KRITIK: Our House, Union Theatre ✭✭✭

Our House

Union Theatre

21/08/15

3 Sterne

Our House ist ein Jukebox-Musical, das vor über einem Jahrzehnt erstmals im Cambridge Theatre zu sehen war. 2002 gewann es den Olivier Award für das beste neue Musical, hatte seitdem jedoch keinen weiteren größeren Auftritt. Tim Firth schrieb das Buch, und die gesamte Musik stammt aus dem Backkatalog der englischen Ska-Band Madness. Diese Wiederaufnahme ist die Arbeit von Regisseur Michael Burgen und Produzentin Sasha Regan. Es gibt zwei Akte und 22 Musiknummern, gleichmäßig auf beide verteilt.

Im Kern ist es eine ‘Jedermann’-Moralgeschichte. Joe Casey (Steven France) wächst in der Casey Street, Camden NW1, in einem Haus (dem titelgebenden „Our House“) und auf einer Siedlung auf, die ursprünglich von seinem Großvater gebaut wurde. Doch seither ist vieles bergab gegangen. Sein Dad (Dominic Brewer) starb nach einer Laufbahn voller Kriminalität, die auf einer Reihe schleichender Fehlentscheidungen beruhte; daher wurde Joe von seiner langmütigen, alleinerziehenden Mum, Kath (Sally Samad), großgezogen. In der Schule ist er beliebt, doch im Zuge eines kleinen Einbruchs – angetrieben vom Wunsch, seine Freundin Sarah (Ailsa Davidson) zu beeindrucken – muss Joe eine entscheidende Wahl treffen: Stellt er sich der Polizei, die ihm bereits auf den Fersen ist, oder nimmt er Reißaus?

Das Musical verfolgt beide Entscheidungen parallel und fordert uns auf, darüber nachzudenken, welche die bessere gewesen wäre. Der Joe, der wegläuft, entgeht dem Gesetz und geht nach einer kurzen kriminellen Phase in die Immobilienentwicklung – mit großem materiellem Erfolg; durch kalkulierte Wohltätigkeit und Altruismus gewinnt er sogar Sarah zurück. Er wird zum Liebling und Neidobjekt seiner Freunde und der lokalen Community, bis er ausgerechnet mit dem Mann anbandelt, in dessen Wohnung er ursprünglich eingebrochen ist. Bei einem letzten großen Coup riskiert er, in einem grundlegenden Akt des Verrats alles zu zerstören. Ist das seine Erfolgsgeschichte – oder hat er seine Seele von Anfang an verkauft?

Der alternative Joe nimmt die Schuld für den Einbruch auf sich, bekommt jedoch nicht nur mehr, als er erwartet hat, in Form einer Haftstrafe, sondern entdeckt auch, dass es so etwas wie „seine Schuld an die Gesellschaft abbezahlen“ nicht gibt. Jeder Schritt, den er danach zu gehen versucht, wird von diesem ersten Fehltritt verfolgt. Er erlebt Vorurteile und Zurückweisung und rutscht weiter in unbeabsichtigte Kriminalität ab. Tugend ist tatsächlich keinerlei Belohnung – erst recht nicht angesichts von Verachtung und dem allmählichen Abwenden all seiner Freunde, einschließlich – offenbar – Sarah. Am Ende verzahnen sich die beiden Geschichten recht geschickt, und die Community bleibt bestehen.

Rund um und innerhalb dieser Parallelhandlungen wandert eine Reihe chorischer Kommentator*innen umher – Joes Dad, der ihn stumm davor warnt, seine eigene Geschichte zu wiederholen, sowie zwei Freundespaare, Emmo & Lewis (Joseph Giacone & Joe Ashman), beides trottelig-charmante Rosencrantz-und-Guildenstern-Typen, und Billie & Angie (Claire Learie & Chanice Alexander-Burnett), die opportunistisch zwischen anbiedernder Bewunderung und Verachtung hin- und herflitzen, je nachdem, wohin sich Joes Glück wendet. Bösewichte treten in Gestalt von Mr Pressman (Rhys Owen), dem zwielichtigen Immobilienentwickler, und dem Kleinganoven Reecey (Jay Osborne) auf; ergänzt wird das Ensemble durch sieben Tänzer*innen, die mit den Hauptfiguren „altern“, während die Handlung voranschreitet.

An Szenario und Produktionswerten gibt es vieles, das sehr reizvoll ist; aber mich überzeugt es nicht ganz. Die vergleichende Moralparabel ist sauber gegeneinander geschnitten, entwickelt jedoch ab einem gewissen Punkt zu wenig Komplexität – nicht zuletzt, weil der Musik eine ausreichende Bandbreite an emotionalen Themen und Stimmungen fehlt, um zusätzliche Nuancen einzuführen. Zudem wirkt das Stück gleich doppelt datiert: Während die Musik ein Produkt der 1970er und 80er ist und in ihrer ursprünglichen Form recht frech, zynisch und ironisch daherkommt, liest sich Setting und Story sehr wie eine unverblümte romantische Abrechnung mit den Thatcher-Jahren. Aus der Perspektive unserer eigenen Ära der Austerität erscheint das inzwischen etwas zu schlicht. Das Endergebnis fügt sich daher in dieser Wiederaufnahme nicht ganz zusammen – trotz einiger starker Leistungen, einprägsamer Nummern, erstklassiger Musiker*innen und – vor allem – einer hervorragend dynamischen, abwechslungsreichen und energiegeladenen Choreografie.

Ein Teil des Problems liegt am Raum selbst. Im Grunde ist das ein ausgewachsenes West-End-Musical, das an die Grenzen eines kleinen Off-West-End-Hauses stößt. Das ist keine Kritik am Theatre – das, wie Stephen Collins häufig betont hat, in den letzten Jahren Arbeiten von seltener Qualität gezeigt hat; dennoch bleibt es ein schwieriger Sitz. Den Tänzer*innen fehlt der Platz, um wirklich loszulegen, die Band ist ungünstig zurückversetzt mit schwierigen Sichtlinien, und einige der komplexen Wechsel im aufwendigen Licht-Setup haben Teile des Publikums geblendet, weil sie zu nah dran saßen. Man braucht für diese Show nicht gleich das London Palladium, aber sie würde deutlich besser aufblühen – zum Beispiel – in der Rundbühne im Donmar.

Unter den Darbietungen stechen einige hervor. Steven France zeigt in der zentralen Rolle enorme körperliche und mentale Ausdauer und versucht, Joe so sympathisch wie möglich zu machen. Ailsa Davidson holt das Beste aus den begrenzteren Möglichkeiten heraus, ihre Figur zu entwickeln – besonders in den ruhigeren, nachdenklichen Momenten der zweiten Hälfte. Dominic Brewer zieht einen in die wehmütige Traurigkeit der rückwärtsgewandten Blicke des Vaters hinein, und Rhys Owen möchte ich für eine Reihe ausgezeichneter, klar gezeichneter Cameos besonders erwähnen. Das Ensemble-Singen und -Tanzen war durchgehend auf hohem Niveau, mit sauberer Diktion und kontinuierlich erfinderischer Bewegung – und nicht nur in den High-Energy-Nummern. So hat mich etwa die witzige Inszenierung von ‘Driving in my car’ besonders erfreut, eine eigentlich nebensächliche Nummer, die mit großer Ökonomie der Gesten lebendig und bildhaft gemacht wurde. Musical Director Richard Baker hält in einer langen Show das Tempo gut hoch.

So sehr dies eine verdiente Wiederaufnahme einer reizvollen Show ist, bleibt das Kernmaterial in mancher Hinsicht unbefriedigend, und die Größe der Produktion passt nicht ideal zum Spielort. Wenn das kleinlich klingt, dann nur deshalb, weil im Musical Theatre – wie in der Oper – damit das Ganze optimal aufgeht, eine lange und anspruchsvolle Liste an Bausteinen wirklich sitzen muss. Wenn bei Autor*innen, Darsteller*innen oder im Kreativteam ein Zahnrad hakt, kann das den Rest unverhältnismäßig mit nach unten ziehen – deutlich stärker, als es in einem Sprechtheaterabend der Fall wäre. Die meisten Shows überspringen diese hohe Latte nicht, aber wenn sie es tun, gibt es im Theatre nichts Vergleichbares. Trotzdem: Our House bietet ganz klar einen vergnüglichen Abend, mit sichtbarer technischer Klasse, die großes Lob verdient. Our House läuft im Union Theatre bis zum 12. September 2015