RESEÑA: Nuestra Casa, Teatro Union ✭✭✭

Our House

Union Theatre

21/08/15

3 estrellas

Our House es un musical jukebox que se estrenó por primera vez en el Cambridge Theatre hace más de una década. Ganó el Premio Olivier al Mejor Musical Nuevo en 2002, pero no había vuelto a montarse desde entonces. Tim Firth firma el libreto y toda la música procede del repertorio del grupo inglés de ska Madness. Esta reposición corre a cargo del director Michael Burgen y la productora Sasha Regan. Consta de dos actos y 22 números musicales repartidos a partes iguales entre ambos.

En esencia, es una historia moralizante del tipo «cualquiera». Joe Casey (Steven France) crece en Casey Street, Camden NW1, en una casa (la «nuestra casa» del título) y en una urbanización construida originalmente por su abuelo. Pero desde entonces todo ha ido a peor. Su padre (Dominic Brewer) murió tras una vida de delincuencia basada en una sucesión de malas decisiones cada vez más graves; así que Joe ha sido criado por su sufrida madre soltera, Kath (Sally Samad). En el colegio es popular, pero, a raíz de un pequeño allanamiento motivado por el deseo de impresionar a su novia Sarah (Ailsa Davidson), Joe tiene que tomar una decisión crucial: ¿se entrega a la policía que le pisa los talones o sale corriendo?

El musical explora ambas opciones en paralelo y nos invita a reflexionar sobre cuál habría sido la mejor. El Joe que huye esquiva a la ley y, tras una breve carrera delictiva, se mete en la promoción inmobiliaria y alcanza un gran éxito material; con una filantropía y un altruismo calculados, incluso logra recuperar a Sarah. Se convierte en el orgullo y la envidia de sus amigos y de la comunidad local, hasta que se ve envuelto con el mismo hombre cuya vivienda asaltó al principio. En el transcurso de un último gran golpe, arriesga echarlo todo por la borda con un acto de traición fundamental. ¿Es la suya una historia de éxito o vendió su alma desde el primer momento?

El Joe alternativo carga con la culpa del allanamiento, pero no solo recibe más de lo que esperaba en forma de condena de prisión: también descubre que eso de «pagar tu deuda con la sociedad» no existe. Cada paso que intenta dar a partir de entonces queda marcado por ese primer traspié. Se enfrenta a prejuicios y rechazos y se hunde aún más en una criminalidad no buscada. La virtud no es, en realidad, ninguna recompensa, desde luego cuando se topa con el desprecio y el progresivo alejamiento de todos sus amigos, incluida —al parecer— Sarah. Las dos historias confluyen con bastante destreza al final y la comunidad se salva.

Alrededor y dentro de estos relatos paralelos deambulan una serie de comentaristas a modo de coro: el padre de Joe, que en silencio le advierte contra repetir su propia historia, y dos parejas de amigos, Emmo y Lewis (Joseph Giacone y Joe Ashman), ambos como unos Rosencrantz y Guildenstern patosos, y Billie y Angie (Claire Learie y Chanice Alexander-Burnett), que se mueven oportunistamente entre la admiración servil y el desprecio según hacia dónde soplen los vientos de la fortuna de Joe. Los villanos llegan en la forma del señor Pressman (Rhys Owen), el turbio promotor inmobiliario, y del raterillo Reecey (Jay Osborne); completa el reparto un conjunto de siete bailarines que envejecen con los protagonistas a medida que avanza la historia.

Hay mucho en la premisa y en los valores de producción que resulta muy atractivo; pero, en mi caso, no termina de convencer. La fábula moral comparativa se intercala con pulso, pero no llega a desarrollar una complejidad mayor a partir de cierto punto, en parte porque la música no ofrece suficiente variedad de temas emocionales y de tono como para aportar matices adicionales. Además, está doblemente datada: aunque la música es producto de los años setenta y ochenta y en su forma original era bastante descarada, cínica e irónica, el ambiente y la historia se leen muy claramente como una crítica romántica a los años de Thatcher. Esto, visto desde nuestra propia era de austeridad, ahora parece algo simplista. Por ello, el resultado final no termina de encajar del todo en esta reposición, pese a algunas interpretaciones estupendas, números memorables, músicos de primera y —sobre todo— una coreografía soberbiamente dinámica, variada y enérgica.

Parte del problema reside en el propio espacio. Esto es, en esencia, un musical del West End a tamaño completo apretando contra los límites de una sala pequeña del Off-West End. Decirlo no es una crítica al teatro, que, como Stephen Collins ha señalado en numerosas ocasiones, ha presentado en los últimos años trabajos de una calidad excepcional; pero sigue siendo un encaje complicado. Los bailarines no tienen suficiente espacio para soltarse de verdad, la banda está colocada de forma un tanto encajada con líneas de visión difíciles, y algunos de los cambios intrincados del elaborado diseño de iluminación dejaron a sectores del público deslumbrados por estar demasiado cerca. No hace falta el London Palladium para este espectáculo, pero prosperaría mucho más —por ejemplo— en formato arena en el Donmar.

Entre las interpretaciones, varias destacan. Steven France demuestra una enorme resistencia física y mental en el papel central e intenta que el personaje resulte lo más simpático posible. Ailsa Davidson aprovecha al máximo las oportunidades más limitadas que tiene para desarrollar su personaje, especialmente en los momentos más tranquilos y reflexivos de la segunda mitad. Dominic Brewer te arrastra a la tristeza melancólica de las miradas retrospectivas del padre, y quiero hacer una mención especial a Rhys Owen por una serie de cameos excelentes, muy bien perfilados. El canto y el baile del ensemble mantuvieron un nivel alto de principio a fin, con una dicción limpia y un movimiento continuamente inventivo, y no solo en los números de mayor energía. Por ejemplo, me encantó especialmente la puesta en escena ingeniosa de ‘Driving in my car’, un número intrascendente que cobra vida con gran economía de gestos. El director musical Richard Baker mantiene un buen ritmo en un espectáculo largo.

Aunque esta reposición de un montaje intrigante está bien merecida, el material de base sigue siendo en algunos aspectos insatisfactorio, y la escala del espectáculo no encaja especialmente bien con el lugar. Si esto suena quisquilloso, es solo porque en el teatro musical —como en la ópera— para que el conjunto funcione en las mejores condiciones, la lista de piezas que deben estar en plena forma es larga y exigente. Si hay un engranaje o elemento entre los autores, intérpretes o el equipo creativo que chirría, puede arrastrar al resto de manera desproporcionada, más que ese efecto de lastre que se da en el teatro de texto. La mayoría de los montajes no supera ese listón tan alto, pero cuando lo hacen no hay nada en el teatro que pueda igualarlos. Dicho esto, Our House ofrece sin duda una noche muy disfrutable, con una pericia técnica a la vista que merece grandes elogios. Our House estará en cartel en el Union Theatre hasta el 12 de septiembre de 2015