CRÍTICA: Mi Noche con Reg, Teatro Apollo ✭✭✭✭

My Night With Reg

Teatro Apollo

20 de enero de 2015

4 estrellas

Vaya, ¡qué diferencia puede marcar un traslado!

Cuando la reposición que Robert Hastie hizo de la obra de 1994 de Kevin Elyot, My Night With Reg, se representó en el espacio íntimo del Donmar Warehouse, fue una noche de teatro memorable: Lee aquí nuestra crítica. En el Teatro Apollo, adonde aquella producción se ha trasladado y donde ahora se ha estrenado, por desgracia, mucho se ha perdido por el camino.

Curiosamente, y quizá como principal culpable de las diferencias, el decorado de Peter McKintosh no se ha rediseñado ni siquiera reajustado para el nuevo espacio; o al menos, eso parece. En el Donmar, uno sentía que estaba realmente en el salón y el invernadero de Guy: todo era real, cercano, en algunos momentos incómodamente envolvente, pero necesariamente así.

Pero da la impresión de que el decorado se ha plantado sin más bajo el arco de proscenio del Apollo, eso sí, con unos bonitos bastidores azules envolviéndolo. El resultado es doble: en primer lugar, ya no hay sensación de intimidad en absoluto; de hecho, ahora parece más voyeurista que íntimo. En segundo lugar, los actores parecen decididos (quizá por diseño, quizá por error) a proyectar hacia el fondo del anfiteatro, en lugar de hacia sus compañeros, plenamente instalados en el momento que viven sus personajes. De nuevo, esto hace añicos la sensación de intimidad.

Dicho sin rodeos, Hastie debería haber reubicado los movimientos en escena sobre un decorado construido ad hoc, o al menos adaptado expresamente. Algo que funciona apoyándose en la cercanía y la complicidad del público no puede funcionar sin ajustes en una sala más grande con arco de proscenio. Así de sencillo. El Apollo es un espacio adaptable, como demostraron tan claramente los traslados de las producciones del Globe de Twelfth Night y Richard III.

El otro problema es más insidioso. Algunas interpretaciones son deliberadamente más grandes, decididamente más abiertamente cómicas y menos confrontativas de lo que fueron en el Donmar. Esto reduce la fuerza dramática de la obra de maneras poco satisfactorias, mientras busca, en apariencia, agradar al esperado público de clase media del West End.

Pero, ¿para qué trasladar una producción que funciona de maravilla si es solo para diluir precisamente las cualidades que la hacen idónea para el traslado, la hacen merecedora de ser vista por un público más amplio?

Dicho esto, aún hay mucho que admirar y disfrutar. Parte de la interpretación sigue siendo de primera, y el poder inherente de la escritura, aunque mermado, ni mucho menos se ha perdido.

Lewis Reeves, Richard Cant y Matt Bardock están incluso mejor que en el Donmar; cada uno más seguro, más relajado, más completamente metido en la piel de sus personajes tan distintos.

Reeves sigue asombrando; el detalle de su interpretación es complejo y fascinante de ver. Está constantemente alerta, observando a los demás, calibrándolos, preguntándose si quiere pertenecer y luego perteneciendo; todo el tiempo mostrando un cambio consciente de actitud hacia el amor que lo sitúa ligeramente aparte. Su Eric disfruta del sexo, pero prefiere el amor y el compromiso.

Reeves tiene varias escenas clave sobre las que pivota la obra, una de ellas casi en silencio, simplemente pintando, mirando y siendo admirado. Aunque lo consigue sin esfuerzo (o al menos eso parece), está especialmente sensacional en sus escenas clave con Guy y John. Encantador y travieso, pero lleno de esperanza y aspiraciones, el Eric de Reeves es la revelación aquí.

Como antes, el dúo de Benny y Bernie, que no para de picarse, está medido a la perfección por Cant y Bardock. Cant es un placer como el parlanchín Bernie, que «redefine el aburrimiento». Pero las lágrimas en sus ojos son auténticas cuando habla con honestidad del miedo en el que vive y de las inclinaciones de su pareja, Benny, que lo descolocan y lo destrozan. La sensación de soledad frustrada e incomprendida que desprende es cristalina. Bardock es el macarra por excelencia, fumando sin parar e inquieto por asegurarse de que su prodigioso miembro sea constantemente apreciado y compartido. Juntos, son realmente estupendos.

Geoffrey Streatfield está tan delicioso como en el Donmar en el papel del escandalosamente amanerado y finalmente devastado Daniel. Abraza con deleite la intensidad de los sentimientos, las emociones y el habla del personaje; a veces hace que el señor Humphries de Are You Being Served? parezca comedido. Pero esto es precisamente lo que exige el papel y ayuda a que los pasajes de auténtica angustia resulten aún más conmovedores.

Pero Streatfield no cuenta con el mismo apoyo de John de Julian Ovenden y del Guy de Jonathan Broadbent que tenía en el Donmar, y esto puede, injustamente, hacer que su interpretación parezca un poco dominante.

De manera incomprensible, Ovenden parece bastante incómodo, y actuar de cara al anfiteatro no ayuda a su trabajo. La soltura segura que caracterizaba antes a su John ha desaparecido; en su lugar, está susceptible, locuaz y antipático. Es desconcertante. Ovenden sigue dando con muchas de las marcas cómicas, pero la profunda sensación de verdad que antes impregnaba su interpretación se ha ido, sustituida por una exhibición descarada que, quizá defendible como elección, no resulta ni de lejos tan eficaz, ni para su personaje ni para la relación de este con los demás.

Y el Guy de Broadbent ha mutado, casi de forma irreconocible, en una especie de fusión entre Charles Hawtrey y Peter Butterworth. Hay demasiados aspavientos, amaneramientos (antes era una rareza; ahora parece un arte), ojos en blanco y muecas, cuando el papel en realidad requiere un hilo conductor de dolor afable. Esto parece derivar de una decisión de dirección de apretar más el acelerador de la comedia, pero es contraproducente.

La verdadera comedia en la obra de Elyot nace de la verdad de los personajes y de la realidad de sus amistades, sus secretos y sus mentiras. Esto no es una película de Carry On.

Todo el conjunto parece haberse desplazado más hacia una comedia tontorrona y alejarse de aquello mismo que la hacía tan importante y cautivadora en el Donmar: su intensidad dolorida y su brutal honestidad. No está claro por qué Hastie lo ha permitido.

Aun así, estas objeciones solo surgen si uno había visto la versión del Donmar y disfrutado de las cotas que alcanzó allí. En el Apollo, la obra sigue teniendo encanto y fuerza, y en Reeves, Cant, Bardock y Streatfield, un cuarteto de interpretaciones potentes y exquisitas.

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