REZENSION: Student Performer des Jahres und Stiles-und-Drewe-Preis

Julian Eaves bespricht die Stephen Sondheim Society Student Performer of the Year Awards, den Stiles and Drewe Prize sowie den Stiles and Drewe Mentorship Award 2018

Alex Cardall und Julia McKenzie. Foto: David Ovenden In diesem Jahr war das exquisite Savoy Theatre Gastgeber dieser lebhaften Branchenveranstaltung, bei der 12 der führenden Musicaltheater-Absolvent*innen aus allen Teilen des Landes in einem gut gelaunten Wettbewerb ihr Können präsentierten – mit Talenten im Kernrepertoire ebenso wie in neuem Material.  Jede*r Teilnehmende muss einen Sondheim-Song singen und ausserdem ein (technisch) neues Stück von Songwriter*innen, die Mitglieder von Mercury Musical Developments sind.  MD Mark Etherington sass den ganzen Abend am Klavier und führte uns durch das prall gefüllte Programm mit 31 Musiknummern.  Durch den Abend geleitete uns die Mistress of All Ceremonies, Tracie Bennett – und ausserdem kamen auch Stiles und Drewe selbst zu Wort.

Los ging es mit einem furiosen Ensembleauftakt: „Make The Most Of Your Music“ (geschrieben für die ursprüngliche Londoner Produktion von „Follies“), bei dem die Studierenden als geschlossene Truppe zeigten, was sie in Chor- und Ensemble-Nummern leisten können.  Sondheim hat selbst mehr als einmal – auch gedruckt – angemerkt, dass er nichts für Anfänger*innen sei; aber irgendwo muss man anfangen, und dieser Blick auf die Startblöcke ihrer Laufbahnen gibt einen verlockenden Vorgeschmack darauf, welche Glanzleistungen in ein paar Jahren möglich sein könnten.  Und ohne den Aufbau einer Zukunft wird sie nicht stattfinden.

Will Carey hatte die harte Aufgabe, als Erster anzutreten – mit „Giants In The Sky“, was er sehr ordentlich meisterte.  Doch nichts konnte uns auf den umwerfend souveränen Auftritt von Alex Cardall in „Buddy's Blues“ vorbereiten: Schon mit seinem ersten Schritt auf die Bühne nahm er sie in Besitz und legte eine verblüffend körperliche Performance hin, die der Figur echtes dramatisches Leben einhauchte.  Sofort waren sich viele über den wahrscheinlichen Ausgang des Wettbewerbs ziemlich sicher: Selbst wenn er nicht gewinnen sollte – was unwahrscheinlich schien – wäre er nur schwer zu erreichen oder gar zu übertreffen.  Da er schon früh mit Musik und Theater begonnen hat und einen unersättlichen Drang zu Neuem mitbringt – etwa, indem er sich einer Contemporary-Dance-Company anschloss und heute sein Repertoire um ziemlich beeindruckende Pantomime erweitert –, ist er vor allem eines: in der Lage, sein eigener Unternehmer, Manager, Produzent und musikalischer Leiter zu sein und jedem Projekt ein starkes Gefühl für die eigene Kreativität zu geben.  Als er das Ganze mit dem brillant kontrastierten „You and Me“ krönte (einer von zwei Songs des talentierten amerikanischen MD Adam Wachter im diesjährigen Wettbewerb), wurde klar, dass seine Nachdenklichkeit und sein Gespür für theatrale Wirkung ihn nahezu uneinholbar machten.  Es überraschte niemanden, als er gewann.  Ich bin sicher, wir werden in sehr naher Zukunft noch sehr viel von ihm hören und sehen.

Wie es sich für die anderen angefühlt haben muss, danach noch auf die Bühne zu gehen, lässt sich nur erahnen – doch für alle, die sich auf solche Wettbewerbe vorbereiten, sollte es lehrreich sein: Man kann – und sollte womöglich – weit mehr tun als nur „das Erwartbare“, um Figur und Song wirklich zum Leben zu erwecken.  Dennoch zeigt die Geschichte von Wettbewerben vor allem eins: Man darf nichts als gegeben hinnehmen. Man denke nur an all jene, die nicht gewonnen oder es nicht einmal auf die Shortlist geschafft haben – und trotzdem grossartige Karrieren aufgebaut haben.

Als Nächstes kam Emily Beresford, deren „Don't Laugh“ klug und klar war.  Sabi Perez schenkte uns ein wunderschönes „Could I Leave You?“  James Stirling stürzte sich mit ganzem Körpereinsatz in „Hello, Little Girl“, inklusive eines sehr kräftigen Heulers am Ende, und Donal Finn führte uns mit „The Flag Song“ aus „Assassins“ sehr nachvollziehbar durch die Nummer.  Das alles war sehr ermutigend.  Dann aber bekamen wir einen Blick darauf, was viele, viele Jahre Erfahrung und handwerkliches Feilen bewirken können: Di Botcher, aus der jüngsten Londoner Wiederaufnahme von „Follies“, trat auf und lieferte eine perfekte Interpretation von „Broadway Baby“ – gleichermassen berauschend wie berührend.  Das war, wie man so schön sagt, genau so macht man’s.  Gesten waren auf ein Minimum reduziert, der Song war durchdacht und – am schwierigsten überhaupt – aus dem Herzen empfunden: Genau das ist bei Sondheim am schwersten zu treffen und die grösste Herausforderung für jüngere Darsteller*innen, deren Herzen – so hofft man – noch nicht ganz durch die Mühlen des Lebens gedreht wurden, wie es bei wirklich Erwachsenen oft der Fall war … jedenfalls noch nicht.  (Aber wer weiss …)

In der zweiten Hälfte kam Bonnie Badoo mit einem frechen, kraftvollen „The Ladies Who Lunch“ und kombinierte es mit dem gut ausbalancierten „Down The Stairs“, einer weiteren Nummer von Wachter.  Shelby Flannery verblüffte alle mit ihrer wunderschönen Gelassenheit in „I Wish I Could Forget You“, und sie hat für die Zukunft ganz sicher noch einige Überraschungen in petto.  Elliott Woosters leichteres „Love I Hear“ war gut gesungen – doch wie vermittelt ein Junge, kaum den Teenagerjahren entwachsen, wirklich die wissenden, ironischen Zwinker- und Stups-Momente dieses Songs?  Ich bin mir nicht ganz sicher.  Ein Blick auf den Hintergrund: Brian Davies, der das Lied 1962 erstmals sang, hatte drei Jahre zuvor die Rolle des Rolf in „The Sound of Music“ kreiert – jemand mit so viel Broadway-Erfahrung lässt sich doch beim besten Willen nicht als naives Ingenue einordnen, oder?  Andererseits zeigte Pedro Leandros heroischer Versuch mit „Being Alive“ auch einige der beängstigenden technischen Klippen, die Sondheim bereithalten kann: Das ist ein Sänger*innen-Song, und man braucht ein ganzes Bündel Technik, um ihn zu meistern; dennoch fing er sich blendend mit einem perfekt kontrollierten „Set The Alarm For Six“, einem wunderschön geschriebenen Song des Teams A C Smith und Bella Barlow – von denen wir, bitte, bitte, bitte, ganz bald sehr viel mehr hören möchten.

Derweil schienen Amara Okerekes zwei Songs – „Not A Day Goes By“ aus „Merrily“ und „Shone With The Sun“ von Benjamin Till, Nathan Taylor und Sir Arnold Wesker – faszinierend ähnliches Terrain abzudecken: Vielleicht ist es genau dieser Instinkt, der ihrer Karriere im West End bereits einen sehr vielversprechenden Start verschafft.  Tickets für „Les Miserables“ jetzt buchen.  Und Thomas Grant lieferte uns einen grossartigen Versuch der TV-Interview-Szene (ebenfalls aus „Merrily“), deren erste zwei Abschnitte sehr packend inszeniert waren, auch wenn das Energieniveau im dritten Teil etwas abfiel; seine Wahl des „neuen“ Songs, „As Long As I Have Music“ von Rob Eyles und Robert Gould, ist – wie so viele dieser MMD-Einschübe – inzwischen seit einigen Jahren im Umlauf.  Gibt es wirklich so wenig neues Material, das geschrieben oder eingereicht wird?  Das ist schwer zu glauben.

Zum Schluss kamen die drei Finalist*innen des Mentorship-Programms.  Isabella Pappas und Bradley Riches brachten uns die Gospel-Parodie mit einem einzigen Gag, „Let Out The Thunder In You“ (zuletzt vor ein paar Montagen im The Other Palace zu hören), und Thomas Sutcliffe und Kayleigh McKnight rissen uns mit einem von Andrew Lloyd Webber inspirierten „What Beauty Is“ aus einer Musicalfassung von „The Mill on the Floss“ mit.  Doch es schien nichts zu geben, was die unwiderstehliche Kraft namens Tori Allen-Martin hätte aufhalten können – mit ihrem sensationell direkten, klaren, ehrlichen und mitreissenden „He Doesn't Exist“, einem wunderschön geschriebenen, emotional wahrhaftigen Song aus einem neuen Werk von Jim Barne und Kit Buchan, deren Originalität ihre Konkurrenz deutlich überragt.  Niemand war wohl überrascht, als sie den ersten Preis holten.

Lehrreich waren auch die Wiederbesuche.  Sowohl Izuka Hoyle als auch Oscar Conlon-Morrey – die Gewinner*innen des letzten Jahres – kehrten zurück und präsentierten uns jeweils „Last Midnight“ aus „Into The Woods“ und „The Contest“ aus „Sweeney Todd“.  Was für ein wunderbar kontrastierendes Nummernpaar – und wie magisch beide umgesetzt und inszeniert waren, mit sicherem Blick dafür, was Musicaltheater spannend macht.  Hoyle schenkte uns geschmeidige Verführung, die sich in einem intensiv dramatischen Crescendo der Bedrohung an uns heranschlich; und Conlon-Morrey (mit schnell improvisierter Unterstützung von niemand Geringerem als Peter Polycarpou) zeigte erneut seinen Bravourstil, eine komplette „Szene“ zu erschaffen.  Beide Künstler*innen haben das Glück, interessante Arbeit zu machen – und reichlich davon – und machen grosse Schritte in ihrer künstlerischen Entwicklung.  Es ist grossartig, sie zum Wettbewerb zurückkehren zu sehen und zu erleben, was mit dem Anschub möglich ist, den dieses bemerkenswerte Forum bietet.

Also nochmals vielen Dank an die Society, an MMD sowie an Stiles und Drewe – und an alle anderen treuen und grosszügigen (danke, Julia McKenzie und Tracie Bennett) Unterstützer*innen.  Das Musicaltheaterleben in diesem Land wäre ohne euch alle schlicht nicht dasselbe.