RECENSIONE: Our House, Union Theatre ✭✭✭

Our House

Union Theatre

21/08/15

3 stelle

Our House è un jukebox musical andato in scena per la prima volta al Cambridge Theatre oltre dieci anni fa. Ha vinto l’Olivier Award come Miglior Nuovo Musical nel 2002, ma da allora non era più stato ripreso. Il libretto è di Tim Firth e tutta la musica proviene dal repertorio della band ska inglese Madness. Questa ripresa porta la firma del regista Michael Burgen e della produttrice Sasha Regan. Lo spettacolo è diviso in due atti, con 22 numeri musicali equamente ripartiti tra i due.

In sostanza, è una favola morale da “uomo qualunque”. Joe Casey (Steven France) cresce in Casey Street, a Camden NW1, in una casa (la “our house” del titolo) e in un complesso residenziale originariamente costruiti dal nonno. Ma da allora le cose sono peggiorate. Suo padre (Dominic Brewer) è morto dopo una vita di criminalità, frutto di una serie di scelte sbagliate fatte un passo alla volta; così Joe è stato cresciuto dalla madre single, Kath (Sally Samad), che ne ha viste di tutti i colori. A scuola è molto popolare, ma durante una piccola effrazione — motivata dal desiderio di impressionare la fidanzata Sarah (Ailsa Davidson) — Joe deve compiere una scelta cruciale: si consegna alla polizia che gli sta alle calcagna oppure se la dà a gambe?

Il musical mette in parallelo entrambe le opzioni e ci invita a riflettere su quale sarebbe stata la scelta migliore. Il Joe che scappa evita la legge e, dopo una breve carriera criminale, passa allo sviluppo immobiliare raggiungendo un grande successo materiale; con una filantropia e un altruismo calibrati, riesce perfino a riconquistare Sarah. Diventa l’orgoglio (e l’invidia) degli amici e della comunità locale, finché non finisce coinvolto proprio con l’uomo nel cui appartamento aveva fatto irruzione all’inizio. In un ultimo grande colpo rischia di mandare all’aria tutto, con un tradimento fondamentale. È una storia di successo, o ha venduto l’anima fin dall’inizio?

L’altro Joe si prende la colpa per l’effrazione e l’ingresso abusivo, ma non solo ottiene più di quanto si aspettasse sotto forma di una condanna al carcere: scopre anche che non esiste davvero il concetto di “pagare il proprio debito” con la società. Da quel momento, ogni passo che prova a fare è perseguitato da quell’errore iniziale. Affronta pregiudizi e rifiuti e scivola sempre più in una criminalità non voluta. La virtù, in realtà, non è affatto una ricompensa, soprattutto di fronte al disprezzo e al progressivo allontanamento di tutti i suoi amici, compresa — a quanto pare — Sarah. Le due storie si ricongiungono con notevole abilità nel finale e la comunità viene salvaguardata.

Attorno e dentro queste narrazioni parallele si muove una serie di commentatori corali: il padre di Joe, silenzioso, che lo mette in guardia dal ripetere la sua stessa storia; e due coppie di amici, Emmo & Lewis (Joseph Giacone & Joe Ashman), entrambi tipi un po’ sciocchi alla Rosencrantz e Guildenstern, e Billie & Angie (Claire Learie & Chanice Alexander-Burnett), che oscillano opportunisticamente tra ammirazione servile e disprezzo, a seconda di come gira la fortuna di Joe. I cattivi sono Mr Pressman (Rhys Owen), l’immobiliarista losco, e il piccolo criminale Reecey (Jay Osborne); il cast è completato da sette danzatori dell’ensemble che invecchiano insieme ai protagonisti man mano che la storia procede.

C’è molto di davvero accattivante nella premessa e nei valori produttivi che la accompagnano; eppure, per me, lo spettacolo non convince del tutto. Il racconto morale comparato è montato con ordine, ma non sviluppa una complessità che vada oltre un certo punto, anche perché la musica non offre una varietà sufficiente di temi ed emozioni per introdurre ulteriori sfumature. Inoltre è doppiamente datato: se da un lato la musica, figlia degli anni ’70 e ’80, nella sua forma originale è piuttosto sfrontata, cinica e ironica, dall’altro ambientazione e trama risultano come una critica romantica e a tutto campo degli anni della Thatcher. Letto dalla prospettiva della nostra epoca di austerità, tutto questo oggi appare un po’ semplicistico. Di conseguenza, nonostante alcune ottime prove attoriali, numeri memorabili, musicisti di prim’ordine e — soprattutto — una coreografia superbamente dinamica, varia ed energica, il risultato finale in questa ripresa non si amalgama del tutto.

Parte del problema sta nello spazio stesso. Di fatto, è un musical da West End a grande formato che spinge contro i limiti di una piccola sala Off West End. Dirlo non è una critica al teatro — che, come Stephen Collins ha spesso sottolineato, negli ultimi anni ha ospitato lavori di rara qualità — ma resta un accoppiamento un po’ scomodo. I danzatori non hanno abbastanza spazio per scatenarsi davvero, la band è arretrata in modo poco felice con linee di visione difficili, e alcuni cambi complessi dell’elaborata struttura luci hanno abbagliato porzioni di pubblico, troppo vicine alla scena. Non serve il London Palladium per questo spettacolo, ma fiorirebbe molto di più — per esempio — in una messa in scena “in tondo” al Donmar.

Tra le interpretazioni, diverse spiccano. Steven France mostra una resistenza fisica e mentale enorme nel ruolo centrale e fa di tutto per rendere Joe il più possibile simpatico. Ailsa Davidson sfrutta al meglio le opportunità più limitate che ha per sviluppare il personaggio, soprattutto nei momenti più quieti e riflessivi della seconda parte. Dominic Brewer ti trascina nella malinconia amara del padre, con i suoi sguardi al passato, e vorrei fare una menzione speciale a Rhys Owen per una serie di cameo eccellenti e ben cesellati. Il canto e la danza dell’ensemble sono stati di alto livello per tutta la serata, con dizione pulita e movimento continuamente inventivo, e non solo nei numeri ad alta energia. Per esempio, mi ha colpito in particolare la regia arguta di ‘Driving in my car’, un brano di per sé inconsegnente reso vivissimo con grande economia di gesti. Il direttore musicale Richard Baker mantiene un ottimo ritmo in uno spettacolo che è lungo.

Pur essendo una ripresa meritata di uno spettacolo intrigante, il materiale di base resta per certi versi insoddisfacente e la scala della produzione non si sposa al meglio con la sede. Se questo può suonare puntiglioso, è solo perché nel teatro musicale — come nell’opera — perché il tutto funzioni al massimo, l’elenco delle parti che devono essere in perfetta forma è lungo ed esigente. Se c’è un ingranaggio o un elemento tra autori, interpreti o team creativo che stona, può trascinare giù il resto in modo sproporzionato, in confronto all’effetto zavorra che si ha nel teatro di prosa. La maggior parte degli spettacoli non supera quell’asticella altissima, ma quando ci riesce non c’è nulla in teatro che possa competere. Detto questo, Our House garantisce senz’altro una serata piacevole, con una perizia tecnica che merita grandi elogi. Our House è in scena all’Union Theatre fino al 12 settembre 2015