REZENSION: Meine Nacht mit Reg, Apollo Theatre ✭✭✭✭

My Night With Reg

Apollo Theatre

20. Januar 2015

4 Sterne

Mensch, was für einen Unterschied so eine Verlegung doch macht!

Als Robert Hasties Wiederaufnahme von Kevin Elyots Stück aus dem Jahr 1994, My Night With Reg, im intimen Raum des Donmar Warehouse lief, war es ein bemerkenswerter Theaterabend: Lesen Sie unsere Rezension hier. Im Apollo Theatre, wohin die Produktion nun verlegt wurde und jetzt eröffnet hat, ist leider vieles auf der Strecke geblieben.

Bemerkenswerterweise – und vielleicht am meisten schuld an den Unterschieden – wurde Peter McKintoshs Bühnenbild für den neuen Raum weder neu entworfen noch auch nur angepasst; oder zumindest wirkt es so. Im Donmar hatte man das Gefühl, tatsächlich in Guys Wohnzimmer und Wintergarten zu sein – alles war real, nah, stellenweise unangenehm einbeziehend, aber genau deshalb notwendig.

Doch es scheint, als habe man das Bühnenbild einfach auf die Proszeniumsbühne des Apollo gestellt, wenn auch mit ein paar hübschen blauen Seitenwänden darum herum. Das Ergebnis ist zweifach: Erstens gibt es überhaupt kein Gefühl von Intimität mehr; ja, es wirkt jetzt eher voyeuristisch als nah. Zweitens scheinen die Schauspieler entschlossen (vielleicht gewollt, vielleicht aus Versehen), bis in die hinteren Reihen des ersten Rangs zu spielen, statt miteinander – fest im Moment, den ihre Figuren gerade erleben. Auch das zerstört das Gefühl von Nähe.

Ganz einfach: Hastie hätte das Stück auf einem speziell gebauten – oder zumindest gezielt angepassten – Bühnenbild neu einrichten müssen. Etwas, das von der Nähe und der stillen Komplizenschaft des Publikums lebt, kann in einem größeren Haus mit Proszeniumsbogen nicht ohne Anpassung funktionieren. So simpel ist das. Das Apollo ist ein wandelbarer Raum, wie die Transfers der Globe-Produktionen Was ihr wollt und Richard III so eindrucksvoll gezeigt haben.

Das andere Problem ist subtiler. Einige Darstellungen sind bewusst größer angelegt, entschlossener auf vordergründige Komik getrimmt und weniger konfrontativ als im Donmar. Das schwächt die dramatische Wirkung des Stücks auf unbefriedigende Weise, während es scheinbar – vermutlich – dem erwarteten bürgerlichen West-End-Publikum entgegenkommt.

Aber warum verlegt man eine Produktion, die wirklich funktioniert, nur um dann gerade die Eigenschaften zu verwässern, die sie überhaupt reif für einen Transfer machen – die sie es wert machen, von einem größeren Publikum gesehen zu werden?

Trotzdem gibt es hier weiterhin viel zu bewundern und zu genießen. Ein Teil der Schauspielkunst bleibt erstklassig, und die innewohnende Kraft des Textes ist zwar geschmälert, aber längst nicht verloren.

Lewis Reeves, Richard Cant und Matt Bardock sind sogar noch besser als im Donmar; jeder von ihnen wirkt sicherer, entspannter, noch vollständiger in der Haut seiner sehr unterschiedlichen Figur.

Reeves verblüfft weiterhin; die Detailarbeit seiner Darstellung ist komplex und faszinierend zu beobachten. Er ist ständig wach, beobachtet die anderen, taxiert sie, fragt sich, ob er dazugehören will – und gehört dann dazu; dabei zeigt er kontinuierlich eine bewusste Verschiebung seiner Haltung zur Liebe, die ihn leicht absetzt. Sein Eric mag Sex, bevorzugt aber Liebe und Verbindlichkeit.

Reeves hat mehrere Schlüsselszenen, an denen das Stück kippt – in einer davon ist er fast stumm, malt einfach, schaut, und wird bewundert. Das gelingt ihm mühelos (oder wirkt zumindest so); besonders sensationell ist er jedoch in seinen zentralen Szenen mit Guy und John. Verführerisch und schelmisch, aber voller Hoffnung und Sehnsüchte: Reeves’ Eric ist hier die große Entdeckung.

Wie zuvor ist das zankende Duo Benny und Bernie bei Cant und Bardock perfekt austariert. Cant ist eine Wonne als der plappernde Bernie, der „Langeweile neu definiert“. Doch die Tränen in seinen Augen sind echt, wenn er ehrlich über die Angst spricht, in der er lebt, und über die Neigungen seines Partners Benny, die ihn entsetzen und zerbrechen lassen. Die frustrierte, unbegreifende Einsamkeit, die er ausstrahlt, ist glasklar. Bardock ist der Inbegriff des kernigen Kerls: ständig am Rauchen und ruhelos darauf bedacht, dass sein beachtliches bestes Stück fortwährend gewürdigt und großzügig herumgereicht wird. Zusammen sind sie ganz wunderbar.

Geoffrey Streatfield ist als der hemmungslos camp und am Ende zutiefst zerstörte Daniel ebenso beglückend wie im Donmar. Er genießt die Extreme von Gefühlen, Emotionen und Sprache dieser Figur; manchmal lässt er Mr Humphries aus Sind Sie schon bedient? geradezu zurückhaltend wirken. Doch genau das verlangt die Rolle – und es macht die Momente echter Qual umso bewegender.

Allerdings hat Streatfield nicht ganz dieselbe Unterstützung durch Julian Ovendens John und Jonathan Broadbents Guy wie im Donmar, und das kann – unfairerweise – dazu führen, dass seine Leistung etwas dominant wirkt.

Unerklärlicherweise wirkt Ovenden ziemlich unwohl, und das Spiel in Richtung Rang hilft seiner Darstellung nicht. Die souveräne Selbstverständlichkeit, die seinen John zuvor auszeichnete, ist verschwunden; stattdessen ist er spröde, geschwätzig und unsympathisch. Das ist rätselhaft. Ovenden trifft noch viele komische Punkte, aber das tiefe Wirklichkeitsgefühl, das seine Darstellung früher durchzog, ist weg – ersetzt durch eine grelle Showhaftigkeit, die als Entscheidung vielleicht zu verteidigen ist, aber weder für seine Figur noch für ihr Verhältnis zu den anderen annähernd so gut funktioniert.

Und Broadbents Guy hat sich, beinahe unkenntlich, in eine Art Mischung aus Charles Hawtrey und Peter Butterworth verwandelt. Da ist viel zu viel Geflatter (früher schon eine Merkwürdigkeit, jetzt scheint es zur Kunstform geworden), Augenrollen und Grimassieren, wo die Rolle eigentlich eine durchgehende Linie freundlichen Schmerzes braucht. Das scheint aus einer Regieentscheidung zu stammen, die Komödie stärker auszuspielen – aber es ist kontraproduktiv.

Der wahre Witz in Elyots Stück entsteht aus der Wahrheit der Figuren und der Realität ihrer Freundschaften, Geheimnisse und Lügen. Das ist kein Film der Carry On-Reihe.

Insgesamt scheint der Abend weiter in Richtung alberner Klamauk gerutscht zu sein – weg von dem, was ihn im Donmar so wichtig und fesselnd machte: seine schmerzende Intensität und brutale Ehrlichkeit. Warum Hastie das zugelassen hat, bleibt unklar.

Diese Bedenken stellen sich allerdings nur, wenn man die Donmar-Version gesehen und die dort erreichten Höhen erlebt hat. Im Apollo besitzt das Stück immer noch Charme und Kraft – und mit Reeves, Cant, Bardock und Streatfield ein Quartett starker, üppiger Darbietungen.

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