CRITIQUE : Muted, The Bunker ✭✭✭

Tori Allen-Martin et David Leopold dans Muted Muted

The Bunker

Dimanche, 11 décembre

3 Étoiles

Réserver des billets

Ce fascinant nouveau spectacle de théâtre musical a une longue et complexe histoire. Il s'est d'abord manifesté sous le nom de ‘After The Turn’ au Courtyard Theatre en 2012 – où il a été salué par Mark Shenton comme ‘le ‘Rent’ britannique’. Après de nombreuses réécritures par la dramaturge Sarah Henley et les auteurs-compositeurs Tori Allen-Martin et Tim Prottey-Jones, j'en ai eu connaissance plus tôt cette année à l'Actors’ Church à Covent Garden, où il a été présenté – avec grand succès - lors d'une représentation concertante avec une très forte distribution du West End. Le metteur en scène Jamie Jackson a beaucoup mis en valeur le contenu musical, utilisant un groupe de session éblouissant situé dans la sacristie, dont les sons étaient diffusés dans l’‘auditorium’, où les numéros étaient vraiment ‘livrés’ avec une énergie et une excitation formidables; le directeur musical Simon Lambert a supervisé le processus de coordination de l'action sur les marches du chœur avec ce que faisait le groupe dans un coin reculé du bâtiment avec un contrôle et un flair magistral. C'était vraiment un événement palpitant.

Les auteurs semblaient avoir trouvé une mine d'énergie et de vitalité dans une histoire de tragédie quotidienne, du genre qui encombre les pages de The Evening Standard chaque jour. Un conte triste de personnes piégées par le destin et la malchance, mais infatigables dans leur détermination à persévérer. Bien qu'il se passait peu de choses sur scène, ce que nous avons eu – parfaitement exprimé dans l'église – était une sorte d'oratorio urbain moderne : ambitieux dans sa vision créative et merveilleusement attrayant dans son expression musicale.

Helen Hobson dans Muted

Quel bonheur, alors, de voir le nouvel et ambitieux ‘The Bunker’ (l'antre souterrain du théâtre d'avant-garde et d'aventure à côté du Menier) le prendre comme sa prochaine offre, occupant le créneau souvent lucratif des vacances de Noël et du Nouvel An. Les espoirs sont certainement grands pour ce jeune lion de bête. Il est réservé pour un mois complet de séances bien remplies. Stephen Fry a décrit le spectacle comme ‘sensationnel’, et lorsque vous entrez dans le théâtre, votre souffle est certainement coupé par le décor de Sarah Beaton : un ominous cube noir, admonesté par un triangle inversé de lumière blanche (éclairage par Zoe Spurr) qui luit étrangement derrière une balançoire centrale suspendue au-dessus d'une piscine géométrique noire enfoncée dans la estrade noire de la scène surélevée. C'est magnifique et c'est une déclaration visuelle que vous n'oublierez pas de sitôt.

Mais quel rapport cela a-t-il avec l'histoire? C'est moins clair. C'est quelque chose d'analogue à un puzzle, qui a été donné au public à déchiffrer pendant les deux heures et demie suivantes. Une mise en scène aussi abstraite est une solution audacieusement radicale à une pièce qui est écrite avec le naturalisme décontracté caractéristique de Sarah Henley. En fait, l'un des acteurs jouant le rôle principal, Michael, est Edd Campbell-Bird, que nous avons vu pour la dernière fois négocier un décor similaire (complet avec un élément d'eau) dans 'Adding Machine' d'un expressionnisme franc au Finborough, est un rappel pertinent de la manière dont les choix de mise en scène peuvent rapprocher le public et l'histoire. On ne peut s'empêcher de se demander si ce concept de design fait de même, ou peut-être a un autre effet. Les costumes ici sont entièrement réalistes. L'éclairage ne l'est pas. Certaines productions de boîte noire fonctionnent brillamment bien (personne n'oubliera jamais le ‘Macbeth’ de Trevor Nunn avec Judi Dench et Ian McKellan, etc.). La question est : ‘Muted’ est-il ce genre de spectacle ?

Mark Hawkins dans Muted.

En général, le noir est une couleur qui vide une production de son énergie, à moins qu'il ne soit fourni un antidote : l'espace noir de ‘A Chorus Line’, par exemple, s'est embrasé incandescent par la puissance éclatante des lumières d'un grand théâtre et cet ensemble de miroirs splendide à l'arrière – et un livre et une partition implacablement optimistes et entraînants. C'était une banque de tam-tams d'effets, contre laquelle Interval Productions semble affronter un petit triangle. Ici, sur la base de la direction musicale délicatement équilibrée et des arrangements pour un groupe de rock superbement discipliné dirigé par Adam Gerber, avec Gus Isidore à la guitare, Greg Pringle à la basse, et Stephen Street à la batterie. Gerber compose également la musique de fond, et maintient tout au long les contours musicaux doux, presque léger, dans le design sonore de Max Perryment. Le chant est soigneux et réfléchi; seul le rôle de Lauren semble élever la musique en vol, créant un effet agréable. Ailleurs, le ton sérieux prévaut, le sérieux est l'attitude et la livraison est parfois presque raide dans sa formalité. Cela s'étend dans tous les coins de la production, qui en vient à ressembler à un extraordinaire jardin de pierres japonais, qui au lieu de pierres est plein de sculptures humaines qui ne peuvent jamais toutes être vues d'un seul point de vue.

Interval Productions a 100 sièges à remplir, sept représentations par semaine, pendant un mois, et lors de la représentation que j'ai vue, environ un tiers des sièges étaient occupés. La compagnie croit en ce qu'elle fait, et de nombreuses autres personnes aussi : sa campagne Kickstarter a confortablement récolté les 10 000 £ demandés. Cependant, d'autres fonds sont nécessaires, alors, si vous êtes enthousiasmés par ces iconoclastes, veuillez envoyer un chèque. Le chemin vers un nouveau théâtre musical peut être périlleux. Récemment, au théâtre LOST, une production tout aussi sévèrement configurée (‘Fables for a Boy’) s'est jouée quelques semaines, et a eu du mal à trouver un public. Même le National avec ‘The Pacifist’s Guide to the War on Cancer’ a livré une bataille difficile pour gagner cœurs et esprits avec un spectacle généralement plus joyeux que celui présenté ici. J'admire et respecte énormément l'entêtement artistique que ces projets exigent; mais je suis également conscient des membres du public qui ont du mal à 's'y installer' et peuvent en repartir en pensant, 'C'est très déprimant'.

David Leopold et Edd Campbell-Bird dans Muted

Ailleurs sur scène, nous avons beaucoup de performeurs de premier ordre. C'est formidable de revoir en tant que personnage central silencieux, Michael, l'ex-petit ami frappé par le chagrin, joué par David Leopold (que certains se souviendront peut-être du musical intense de chambre, ‘The Burnt Part Boys’). Ensuite, il y a la posture tendue et les mouvements de panthère de son remplaçant, Jake, le nouveau petit ami jaloux de Jos Slovick (la dernière fois que je l'ai vu arpenter la scène du Theatre Royal Haymarket dans ‘Bad Jews’). Il y a aussi l'élégance en flux de mots du surprenant Mark Hawkins, d'une classe moyenne et économiquement réussi, en tant que jeune oncle du héros silencieux, Will. Et Helen Hobson met les compétences éprouvées du West End au service du rôle de la mère autoritaire et alcoolique du protagoniste, Amanda, que nous voyons dans une série de flashbacks. Enfin, nous avons la voix magnifique et unique de l'une des paroliers, Tori Allen-Martin, reprenant ici le rôle de l'accompagnatrice potentielle avec un sombre et sombre secret, Lauren. Son matériel vocal est l'une des grandes gloires de la scène du théâtre musical contemporain ; cependant, étais-je le seul à penser qu'elle semblait souvent un peu mal à l'aise sur la plateforme résolument sombre et inconfortable érigée pour cette production ? Et l'impact du reste de la distribution n'était-il pas également rafraîchi dans son effet ? Et toutes leurs performances n'ont-elles pas pris une qualité plutôt statique, avec une tendance à la fixité et même à l'inertie ? Bien sûr, tout cela pourrait être délibéré. Il y a un ‘mouvement’ par Isla Jackson-Ritchie, mais nous voyons peu de choses au-delà d'une gamme étroite de gestes de main et de bras, livrés à la manière du falung gong d'une position stationnaire calme. Au lieu d'embrasser et d'utiliser la structure élaborée sur laquelle se déroule le récit de l'histoire, elle semble vouloir l'éviter. Là encore, cela pourrait bien faire partie de la conception. Cependant, ce malaise est ensuite communiqué directement au public.

Eh bien, il y a des moments, je suppose, où l'on veut que les choses soient calmes et réfléchies. Mais veut-on nécessairement que cette humeur prédomine dans une comédie musicale ? Et dans une intrigue qui manque presque totalement d'action, et en effet doit accueillir un protagoniste qui est muet pendant la majeure partie de la performance, ces caractéristiques soutiendront-elles la capacité du spectacle à atteindre le public ? Nous verrons.

Jusqu'au 7 janvier 2017

RÉSERVER DES BILLETS POUR MUTED AU BUNKER