CRITIQUE : Our House, Union Theatre ✭✭✭

Our House

Union Theatre

21/08/15

3 Étoiles

Our House est une comédie musicale juke-box jouée pour la première fois au Cambridge Theatre il y a plus de dix ans. Elle a remporté l'Olivier Award de la Meilleure Nouvelle Comédie Musicale en 2002, mais n'a pas été rejouée depuis. Tim Firth a écrit le livret et toute la musique provient du catalogue du groupe de ska anglais Madness. Cette reprise est l'œuvre du metteur en scène Michael Burgen et du producteur Sasha Regan. Il y a deux actes et 22 numéros musicaux divisés équitablement entre eux.

En essence, c'est un conte moral 'Everyman'. Joe Casey (Steven France) grandit à Casey Street, Camden NW1 dans une maison (la 'notre maison' du titre) et un domaine construits à l'origine par son grand-père. Mais les choses ont décliné depuis. Son père (Dominic Brewer) est mort après une carrière criminelle basée sur une série de mauvais choix progressifs; il a donc été élevé par sa mère célibataire, Kath (Sally Samad). Il est une figure populaire à l'école, mais au cours d'une effraction mineure motivée par un désir d'impressionner sa petite amie Sarah (Ailsa Davidson), Joe doit faire un choix crucial... se rendre à la police qui le traque, ou prendre la fuite.?

La comédie musicale explore les deux choix simultanément et nous invite à réfléchir sur lequel aurait été le meilleur. Le Joe qui s'enfuit échappe à la loi et, après une petite carrière criminelle, se lance dans la promotion immobilière et connaît un grand succès matériel. Grâce à une philanthropie calculée et altruisme, il parvient même à reconquérir Sarah. Il est la coqueluche et l'envie de ses amis et de la communauté locale jusqu'à ce qu'il s'implique avec l'homme même dans l'appartement duquel il avait pénétré à l'origine. Au cours d'un dernier grand coup, il risque de tout compromettre dans un acte fondamental de trahison. Son histoire est-elle une réussite ou a-t-il vendu son âme dès le départ ?

L'autre Joe assume la responsabilité de l'effraction mais obtient plus qu'il ne l'avait prévu sous la forme d'une peine de prison, tout en découvrant qu'il n'existe pas de véritable rédemption pour ses erreurs. Chaque pas qu'il essaie de franchir par la suite est entravé par cette première faute. Il fait face à des préjugés et du rejet et s'enfonce davantage dans un crime involontaire. La vertu n'est de fait aucune sorte de récompense, notamment face au mépris et à l'éloignement graduel de tous ses amis, y compris - apparemment - Sarah. Les deux histoires fusionnent assez habilement à la fin et la communauté est préservée.

Autour et au sein de ces histoires parallèles déambule une série de commentateurs chorals - le père de Joe l'avertissant silencieusement de ne pas réitérer sa propre histoire, et deux paires d'amis Emmo & Lewis (Joseph Giacone & Joe Ashman), tous deux des types Rosencrantz et Guildenstern un peu maladroits, et Billie & Angie (Claire Learie & Chanice Alexander-Burnett) qui virevoltent opportunément entre admiration flatteuse et mépris selon la direction que prennent les fortunes de Joe. Les méchants se matérialisent sous les traits de Mr Pressman (Rhys Owen), le promoteur immobilier douteux, et le petit voyou Reecey (Jay Osborne); le casting est complété par sept danseurs de l'ensemble qui vieillissent avec les personnages principaux au fur et à mesure que l'histoire progresse.

Il y a beaucoup de choses très attrayantes dans le scénario et les valeurs de production qui l'accompagnent; mais, pour moi, cela ne convainc pas tout à fait. Le conte moral comparatif est coupé au montage de manière élégante mais ne parvient pas à se développer au-delà d'un certain point en complexité, d'autant plus que la musique manque de variété de thème et ton émotionnel pour introduire des nuances supplémentaires. Cela semble également doublé dans son côté daté car, bien que la musique soit un produit des années 1970 et 80 et dans sa forme originale plutôt âpre, cynique et ironique, la mise en scène et l'histoire ressemblent beaucoup à une critique romantique sans concessions des années Thatcher. Cela paraît maintenant un peu simpliste lorsque l'on considère notre propre époque d'austérité. Le produit final ne parvient donc pas tout à fait à séduire lors de cette reprise malgré certaines performances excellentes, des morceaux mémorables, des musiciens de premier ordre et - surtout - une chorégraphie superbement dynamique, variée et énergique.

Une partie du problème réside dans l'espace lui-même. Il s'agit essentiellement d'une comédie musicale du West End pleine grandeur qui pousse aux limites d'un petit lieu de l'Off West End. Dire cela n'est pas une critique du théâtre, qui, comme Stephen Collins l'a souvent noté, a présenté ces dernières années des œuvres de qualité rare; mais cela reste une adaptation difficile. Les danseurs n'ont pas assez d'espace pour vraiment se défouler, le groupe est mal positionné avec des lignes de vue difficiles, et certains changements complexes dans le système d'éclairage élaboré ont laissé des sections du public éblouies en trop grande proximité. Vous n'avez pas besoin du London Palladium pour ce spectacle mais il s'épanouirait tellement mieux - par exemple - dans le théâtre en rond du Donmar.

Parmi les performances, certaines se démarquent. Steven France fait preuve d'une grande endurance physique et mentale dans le rôle central et essaye de le rendre aussi sympathique que possible. Ailsa Davidson exploite au maximum les opportunités plus limitées dont elle dispose pour développer son personnage, surtout dans les moments de réflexion plus calmes de la seconde moitié. Dominic Brewer vous attire dans la tristesse nostalgique des regards en arrière du père et je tiendrais à mentionner Rhys Owen pour une série de caméos excellents et finement dépeints. Le chant et la danse de l'ensemble étaient d'un haut niveau tout au long, avec une diction claire et un mouvement continuellement inventif, et pas seulement dans les numéros à haute énergie. Par exemple, j'ai été particulièrement séduit par la mise en scène pleine d'esprit de 'Driving in my car', un numéro insignifiant rendu vivant avec une grande économie de gestes. Le directeur musical Richard Baker maintient le rythme dans ce qui est un long spectacle.

Bien qu'il s'agisse d'une reprise méritée d'un spectacle intrigant, le matériau de base reste à certains égards insatisfaisant, et l'échelle du spectacle ne convient pas très bien à l'emplacement. Si cela semble mesquin, ce n'est que parce qu'en comédie musicale – comme en opéra – pour que l'ensemble réussisse au mieux, la liste des parties devant être en excellente forme est longue et exigeante. Si un engrenage ou un élément parmi les auteurs, interprètes ou équipe créative grince, cela peut faire plonger le reste de façon disproportionnée par rapport à l'effet d'ancre dans le théâtre conventionnel. La plupart des spectacles ne dépassent pas cette barre élevée mais quand ils le font, il n'y a rien dans le théâtre qui puisse les égaler. Cela dit, Our House offre assurément une soirée agréable avec une prouesse technique à l'affiche qui mérite d'être hautement saluée. Our House est à l'affiche au Union Theatre jusqu'au 12 septembre 2015