KRITIK: Muted, The Bunker ✭✭✭

Tori Allen-Martin und David Leopold in Muted Muted

The Bunker

Sonntag, 11. Dezember

3 Sterne

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Dieses faszinierende neue Musiktheaterstück blickt auf eine lange und komplexe Entstehungsgeschichte zurück. Erstmals trat es 2012 am Courtyard Theatre als „After The Turn“ in Erscheinung – und wurde dort von Mark Shenton als „das britische ‚Rent‘“ gefeiert. Nach umfangreichen Überarbeitungen durch die Dramatikerin Sarah Henley sowie die Songwriter Tori Allen-Martin und Tim Prottey-Jones begegnete es mir erstmals Anfang dieses Jahres in der Actors’ Church in Covent Garden, wo es – mit großer Wirkung – konzertant präsentiert wurde, und zwar mit einer äußerst starken West-End-Besetzung. Regisseur Jamie Jackson machte viel aus dem musikalischen Material und setzte eine fantastische Session-Band im Seitenschiff (Vestry) ein, deren Sound in den „Zuschauerraum“ übertragen wurde; dort wurden die Nummern mit großartiger Energie und spürbarer Begeisterung regelrecht „abgeliefert“. Musical Director Simon Lambert koordinierte das Geschehen auf den Stufen zum Altarraum mit dem, was die Band in einer weit entfernten Ecke des Gebäudes spielte – meisterhaft, kontrolliert und mit viel Flair. Es war wirklich ein mitreißendes Ereignis.

Die Autor*innen scheinen in einer Geschichte alltäglicher Tragik eine wahre Quelle von Energie und Vitalität gefunden zu haben – jener Tragik, wie sie tagtäglich die Seiten des Evening Standard füllt. Eine traurige Erzählung von Menschen, die durch Schicksal und Pech gefangen sind, aber unermüdlich entschlossen, weiterzumachen. Auch wenn auf der Bühne nur wenig „passiert“, bekamen wir – in der Kirche perfekt ausgedrückt – so etwas wie ein modernes urbanes Oratorium: ambitioniert in seiner künstlerischen Vision und in seiner musikalischen Sprache von großer, betörender Schönheit.

Helen Hobson in Muted

Umso schöner also, dass das umtriebige neue „The Bunker“ (die unterirdische Heimstatt für Avantgarde- und Abenteuer-Theater gleich neben dem Menier) das Stück als nächste Produktion übernimmt – und damit den oft lukrativen Feiertags-Slot über Weihnachten und Neujahr besetzt. Die Erwartungen an dieses junge Raubtier sind jedenfalls hoch. Es ist für einen Monat mit einer dicht gepackten Spielserie angesetzt. Stephen Fry beschrieb die Show als „stunning“, und wenn man den Raum betritt, raubt einem das Bühnenbild von Sarah Beaton tatsächlich den Atem: eine unheilvolle schwarze Box, gebannt von einem umgekehrten Dreieck aus weißem Licht (Lichtdesign: Zoe Spurr), das unheimlich hinter einer zentralen Schaukel glimmt, die über einem abgesenkten geometrischen schwarzen Becken hängt, eingelassen in das schwarze Podest des erhöhten Bühnenaufbaus. Das sieht großartig aus – ein visuelles Statement, das man so schnell nicht vergisst.

Aber was hat das mit der Geschichte zu tun? Das ist weniger klar. Es wirkt wie ein Rätsel, das dem Publikum aufgegeben wird, in den nächsten zweieinhalb Stunden zu entschlüsseln. Eine derart abstrakte Inszenierung ist eine kühn radikale Lösung für ein Stück, das mit Sarah Henleys charakteristischem, lässig wirkendem Naturalismus geschrieben ist. Tatsächlich ist einer der Darsteller in der Hauptrolle des Michael Edd Campbell-Bird; wir haben ihn zuletzt dabei gesehen, wie er in der offen expressionistischen „Adding Machine“ am Finborough ein ganz ähnliches Bühnenbild (inklusive Wasserelement) „verhandelte“ – ein passender Hinweis darauf, wie sehr Inszenierungsentscheidungen Publikum und Geschichte einander näherbringen können. Unweigerlich fragt man sich, ob dieses Designkonzept hier dasselbe leistet – oder vielleicht eine ganz andere Wirkung erzeugt. Die Kostüme sind durchgehend realistisch. Das Licht ist es nicht. Manche Black-Box-Produktionen funktionieren brillant (wer Trevor Nunns „Macbeth“ mit Judi Dench und Ian McKellen gesehen hat, wird ihn nie vergessen). Die Frage ist: Ist „Muted“ so eine Art Show?

Mark Hawkins in Muted.

Im Allgemeinen ist Schwarz eine Farbe, die einer Produktion Energie entzieht – es sei denn, es gibt ein Gegenmittel: Der schwarze Raum von „A Chorus Line“ etwa wurde durch die gleißende Kraft der Theaterbeleuchtung und jenes prächtige Spiegel-Set im Hintergrund regelrecht entzündet – und durch ein unablässig optimistisches, vorwärtsdrängendes Buch und eine ebenso treibende Partitur. Das war eine ganze Batterie von Tam-Tams an Effekten, gegen die Interval Productions hier eher ein kleines Dreieck zu setzen scheinen. Dabei nimmt die Produktion ihre Stichworte aus Adam Gerbers fein austarierter musikalischer Leitung und seinen Arrangements für eine hervorragend disziplinierte Rockband: Gus Isidore (Gitarre), Greg Pringle (Bass) und Stephen Street (Schlagzeug). Gerber komponiert zudem die Zwischenmusiken und hält die musikalischen Konturen durchweg sanft, fast zart – in Max Perryments Sounddesign. Der Gesang ist sorgfältig und durchdacht; einzig Laurens Part scheint die Musik wirklich in die Höhe steigen zu lassen und sorgt für einen spürbaren Genuss. Ansonsten dominiert der ernste Ton, Ernsthaftigkeit ist die Haltung, und die Darbietung wirkt mitunter fast steif in ihrer Förmlichkeit. Das zieht sich durch jede Ecke der Produktion, die am Ende an einen außergewöhnlichen japanischen Steingarten erinnert – nur dass er statt Steinen voller menschlicher Skulpturen ist, die man von keinem einzigen Standpunkt aus alle zugleich sehen kann.

Interval Productions müssen 100 Plätze füllen, sieben Vorstellungen pro Woche, einen Monat lang – und in der Vorstellung, die ich sah, war etwa ein Drittel der Sitze besetzt. Die Compagnie glaubt an das, was sie tut – und viele andere offenbar auch: Ihre Kickstarter-Kampagne brachte die erbetenen 10.000 £ bequem zusammen. Dennoch wird weiteres Geld benötigt; wenn Sie also von diesen Bilderstürmer*innen begeistert sind, schicken Sie bitte einen Scheck. Der Weg zu einem neuen Musiktheater kann tückisch sein. Kürzlich lief am LOST Theatre eine ähnlich streng konfigurierte Produktion („Fables for a Boy“) einige Wochen und hatte Mühe, ihr Publikum zu finden. Selbst das National musste mit „The Pacifist’s Guide to the War on Cancer“ bergauf kämpfen, um Herzen und Köpfe zu gewinnen – und das mit einer insgesamt deutlich heiteren Show als dem, was hier zu sehen ist. Ich bewundere und respektiere die künstlerische Zielstrebigkeit, die solche Projekte verlangen; zugleich denke ich an jene Zuschauer*innen, denen es schwerfällt, sich in solche Abende „einzufinden“, und die am Ende hinausgehen könnten mit dem Gedanken: „Das ist ja ziemlich deprimierend.“

David Leopold und Edd Campbell-Bird in Muted

Ansonsten steht eine ganze Reihe erstklassiger Darsteller*innen auf der Bühne. Es ist schön, David Leopold wiederzusehen – als stille Zentralfigur Michael, den vor Trauer erstarrten Ex-Freund (manche erinnern sich an ihn aus dem intensiven Kammermusical „The Burnt Part Boys“). Dann sind da die gespannte Eleganz und die pantherartigen Bewegungen seines „Nachfolgers“ Jake, der eifersüchtige neue Freund, gespielt von Jos Slovick (den ich zuletzt am Theatre Royal Haymarket in „Bad Jews“ über die Bühne streifen sah). Dazu kommt die schnell sprechende, elegante Präsenz des überraschend bürgerlichen und wirtschaftlich erfolgreichen Mark Hawkins als jugendlicher Onkel des stummen Helden, Will. Und Helen Hobsons routinierte West-End-Klasse, die der Rolle der dominanten, alkoholkranken Mutter der Hauptfigur, Amanda, in einer Reihe von Rückblenden ordentlich Schub verleiht. Schließlich hören wir die großartige, unverwechselbare Stimme einer der Songwriterinnen, Tori Allen-Martin, die erneut die Rolle der angehenden Betreuerin mit einem sehr, sehr dunklen Geheimnis übernimmt: Lauren. Ihr stimmliches „Instrument“ gehört zu den großen Glanzlichtern der zeitgenössischen Musical-Szene; war ich jedoch allein mit dem Eindruck, dass sie sich auf der konsequent düsteren und unbequemen Plattform, die diese Produktion errichtet, oft ein wenig unwohl fühlte? Und wurde nicht auch die Wirkung des restlichen Ensembles ähnlich abgekühlt? Und nahmen nicht alle Leistungen eine eher statische Qualität an – mit einer Tendenz zur Starrheit, ja sogar Trägheit? Das alles kann natürlich Absicht sein. Es gibt „Movement“ von Isla Jackson-Ritchie, doch wir sehen wenig mehr als ein enges Spektrum an Hand- und Armgesten, in Falun-Gong-Manier aus einer ruhigen, stationären Position heraus präsentiert. Statt die elaborate Struktur, auf der das Erzählen der Geschichte aufbaut, zu umarmen und zu nutzen, scheint sie ihr ausweichen zu wollen. Auch das könnte Teil des Konzepts sein. Diese Unruhe jedoch überträgt sich dann unmittelbar auf das Publikum.

Nun, es gibt wohl Momente, in denen man möchte, dass Dinge still und nachdenklich sind. Aber will man wirklich, dass diese Stimmung in einem Musical dominiert? Und in einer Handlung, der so gut wie jede Aktion fehlt und die zudem eine Hauptfigur unterbringen muss, die den Großteil der Aufführung stumm bleibt – unterstützen solche Merkmale wirklich die Fähigkeit der Show, ein Publikum zu erreichen? Wir werden sehen.

Bis 7. Januar 2017

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