RECENSIONE: La Mia Notte con Reg, Teatro Apollo ✭✭✭✭

My Night With Reg

Apollo Theatre

20 gennaio 2015

4 stelle

Accidenti, che differenza fa un trasferimento!

Quando la ripresa di Robert Hastie del testo del 1994 di Kevin Elyot, My Night With Reg, è andata in scena nello spazio raccolto del Donmar Warehouse, è stata una serata teatrale straordinaria: Leggi qui la nostra recensione. All’Apollo Theatre, dove quello spettacolo si è trasferito ed è ora in cartellone, ahimè, molto si è perso nel passaggio.

Curiosamente — e forse principale responsabile delle differenze — la scenografia di Peter McKintosh non è stata ripensata né tantomeno adattata al nuovo spazio; o almeno, così sembra. Al Donmar, si aveva davvero la sensazione di trovarsi nel soggiorno e nella veranda di Guy: tutto era reale, vicino, in alcuni punti scomodamente inclusivo, ma inevitabilmente necessario.

Qui, invece, pare che la scena sia stata semplicemente piazzata sotto l’arco di proscenio dell’Apollo, anche se incorniciata da qualche bel pannello azzurro. Il risultato è duplice: primo, non c’è più alcun senso di intimità; anzi, ora sembra più voyeuristico che intimo. Secondo, gli attori sembrano determinati (forse per scelta, forse per errore) a recitare verso il fondo della galleria invece che l’uno verso l’altro, ben radicati nell’istante che i loro personaggi stanno vivendo. E anche questo manda in frantumi l’intimità.

In sostanza, Hastie avrebbe dovuto ripensare i movimenti in scena su un impianto costruito apposta, o almeno modificato ad hoc. Uno spettacolo che funziona facendo leva sulla vicinanza e sulla complicità del pubblico non può funzionare, senza aggiustamenti, in una sala più grande con un arco di proscenio. È così semplice. L’Apollo è uno spazio adattabile, come hanno dimostrato in modo chiarissimo i trasferimenti delle produzioni del Globe di La dodicesima notte e Riccardo III.

L’altro problema è più subdolo. Alcune interpretazioni sono volutamente più “grandi”, decisamente più apertamente comiche e meno spigolose di quanto fossero al Donmar. Così si indebolisce l’impatto drammatico del testo in modo poco soddisfacente, pur cercando — presumibilmente — di piacere al pubblico borghese atteso nel West End.

Ma perché trasferire una produzione che funziona benissimo, se poi si finisce per annacquare proprio le qualità che la rendono pronta al trasferimento, degna di essere vista da un pubblico più ampio?

Detto questo, resta ancora molto da ammirare e godersi. Una parte della recitazione rimane di prim’ordine e la potenza intrinseca della scrittura, pur attenuata, è tutt’altro che perduta.

Lewis Reeves, Richard Cant e Matt Bardock sono persino migliori di quanto fossero al Donmar; ciascuno più sicuro, più rilassato, più pienamente “dentro” la pelle dei propri personaggi, così diversi tra loro.

Reeves continua a stupire: la cura del dettaglio nella sua interpretazione è complessa e affascinante da osservare. È costantemente vigile, guarda gli altri, li valuta, si chiede se vuole far parte del gruppo e poi ne fa parte; il tutto mostrando un cambiamento consapevole nel suo modo di pensare l’amore, che lo colloca leggermente di lato. Il suo Eric ama il sesso ma preferisce l’amore e l’impegno.

Reeves ha diverse scene chiave su cui si regge la pièce, una delle quali lo vede quasi in silenzio, semplicemente dipingere, osservare ed essere ammirato. Se la cava con apparente facilità (o almeno così sembra), ma è particolarmente straordinario nelle scene centrali con Guy e John. Seducente e birichino, ma pieno di speranza e aspirazioni, l’Eric di Reeves è la vera rivelazione.

Come in precedenza, la coppia di Benny e Bernie, sempre a battibeccare, è calibrata alla perfezione da Cant e Bardock. Cant è delizioso nei panni del logorroico Bernie che “ridefinisce la noia”. Ma le lacrime nei suoi occhi sono autentiche quando parla con sincerità della paura in cui vive e delle inclinazioni del suo compagno, Benny, che lo sgomentano e lo mandano in pezzi. Il senso di solitudine frustrata e incomprensibile che sprigiona è cristallino. Bardock è l’archetipo del tipo da pub, sempre con la sigaretta in mano e irrequieto nel voler garantire che la sua notevole dotazione sia costantemente apprezzata e “condivisa” in giro. Insieme, sono davvero splendidi.

Geoffrey Streatfield è delizioso come lo era al Donmar nei panni di Daniel: oltraggiosamente camp e, alla fine, devastato. Abbraccia con gusto l’estremità dei sentimenti, delle emozioni e del linguaggio del personaggio; a tratti fa sembrare persino Mr Humphries di Are You Being Served? un modello di riserbo. Ma è esattamente ciò che il ruolo richiede e rende i passaggi di autentica angoscia ancora più toccanti.

Ma Streatfield non ha lo stesso sostegno da parte del John di Julian Ovenden e del Guy di Jonathan Broadbent come al Donmar, e questo può, ingiustamente, far apparire la sua prova leggermente troppo invadente.

Inspiegabilmente, Ovenden sembra piuttosto a disagio e recitare “per la galleria” non aiuta la sua interpretazione. La sicurezza disinvolta che caratterizzava il suo John in precedenza è svanita; al suo posto c’è un uomo irritabile, chiacchierone e poco simpatico. È sconcertante. Ovenden centra ancora molti tempi comici, ma il profondo senso di verità che permeava la sua prova prima è sparito, sostituito da un’esibita sfrontatezza che, pur difendibile come scelta, risulta molto meno efficace sia per il personaggio sia per il modo in cui si rapporta agli altri.

E il Guy di Broadbent si è trasformato, quasi irriconoscibile, in una sorta di fusione tra Charles Hawtrey e Peter Butterworth. C’è troppo ondeggiare, troppi occhi al cielo e troppe smorfie, quando invece il ruolo richiederebbe una linea continua di dolore bonario. Sembra il frutto di una decisione registica di spingere di più sul versante comico — ma è controproducente.

La vera comicità nella pièce di Elyot nasce dalla verità dei personaggi e dalla realtà delle loro amicizie, dei segreti e delle bugie. Non è un film della serie Carry On.

L’intero spettacolo sembra essersi spostato ulteriormente verso una comicità sciocca, allontanandosi proprio da ciò che lo rendeva così importante e magnetico al Donmar: l’intensità dolorosa e l’onestà brutale. Perché Hastie lo abbia permesso non è chiaro.

Resta il fatto che queste perplessità emergono soprattutto se si è vista la versione del Donmar e se ne sono apprezzate le vette. All’Apollo, la pièce conserva comunque fascino e forza, e in Reeves, Cant, Bardock e Streatfield offre un quartetto di interpretazioni potenti e sontuose.

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