CRÍTICA: Muted, The Bunker ✭✭✭

Tori Allen-Martin e David Leopold em Muted Muted

The Bunker

Domingo, 11 de dezembro

3 estrelas

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Esta fascinante nova peça de teatro musical tem uma história longa e complexa. Surgiu pela primeira vez como ‘After The Turn’ no Courtyard Theatre, em 2012 – onde foi saudada por Mark Shenton como “o ‘Rent’ britânico”. Depois de muitas reescritas pela dramaturga Sarah Henley e pelos compositores Tori Allen-Martin e Tim Prottey-Jones, deparei-me com ela pela primeira vez no início deste ano na Actors’ Church, em Covent Garden, onde foi apresentada – com grande efeito – numa versão em concerto, com um elenco do West End muito sólido. O encenador Jamie Jackson aproveitou ao máximo o material musical, recorrendo a uma deslumbrante banda de estúdio instalada na sacristia, cujo som era canalizado para a “plateia”, onde os números eram verdadeiramente “entregues” com uma energia e entusiasmo notáveis; o diretor musical Simon Lambert supervisionou o processo de coordenar a ação nos degraus do presbitério com o que a banda fazia num canto distante do edifício, com um controlo e uma elegância exemplares. Foi, de facto, um evento eletrizante.

Os autores parecem ter encontrado uma mina de energia e vitalidade numa história de tragédia quotidiana, do tipo que enche as páginas do Evening Standard todos os dias. Um conto doloroso de pessoas presas pelo destino e pelo azar, mas incansáveis na determinação de perseverar. Embora houvesse pouca coisa a “acontecer” em cena, o que tínhamos – perfeitamente expresso na igreja – era uma espécie de oratório urbano contemporâneo: ambicioso na visão criativa e deliciosamente sedutor na expressão musical.

Helen Hobson em Muted

Que maravilha, então, ver a arrojada nova sala “The Bunker” (o refúgio subterrâneo do teatro vanguardista e aventureiro ao lado do Menier) assumir este título como a sua próxima proposta, ocupando a muitas vezes lucrativa janela festiva entre o Natal e o Ano Novo. As expectativas estão, sem dúvida, em alta para esta jovem fera em ascensão. Está em cena durante um mês inteiro, com sessões bem preenchidas. Stephen Fry descreveu o espetáculo como “deslumbrante” e, ao entrar no teatro, o fôlego é de facto cortado pela cenografia de Sarah Beaton: uma ominosa caixa preta, “admoestada” por um triângulo invertido de luz branca (desenho de luz de Zoe Spurr) que brilha de forma inquietante por trás de um baloiço central suspenso sobre uma piscina geométrica negra rebaixada, embutida no estrado preto do palco elevado. É magnífico e uma afirmação visual que não se esquece tão cedo.

Mas o que é que isso tem a ver com a história? Isso é menos claro. É algo parecido com um enigma, lançado ao público para decifrar ao longo das duas horas e meia seguintes. Uma encenação tão abstrata é uma solução ousadamente radical para um texto escrito com o naturalismo descontraído característico de Sarah Henley. Aliás, um dos atores que interpreta o protagonista, Michael, é Edd Campbell-Bird, que vimos pela última vez a lidar com um cenário semelhante (com direito a elemento aquático) no francamente expressionista ‘Adding Machine’, no Finborough — um lembrete pertinente de como as opções de encenação podem aproximar público e história. Não dá para não nos perguntarmos se este conceito de design está a fazer o mesmo, ou se estará antes a produzir outro efeito. Os figurinos são totalmente realistas. A iluminação não. Algumas produções em “caixa preta” funcionam brilhantemente (ninguém que a tenha visto esquecerá o ‘Macbeth’ de Trevor Nunn com Judi Dench e Ian McKellen, etc.). A questão é: ‘Muted’ é esse tipo de espetáculo?

Mark Hawkins em Muted.

De um modo geral, o preto é uma cor que drena energia de uma produção, a menos que haja um antídoto: o espaço negro de ‘A Chorus Line’, por exemplo, era incendiado de forma incandescente pela potência ofuscante das luzes de um grande teatro e por aquele esplêndido conjunto de espelhos ao fundo — e por um libreto e uma partitura implacavelmente otimistas e pujantes. Era uma bateria de efeitos estrondosos, contra a qual a Interval Productions parece opor um pequeno triângulo. Aqui, seguindo a deixa da direção musical delicadamente equilibrada de Adam Gerber e dos seus arranjos para uma banda rock soberbamente disciplinada — Gus Isidore, guitarra; Greg Pringle, baixo; e Stephen Street, bateria. Gerber compõe também música incidental e, ao longo de tudo, mantém os contornos musicais gentis, quase leves, no desenho de som de Max Perryment. O canto é cuidadoso e ponderado; só a parte de Lauren parece fazer a música levantar voo, criando um efeito prazeroso. De resto, predomina o tom sério: a atitude é de earnestness e a interpretação por vezes quase rígida na sua formalidade. Isto estende-se a todos os cantos da produção, que acaba por se assemelhar a um extraordinário jardim de pedras japonês, que em vez de pedras está cheio de esculturas humanas que nunca se conseguem ver todas a partir de um único ponto de vista.

A Interval Productions tem 100 lugares para preencher, sete espetáculos por semana, durante um mês, e na sessão a que assisti cerca de um terço das cadeiras estava ocupado. A companhia acredita no que está a fazer, e muitas outras pessoas também: a sua campanha no Kickstarter angariou confortavelmente os £10.000 pedidos. No entanto, são necessários mais fundos, por isso, se estas vozes iconoclastas o entusiasmam, envie um cheque. O caminho para um novo teatro musical pode ser traiçoeiro. Recentemente, no LOST Theatre, uma produção igualmente severamente configurada (‘Fables for a Boy’) esteve em cena algumas semanas e teve dificuldade em encontrar público. Até o National, com ‘The Pacifist’s Guide to the War on Cancer’, lutou encosta acima para conquistar corações e mentes com um espetáculo, na maioria, bem mais alegre do que o que aqui se apresenta. Admiro e respeito imenso a obstinação artística que estes projetos exigem; mas não deixo de pensar também nos espectadores que têm dificuldade em “entrar” neles e podem sair a pensar: “Isto é muito deprimente”.

David Leopold e Edd Campbell-Bird em Muted

Em palco, temos ainda um conjunto de intérpretes de alto nível. É ótimo voltar a ver, como a personagem central silenciosa, Michael — o ex-namorado devastado pelo luto — David Leopold (que alguns se lembrarão do intenso musical de câmara, ‘The Burnt Part Boys’). Depois há a tensão controlada e os movimentos felinos do seu substituto, Jake, o novo namorado ciumento, interpretado por Jos Slovick (a última vez que o vi foi a rondar o palco do Theatre Royal Haymarket em ‘Bad Jews’). Há também a elegância de fala rápida do surpreendentemente classe-média e economicamente bem-sucedido Mark Hawkins, como o jovem tio do herói silencioso, Will. E as habilidades apuradas de Helen Hobson no West End, aqui bem aproveitadas no papel da mãe dominadora e alcoólica do protagonista, Amanda, que vemos numa série de flashbacks. Por fim, temos a magnífica voz única de uma das compositoras, Tori Allen-Martin, novamente no papel da potencial cuidadora com um segredo muito, muito sombrio, Lauren. O seu instrumento vocal é uma das grandes glórias do panorama contemporâneo do teatro musical; no entanto, serei o único a achar que muitas vezes ela parecia um pouco desconfortável na plataforma resolutamente sombria e pouco acolhedora erguida para esta produção? E não terá o impacto do resto do elenco sido igualmente arrefecido? E não ganharam todas as interpretações uma qualidade algo estática, com tendência para a fixidez e até para a inércia? Tudo isto pode ser deliberado, claro. Há “movimento” de Isla Jackson-Ritchie, mas vemos pouco para lá de um leque estreito de gestos de mãos e braços, executados num estilo de falun gong a partir de uma posição calma e estacionária. Em vez de abraçar e utilizar a estrutura elaborada sobre a qual se desenrola a narração, ela parece querer evitá-la. Mais uma vez, isto pode muito bem fazer parte da conceção. Porém, esse desconforto acaba por ser comunicado diretamente ao público.

Bem, há alturas, suponho, em que se quer que as coisas sejam quietas e reflexivas. Mas será que se quer necessariamente que esse estado de espírito predomine num musical? E numa intriga que praticamente não tem ação e que, de resto, tem de acomodar um protagonista que permanece sem fala durante a maior parte da apresentação, características desse tipo vão apoiar a capacidade do espetáculo de chegar ao público? Veremos.

Em cena até 7 de janeiro de 2017

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