RECENSIONE: Performer Studentesco dell'Anno e Premio Stiles e Drewe

Julian Eaves recensisce gli Stephen Sondheim Society Student Performer of the Year Awards, lo Stiles and Drewe Prize e lo Stiles and Drewe Mentorship Award 2018

Alex Cardall e Julia McKenzie. Foto: David Ovenden Quest’anno lo splendido Savoy Theatre ha ospitato questo vivace appuntamento del settore, in cui 12 tra i migliori neodiplomati di musical theatre provenienti da ogni angolo del Paese hanno messo in mostra le proprie capacità in una competizione dall’atmosfera cordiale, pensata per valorizzare talenti sia nel repertorio “classico” sia in quello nuovo.  Ogni concorrente deve eseguire un brano di Sondheim e anche un lavoro (tecnicamente) inedito di autori membri di Mercury Musical Developments.  Il direttore musicale Mark Etherington è stato al pianoforte per tutta la serata, guidandoci attraverso un programma densissimo di 31 numeri musicali.  A condurre lo spettacolo, nelle mani affettuose della nostra “Mistress of All Ceremonies” Tracie Bennett, e abbiamo anche ascoltato Stiles and Drewe in persona.

Si è partiti col botto nell’ensemble con “Make The Most Of Your Music” (scritto per la produzione londinese originale di “Follies”), dove gli studenti hanno fatto squadra mostrando cosa sanno fare con brani corali o d’insieme.  Sondheim stesso ha osservato più volte, anche per iscritto, che non è materiale per principianti; ma da qualche parte bisogna pur cominciare, e questa finestra sui blocchi di partenza delle loro carriere offre un assaggio stuzzicante delle possibili meraviglie che potrebbero arrivare tra qualche anno.  E se non si costruisce un futuro, quel futuro non accadrà.

Will Carey ha avuto l’ingrato compito di aprire le danze con “Giants In The Sky”, che ha gestito davvero bene.  Ma nulla poteva prepararci alla prova straordinariamente compiuta offerta da Alex Cardall in “Buddy’s Blues”: dal suo ingresso, ha conquistato il palco come se fosse casa sua, lanciandosi in un numero fisicissimo e scintillante che ha dato autentica vita drammatica al personaggio.  Da subito, per molti non ci sono stati dubbi sul probabile esito della gara: anche se non avesse vinto — cosa che pareva improbabile — sarebbe stato un avversario durissimo da eguagliare o superare.  Avendo iniziato a fare musica e teatro in giovane età, e con un appetito vorace per le novità — come andare a unirsi a un gruppo di danza contemporanea e, oggi, cimentarsi anche in un mimo davvero notevole — è in grado, cosa cruciale, di essere imprenditore di se stesso, manager, produttore e direttore musicale, portando un forte senso della propria creatività in ogni progetto.  Quando ha chiuso con il brillantemente contrastato “You and Me” (uno dei due brani del talentuoso MD americano Adam Wachter in gara quest’anno), è diventato evidente che la sua sensibilità e la sua comprensione dell’effetto teatrale lo collocavano in una posizione praticamente inespugnabile.  Non è stato una sorpresa quando ha vinto.  Sono certo che lo sentiremo e lo vedremo molto di più, e molto presto.

Come debba essere stato per gli altri entrare in scena dopo quel numero, è difficile dirlo; ma credo sia una lezione per tutti coloro che si preparano a competizioni simili: si può — e probabilmente si dovrebbe — fare molto più del semplice “compitino” per far esistere davvero personaggio e canzone.  Ciononostante, la storia dei concorsi insegna a non dare nulla per scontato: pensate a quanti non hanno vinto, o non sono nemmeno arrivati in shortlist, e hanno comunque costruito carriere straordinarie.

Poi è stata la volta di Emily Beresford, il cui “Don’t Laugh” è stato intelligente e nitido.  Sabi Perez ci ha regalato un delizioso “Could I Leave You?”.  James Stirling si è buttato a capofitto in “Hello, Little Girl”, includendo un ululato finale davvero potente, e Donal Finn ci ha accompagnati con chiarezza in “The Flag Song” da “Assassins”.  Tutto questo è stato molto incoraggiante.  Ma poi abbiamo avuto una dimostrazione di ciò che molti, molti anni di esperienza e affinamento del mestiere possono ottenere: Di Botcher, dal recente revival londinese di “Follies”, è salita sul palco per offrire una versione perfetta di “Broadway Baby” — esaltante e commovente in egual misura.  Ecco, come si suol dire, come si fa.  I gesti ridotti al minimo, il brano pensato in ogni dettaglio e — la cosa più difficile da centrare — sentito dal cuore: questo è davvero l’aspetto più arduo con Sondheim, e la richiesta più impegnativa per interpreti giovani il cui cuore, si spera, non sia stato ancora trascinato nel tritacarne della vita come può accadere agli adulti più adulti… almeno non ancora.  (Ma chissà…)

Nella seconda parte è arrivata Bonnie Badoo con una “The Ladies Who Lunch” sfacciata e grintosa, abbinandola a un “Down The Stairs” ben equilibrato, un altro numero di Wachter.  Shelby Flannery ha lasciato tutti a bocca aperta con la sua splendida compostezza in “I Wish I Could Forget You”, e di certo ha molte altre sorprese in serbo per noi in futuro.  Il più leggero “Love I Hear” di Elliott Wooster è stata una buona prova — ma come può un ragazzo che ha a malapena superato l’adolescenza rendere davvero gli ammiccamenti ironici e consapevoli del pezzo?  Non ne sono del tutto sicuro.  Guardate il contesto: Brian Davies, che introdusse la canzone nel 1962, tre anni prima aveva creato il ruolo di Rolf in “The Sound of Music”: qualcuno con così tanta esperienza a Broadway non può essere classificato, seriamente, come un ingenuo, no?  Dall’altra parte, il tentativo eroico di Pedro Leandro con “Being Alive” ha messo in luce alcuni inquietanti pericoli tecnici che Sondheim può presentare: questa è una canzone da cantanti e serve un bel pacchetto di tecnica per dominarla; nondimeno, si è ripreso alla grande con un “Set The Alarm For Six” perfettamente controllato, un brano meravigliosamente scritto dal team A C Smith e Bella Barlow, dai quali — per favore, per favore, per favore — vogliamo sentire molto di più, e presto.

Intanto, i due brani di Amara Okereke — “Not A Day Goes By” da “Merrily” e “Shone With The Sun” di Benjamin Till, Nathan Taylor e Sir Arnold Wesker — sembravano esplorare territori sorprendentemente simili: forse è proprio questo istinto che sta già dando alla sua carriera un inizio promettentissimo nel West End: prenotate “Les Miserables” adesso.  E Thomas Grant ci ha offerto un’ottima interpretazione della scena dell’intervista televisiva (anch’essa da “Merrily”), le cui prime due sezioni erano messe in scena in modo molto avvincente, anche se l’energia calava un po’ nella terza; la sua scelta di brano “nuovo”, “As Long As I Have Music” di Rob Eyles e Robert Gould, come molte di queste interpolazioni MMD, gira da qualche anno ormai.  Davvero c’è così poca nuova materia che venga scritta o inviata?  Sembra difficile da credere.

Infine sono arrivati i tre finalisti del Mentorship Programme.  Isabella Pappas e Bradley Riches ci hanno proposto la parodia gospel “a barzelletta unica” “Let Out The Thunder In You” (ascoltata più di recente un paio di lunedì fa, a The Other Palace), e Thomas Sutcliffe e Kayleigh McKnight ci hanno travolti con “What Beauty Is”, ispirato ad Andrew Lloyd Webber, da una versione musical di “The Mill on the Floss”.  Ma non sembrava ci fosse nulla che potessero fare per fermare la forza irresistibile che è Tori Allen-Martin, con il suo sensazionale “He Doesn’t Exist”, diretto, limpido, onesto e coinvolgente: una canzone splendida ed emotivamente verissima, da un nuovo lavoro di Jim Barne e Kit Buchan, autori la cui originalità svetta nettamente sopra quella dei concorrenti.  Nessuno si è stupito, di certo, quando hanno conquistato il primo premio.

E, cosa istruttiva, abbiamo avuto anche dei “ritorni”.  Sia Izuka Hoyle sia Oscar Conlon-Morrey — vincitori dell’anno scorso — sono tornati a regalarci rispettivamente “Last Midnight” da “Into The Woods” e “The Contest” da “Sweeney Todd”.  Che coppia di numeri meravigliosamente contrastanti, e con quanta magia entrambi sono stati realizzati e messi in scena, con un’intuizione sicura di ciò che rende entusiasmante il musical theatre.  Hoyle ci ha dato una seduzione elegante, che si avvicinava strisciando in un crescendo intensamente drammatico di minaccia; e Conlon-Morrey (con un supporto improvvisato al volo da nientemeno che Peter Polycarpou) ci ha mostrato ancora una volta il suo stile spericolato nel creare una “scena” totale.  Entrambi questi artisti sono abbastanza fortunati da essere impegnati in lavori interessanti — e tanti — facendo passi da gigante nella crescita delle loro carriere.  È splendido vederli tornare alla competizione, mostrando cosa si può fare con la spinta che questo straordinario palcoscenico sa offrire.

Dunque, ancora una volta, un enorme grazie alla Society, a MMD, a Stiles and Drewe e a tutti gli altri sostenitori fedeli — e generosi (grazie, Julia McKenzie e Tracie Bennett) —.  La vita del musical theatre nel Regno Unito semplicemente non sarebbe la stessa senza tutti voi.