리뷰: 뮤티드, 더 벙커 ✭✭✭

뮤티드의 토리 앨런-마틴과 데이비드 레오폴드 뮤티드

더 벙커

12월 11일 일요일

별 3개

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이 매혹적인 신작 뮤직 시어터 작품은 길고도 복잡한 이력을 지녔습니다. 2012년 코트야드 시어터에서 ‘After The Turn’이라는 제목으로 처음 모습을 드러냈고, 그곳에서 마크 셴턴이 ‘영국판 ‘렌트(Rent)’’라고 극찬하기도 했죠. 극작가 사라 헨리와 작곡가 토리 앨런-마틴, 팀 프로티-존스가 여러 차례 대대적으로 고쳐 쓴 뒤, 저는 올해 초 코벤트 가든의 액터스 처치(Actors’ Church)에서 이 작품을 처음 접했습니다. 당시엔 웨스트엔드의 탄탄한 캐스트가 참여한 콘서트 형식으로 선보였는데, 효과는 정말 탁월했습니다. 연출가 제이미 잭슨은 음악적 요소를 전면에 내세웠고, 성당의 제의실(vestry)에 자리한 놀라운 세션 밴드의 사운드를 ‘객석’으로 송출해 넘버들이 엄청난 에너지와 흥분 속에 제대로 ‘전달’되도록 만들었죠. 음악감독(MD) 사이먼 램버트는 성단(chancel) 계단에서 벌어지는 움직임과 건물 한쪽 구석 먼 곳에서 연주하는 밴드의 호흡을 탁월한 통제력과 감각으로 조율했습니다. 정말로 전율이 도는 이벤트였습니다.

작가진은 일상의 비극—매일같이 이브닝 스탠더드 지면을 어지럽히는 종류의—에서 에너지와 생명력을 캐내는 데 성공한 듯합니다. 운명과 불운에 갇혀 있으면서도, 포기하지 않고 버텨내려는 사람들의 슬프디슬픈 이야기죠. 무대 위에서 ‘사건’이 크게 일어나지 않는데도, 교회라는 공간에서 완벽하게 구현된 것은 일종의 현대 도시 오라토리오였습니다. 창작 비전은 야심차고, 음악적 표현은 눈부시게 매력적이죠.

뮤티드의 헬렌 홉슨

그렇다면, 메니어(Menier) 옆에 자리한 지하 공간이자 전위적이고 모험적인 공연의 아지트, 패기 넘치는 신생 극장 ‘더 벙커(The Bunker)’가 이를 다음 작품으로 선택했다는 사실은 얼마나 반가운 일인가요. 크리스마스와 새해 사이의 ‘황금 연휴 슬롯’을 차지하며 기대감도 한껏 높아지고 있습니다. 이 젊은 맹수에게 거는 기대는 확실히 큽니다. 한 달간 빽빽하게 채운 공연 일정으로 예약이 잡혀 있으니까요. 스티븐 프라이는 이 쇼를 ‘숨 막히게 멋지다(stunning)’고 표현했는데, 극장에 들어서는 순간 사라 비턴의 세트 디자인이 정말로 숨을 멎게 합니다. 불길한 검은 상자 같은 공간, 그 위를 꾸짖듯 내려앉은 거꾸로 된 삼각형의 백색 조명(조명: 조이 스퍼)이 중앙의 그네 뒤편에서 음산하게 빛나고, 그네는 높게 올린 무대의 검은 단 위에 파인 기하학적 검은 웅덩이(수조처럼 보이는 공간) 위에 매달려 있습니다. 장관이며, 쉽게 잊히지 않을 강렬한 시각적 선언입니다.

하지만 그게 이야기와 무슨 상관이 있을까요? 그 점은 덜 분명합니다. 관객에게 앞으로 두 시간 반 동안 풀어내라고 던져진 퍼즐에 가깝죠. 이런 추상적 무대는 사라 헨리 특유의 편안한 자연주의로 쓰인 대본에 대한 대담하고도 급진적인 해법입니다. 사실 주인공 마이클 역을 맡은 배우 중 한 명인 에드 캠벨-버드는, 우리가 최근 핀버러(The Finborough)에서 솔직히 말해 표현주의적인 ‘Adding Machine’(물 장치까지 포함된 비슷한 세트)에서 보았던 인물로, 무대 선택이 관객과 이야기를 더 가깝게도 만들 수 있다는 사실을 새삼 떠올리게 합니다. 이번 디자인 콘셉트가 같은 효과를 내고 있는지, 아니면 전혀 다른 효과를 만들고 있는지 궁금해지지 않을 수 없습니다. 의상은 철저히 사실적입니다. 조명은 그렇지 않죠. 어떤 블랙박스 프로덕션은 놀라울 만큼 잘 작동합니다(주디 덴치와 이언 매켈런이 함께한 트레버 넌의 ‘맥베스(Macbeth)’를 본 사람이라면 결코 잊지 못하겠죠). 문제는 ‘뮤티드’가 그런 종류의 작품인가 하는 점입니다.

뮤티드의 마크 호킨스.

일반적으로 검은색은, 해독제 같은 무언가가 주어지지 않는 한, 프로덕션의 에너지를 빨아들이는 색입니다. 예를 들어 ‘A Chorus Line’의 검은 공간은 대극장 조명의 강렬한 힘과 뒤편의 멋진 거울 세트, 그리고 끊임없이 낙관적으로 밀어붙이는 대본과 스코어에 의해 눈부시게 점화됐죠. 그건 효과의 대형 타악기 진열대 같은 것이었고, 그에 비해 Interval Productions는 작은 삼각형 하나를 맞서 세우는 듯합니다. 여기서는 애덤 거버의 섬세하게 균형 잡힌 음악감독과 편곡이 그 단서를 제공하는데, 거스 이시도어(기타), 그렉 프링글(베이스), 스티븐 스트리트(드럼)로 구성된 놀라울 만큼 단단히 훈련된 록 밴드를 위한 작업입니다. 거버는 부수음악도 작곡하며, 맥스 페리먼트의 사운드 디자인 속에서 전체적으로 음악의 윤곽을 부드럽고 거의 가냘프게 유지합니다. 노래는 조심스럽고 사려 깊게 불리며, 로런의 파트만이 음악을 비상하게 만들며 기분 좋은 효과를 만들어냅니다. 그 외에는 진지한 톤이 지배하고, 태도는 성실함이며, 전달 방식은 때때로 형식미 속에서 거의 경직돼 보이기까지 합니다. 이는 작품의 구석구석으로 번져, 마치 일본식 돌정원처럼 보이게 만듭니다. 다만 돌 대신 인간 조각들로 가득 차 있고, 어느 한 지점에서 결코 전부를 볼 수 없는 형태죠.

Interval Productions는 100석을 한 달 동안, 주 7회, 채워야 합니다. 제가 관람한 날에는 좌석의 약 3분의 1 정도만 찼습니다. 하지만 이들이 하는 일을 믿는 사람은 많습니다. 킥스타터 캠페인으로 요청했던 1만 파운드를 무난히 모금했으니까요. 다만 더 많은 자금이 필요하다고 하니, 이 이단아들(iconoclasts)의 작업에 마음이 움직였다면 수표를 보내달라는 부탁입니다. 새로운 뮤지컬 시어터를 향한 길은 험난할 수밖에 없죠. 최근 LOST Theatre에서는 비슷하게도 강하게 ‘설정된’ 프로덕션(‘Fables for a Boy’)이 몇 주간 올랐지만 관객을 찾는 데 애를 먹었습니다. 내셔널에서도 ‘The Pacifist’s Guide to the War on Cancer’로, 여기보다 훨씬 더 경쾌한 쇼였음에도 관객의 마음을 얻기 위해 고전했죠. 저는 이런 프로젝트가 요구하는 예술적 일편단심을 크게 존경하고 높이 평가합니다. 하지만 동시에, 이런 작품에 ‘정착’하기 어려워하며 극장을 나서며 ‘너무 우울해’라고 생각할 관객들도 염두에 두게 됩니다.

뮤티드의 데이비드 레오폴드와 에드 캠벨-버드

무대에는 그 밖에도 정상급 퍼포머들이 대거 포진해 있습니다. 말없는 중심 인물 마이클—슬픔에 짓눌린 전 남자친구—역의 데이비드 레오폴드를 다시 볼 수 있어 반갑습니다(강렬한 체임버 뮤지컬 ‘The Burnt Part Boys’로 기억하는 분도 있겠죠). 이어서 그의 ‘후임’인 제이크, 즉 조스 슬로빅이 연기하는 질투심 많은 새 남자친구의 긴장감 있는 균형감과 표범 같은 움직임도 있습니다(저는 최근 ‘Bad Jews’에서 시어터 로열 헤이마켓 무대를 활보하던 그를 봤습니다). 그리고 놀라울 만큼 중산층적이고 경제적으로도 성공한 인물로 그려지는 마크 호킨스가, 말없는 영웅의 젊은 삼촌 윌을 빠른 말투의 우아함으로 소화해냅니다. 헬렌 홉슨은 웨스트엔드에서 다져진 노련함을 제대로 힘껏 실어, 플래시백 장면들 속에서 등장하는 주인공의 지배적이고 알코올 중독인 어머니 아만다를 연기합니다. 마지막으로, 작곡가 중 한 명인 토리 앨런-마틴이 다시 한 번 어두운, 아주 어두운 비밀을 가진 ‘돌봄 제공자’ 로런 역을 맡아, 독보적이고 위대한 목소리를 들려줍니다. 그녀의 보컬은 현대 뮤지컬 시어터 신의 가장 큰 영광 중 하나죠. 다만 이 프로덕션이 구축한 단호하게 침울하고 불편한 플랫폼 위에서, 그녀가 종종 어딘가 어색해 보였다고 느낀 게 저뿐이었을까요? 그리고 다른 배우들의 임팩트도 비슷하게 식어버린 것은 아닐까요? 또 모든 연기가 다소 정적인 성질을 띠며, 고정되고 심지어 관성에 가까운 경향을 보인 것은 아니었을까요? 물론 이것이 의도일 수도 있습니다. 이슬라 잭슨-리치가 ‘무브먼트’를 담당하지만, 고요하게 고정된 자세에서 팔과 손의 제스처가 제한된 범위로 반복되는 것 이상은 거의 보이지 않습니다(팔룽궁 스타일을 연상시키기도 하죠). 이야기 전개가 펼쳐지는 정교한 구조를 끌어안고 활용하기보다는, 그것을 피하려는 듯 보입니다. 이것 역시 콘셉트의 일부일 수 있습니다. 그러나 그 불편함은 고스란히 관객에게 전달됩니다.

물론, 때로는 정적이고 성찰적인 것을 원할 때도 있습니다. 하지만 뮤지컬에서 그 분위기가 지배적이길 꼭 바라게 될까요? 거의 모든 ‘사건’이 결여된 플롯, 게다가 공연 대부분을 말을 하지 못하는 주인공을 감당해야 하는 구조에서, 이런 특징들이 과연 작품이 관객에게 손을 뻗는 데 도움이 될까요? 두고 볼 일입니다.

2017년 1월 7일까지

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