dramatúrgico bastante sonoro do mesmo.

Ainda assim, tal como as coisas estão, este dilema central não recebe a primazia que Boublil e Schönberg lhe teriam dado. “My Land's Shore” é, em grande medida, um espetáculo de rapazes, em que — por vezes longas — dissertações políticas são lançadas com entusiasmo. Dias chega mesmo a incorporar duas torres paralelas no cenário e, logo no início, Matthews coloca no topo delas os representantes das Minas e das Fábricas — William Crawshay (Andrew Truluck) e Josiah Guest (Hywel Dowsell), respetivamente — para um debate que tem toda a autoimportância estática de um especial de domingo à tarde numa capela metodista. Ou se adora esse tipo de coisa, ou se sente que é um pouco penoso. Em defesa do espetáculo, Victor Hugo faz algo semelhante no seu enorme romance, quando se atormenta com o Bem e o Mal e a Alma do Homem, etc.; mas os seus adaptadores foram mais implacáveis com ele quando chegou a altura de escrever o libreto.

Ainda assim, há muitos momentos em que esta elevação de intenções joga a favor do espetáculo: o culminar da peça é extraordinariamente despojado e um dos rapazes, Sean (o soberbo Raymond Walsh), pára o coração a toda a gente com uma canção estrófica sensacionalmente simples, mas de fraseado e andamento requintados, acompanhada — num dos muitos golpes de mestre da orquestração — por uma única guitarra acústica. Acertar este tipo de equilíbrio dramático-musical é muito difícil, e isso leva-me a pensar que poderá haver mais desenvolvimento artístico do texto pela frente. A temporada aqui é de apenas duas semanas e meia, e este trabalho extraordinário merece, mesmo, muito mais atenção do que isso.

Em cena até 26 de fevereiro de 2017

Fotografias: David Ovenden

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