RESEÑA: Muted, The Bunker ✭✭✭

Tori Allen-Martin y David Leopold en Muted Muted

The Bunker

Domingo, 11 de diciembre

3 estrellas

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Esta fascinante nueva pieza de teatro musical tiene una historia larga y compleja. Se manifestó por primera vez como ‘After The Turn’ en el Courtyard Theatre en 2012, donde Mark Shenton la saludó como «el ‘Rent’ británico». Tras muchas reescrituras de la dramaturga Sarah Henley y de los compositores Tori Allen-Martin y Tim Prottey-Jones, me la encontré por primera vez a principios de este año en la Actors’ Church de Covent Garden, donde se presentó —con un efecto magnífico— en versión concierto, con un reparto del West End muy sólido. El director Jamie Jackson sacó gran partido del contenido musical, utilizando una deslumbrante banda de sesión situada en la sacristía, cuyo sonido se canalizaba hacia el «auditorio», donde los números se “lanzaban” con una energía y una emoción formidables; el director musical Simon Lambert supervisó el proceso de coordinar la acción en los escalones del presbiterio con lo que hacía la banda en un rincón lejano del edificio, con un control y una soltura magistrales. Fue, de verdad, un evento electrizante.

Los autores parecían haber encontrado una veta de energía y vitalidad en una historia de tragedia cotidiana, del tipo que llena a diario las páginas del Evening Standard. Un relato doloroso de personas atrapadas por el destino y la mala suerte, pero incansables en su determinación de seguir adelante. Aunque sobre el escenario ocurría poco, lo que teníamos —perfectamente expresado en la iglesia— era una especie de oratorio urbano contemporáneo: ambicioso en su visión creativa y de una belleza cautivadora en su expresión musical.

Helen Hobson en Muted

Qué maravilla, entonces, ver cómo el emprendedor y nuevo ‘The Bunker’ (el refugio subterráneo del teatro vanguardista y aventurero junto al Menier) lo asume como su próxima propuesta, ocupando el a menudo rentable hueco navideño entre Navidad y Año Nuevo. Las expectativas, desde luego, están por las nubes para esta joven leona. Está programado un mes entero con una temporada a sala llena. Stephen Fry describió el espectáculo como «impresionante», y al entrar en el teatro a uno se le corta la respiración con el diseño de escenografía de Sarah Beaton: una ominosa caja negra, “amonestada” por un triángulo invertido de luz blanca (iluminación de Zoe Spurr) que brilla con inquietante intensidad detrás de un columpio central suspendido sobre un estanque geométrico negro hundido en el negro practicable del escenario elevado. Se ve magnífico y es una declaración visual que no se olvida fácilmente.

Pero ¿qué tiene eso que ver con la historia? Eso ya es menos evidente. Es algo parecido a un rompecabezas que se le propone al público descifrar durante las dos horas y media siguientes. Una puesta en escena tan abstracta es una solución valientemente radical para una obra escrita con el característico naturalismo desenfadado de Sarah Henley. De hecho, uno de los actores que interpreta al protagonista, Michael, es Edd Campbell-Bird, a quien vimos por última vez enfrentándose a una escenografía similar (con elemento de agua incluido) en el abiertamente expresionista ‘Adding Machine’ en The Finborough; es un recordatorio pertinente de cómo las decisiones de puesta en escena pueden acercar al público y a la historia. No puede uno evitar preguntarse si este concepto de diseño está logrando lo mismo o, quizá, produciendo algún otro efecto. El vestuario aquí es completamente realista. La iluminación, no. Algunas producciones en caja negra funcionan de maravilla (nadie que la haya visto olvidará el ‘Macbeth’ de Trevor Nunn con Judi Dench e Ian McKellen, etc.). La pregunta es: ¿es ‘Muted’ ese tipo de espectáculo?

Mark Hawkins en Muted.

En términos generales, el negro es un color que le drena energía a una producción, a menos que se le aporte un antídoto: el espacio negro de ‘A Chorus Line’, por ejemplo, se encendía de forma incandescente con el poder cegador de las luces de un gran teatro y aquel espléndido juego de espejos al fondo, además de un libreto y una partitura implacablemente optimistas y propulsivos. Aquello era una batería de efectos como de tam-tams, frente a la que Interval Productions parece enfrentar aquí un pequeño triángulo. En este caso, tomando como referencia la dirección musical y los arreglos delicadamente equilibrados de Adam Gerber para una superbamente disciplinada banda de rock: Gus Isidore, guitarra; Greg Pringle, bajo; y Stephen Street, batería. Gerber también compone música incidental y, a lo largo de toda la función, mantiene contornos musicales suaves, casi sutiles, en el diseño de sonido de Max Perryment. El canto es cuidadoso y reflexivo; solo la parte de Lauren parece hacer que la música alce el vuelo, creando un efecto muy placentero. En el resto, predomina el tono serio: la actitud es de solemnidad y la interpretación a veces resulta casi rígida en su formalidad. Esto se extiende a cada rincón de la producción, que termina pareciéndose a un extraordinario jardín japonés de rocas que, en lugar de piedras, está lleno de esculturas humanas que nunca pueden verse todas desde un mismo punto de vista.

Interval Productions tiene 100 butacas que llenar, siete funciones a la semana, durante un mes, y en la representación a la que asistí había ocupadas aproximadamente un tercio. La compañía cree en lo que está haciendo, y muchas otras personas también: su campaña en Kickstarter recaudó sin problemas las 10.000 libras solicitadas. Sin embargo, se necesitan más fondos, así que, si estos iconoclastas te entusiasman, por favor envía un cheque. El camino hacia un nuevo teatro musical puede ser traicionero. Hace poco, en el LOST Theatre, una producción con una configuración igualmente austera (‘Fables for a Boy’) estuvo unas semanas y le costó encontrar público. Incluso el National, con ‘The Pacifist’s Guide to the War on Cancer’, tuvo que luchar cuesta arriba para ganarse los corazones y las mentes con un espectáculo, en general, bastante más alegre que el que se ofrece aquí. Admiro y respeto enormemente la determinación artística que exigen estos proyectos; pero también tengo presentes a los espectadores a quienes les cuesta “entrar” en ellos y pueden salir pensando: «Esto es muy deprimente».

David Leopold y Edd Campbell-Bird en Muted

En el resto del escenario, contamos con una gran cantidad de intérpretes de primer nivel. Da gusto volver a ver, como el silencioso personaje central, Michael —el exnovio abatido por el duelo—, a David Leopold (a quien algunos recordarán del intenso musical de cámara ‘The Burnt Part Boys’). Luego está la tensa elegancia y los movimientos felinos de su sustituto, Jake, el celoso nuevo novio, interpretado por Jos Slovick (a quien yo vi por última vez merodeando por el escenario del Theatre Royal Haymarket en ‘Bad Jews’). También está la elegancia de verbo rápido del sorprendentemente burgués y económicamente exitoso Mark Hawkins como el joven tío del héroe silencioso, Will. Y la curtida pericia del West End de Helen Hobson, puesta a toda máquina en el papel de la dominante madre alcohólica del protagonista, Amanda, a quien vemos en una serie de flashbacks. Por último, disfrutamos de la magnífica y única voz de una de las compositoras, Tori Allen-Martin, que vuelve a asumir el papel de la aspirante a cuidadora con un secreto muy, muy oscuro, Lauren. Su instrumento vocal es una de las grandes glorias de la escena contemporánea del teatro musical; sin embargo, ¿fui el único en pensar que a menudo parecía un poco incómoda sobre la plataforma decididamente sombría e inquietante erigida para esta producción? ¿Y no se enfrió de forma similar el impacto del resto del reparto? ¿Y no adquirieron sus interpretaciones una cualidad bastante estática, con tendencia a la fijación e incluso a la inercia? Todo esto podría ser deliberado, por supuesto. Hay «movimiento» de Isla Jackson-Ritchie, pero vemos poco más allá de un abanico estrecho de gestos de manos y brazos, ejecutados al estilo falun gong desde una posición tranquila y estacionaria. En lugar de abrazar y aprovechar la elaborada estructura sobre la que se despliega el relato, parece querer esquivarla. Esto, de nuevo, bien podría formar parte de la concepción. Sin embargo, esa incomodidad se comunica entonces directamente al público.

Bueno, supongo que hay momentos en los que apetece que las cosas sean quietas y reflexivas. Pero ¿se quiere necesariamente que ese ánimo predomine en un musical? Y en una trama que carece prácticamente de toda acción y que, de hecho, tiene que acomodar a un protagonista que permanece mudo durante la mayor parte de la función, ¿van a ayudar rasgos de este tipo a que el espectáculo conecte con el público? Ya lo veremos.

Hasta el 7 de enero de 2017

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