REZENSION: The Glass Protégé, Park 90 ✭✭

The Glass Protégé

Park 90

17. April 2015

2 Sterne

Neue Theatertexte brauchen Fürsprecher. Das war schon immer so – und im 21. Jahrhundert, in dem die Aufmerksamkeitsspannen kurz sind, Reality-TV Millionen begeistert und es kaum Anreize gibt, ins Theater zu gehen, um neue Stücke zu entdecken, gilt das mehr denn je. Dringender denn je. Die traurige Wahrheit ist: Wiederaufnahmen von Klassikern (und Katastrophen) ziehen leichter und schneller Publikum an als neue Stücke.

Oft versuchen Produzenten, dieses Problem zu lösen, indem sie Stars besetzen – Menschen, von denen sie glauben, dass sie Publikum anlocken. Manchmal sind es auch die PR-Bilder, die als Köder dienen. So ist es ganz klar bei The Glass Protégé, das derzeit im Park 90 läuft. Seit einiger Zeit wirbt ein hartes, auffälliges Motiv: zwei gut aussehende Männer, in einer romantischen Umarmung verfangen, im Stil eines Hollywood-Film-noir. Es ist der Vorbote der UK-Premiere von Giant Cherry Productions – eine Neubearbeitung von Dylan Costellos Stück Secret Boulevard (2010).

Das Problem: Das Bild untergräbt die innewohnende Dramaturgie des Stücks. Der gesamte erste Akt von Costellos Stück dient dem Aufbau: Er legt das Fundament, steckt den Rahmen ab, deutet die Konsequenzen der fleischlichen Beziehung zwischen zwei Hollywood-Schauspielern im Jahr 1949 an. Der Moment, in dem der Umworbene dem Werbenden in die Arme – und auf die Lippen – stürzt, soll der Höhepunkt des ersten Akts sein. Doch die Werbebilder, ja sogar das Programmcover, haben diese Karte bereits ausgespielt.

Die Inhaltsangabe im Programm lautet wie folgt: "Hollywood 1949. Eine Zeit, in der die Filme König waren und die Filmstars lediglich Schachfiguren der Studiobosse. Eine Zeit, in der Leidenschaft bejubelt, Sex aber nie besprochen wurde. Als der junge britische Schauspieler Patrick Glass eine skandalöse homosexuelle Affäre mit seinem berühmten Co-Star beginnt, spürt er die volle Wucht der karrierezerstörenden Macht des Studios. Vierzig Jahre später, als Wahrheiten aus der Vergangenheit ans Licht kommen, werden die wahren Folgen dieser "inakzeptablen" Romanze sichtbar."

Zusammen mit dem Werbemotiv legt diese Zusammenfassung nahe, dass es in dem Stück um Glass’ Schwierigkeiten mit den Studiobossen aufgrund seiner Sexualität geht – und um unerwartete Konsequenzen Jahrzehnte später. Die Realität ist eine andere.

Denn nach dem Besuch ist man sich nicht ganz sicher, worin der Zweck des Stücks liegt, welche Aussage der Autor treffen will oder welche Geschichte er erzählen möchte. Keine neuen Einsichten in das Hollywood der späten Vierziger; keine neuen Einsichten in menschliche Beziehungen oder die Folgen von Machtmissbrauch. Der Dialog ist weder pointiert genug noch poetisch genug, um aus sich heraus zu tragen; nichts an der Inszenierung schafft einen Schleier der Enthüllung oder einen Mondstrahl der Offenheit. Hier ist nichts wirklich neu.

Es stimmt: Die Produktion ist kompromisslos in ihrer Darstellung männlicher Verführung unter Männern. Aber ob das als Rechtfertigung für die Präsentation eines Dramas reicht, ist fraglich. Vielleicht ist genau das der Punkt? Vielleicht müssen Stücke wie The Glass Protégé einfach gemacht werden – so wie unzählige neugierige/öde/wertlose Stücke über heterosexuelle Liebe gemacht wurden. Denn nur, wenn sie routinemäßig entstehen, werden irgendwann auch die großartigen geschrieben?

Dennoch liegt die Hauptschwierigkeit dieser Produktion darin, dass die Regie – das Konzept der Inszenierung – so schwach ist, dass jedes mögliche Interesse am Text vollständig in einer verschwommenen Wolke der Belanglosigkeit untergeht. Regisseur Matthew Gould hat dem Stück keinen Stempel aufgedrückt, und seine Inszenierung tut wenig, um Wert oder Potenzial zu verkaufen. Das Ganze spielt sich wie eine schlechte Folge von EastEnders goes to Hollywood. Man meint das "doof-doof" am Ende mancher Szenen fast zu hören.

Auch der Dialog hilft nicht. Kalauer wie "Wenn man im Schrank lebt, fängt man irgendwann an, Mottenkugeln hochzuhusten" müssen als ernsthafte Beobachtungen geliefert werden – nicht als Konter von Blanche aus The Golden Girls. Am Höhepunkt der 1949-Handlung kommt es zu diesem Austausch:

"Du Arschloch!

Du bist doch der, der sie fickt"

Trivialität trifft es nicht annähernd – so plump klappert dieser Dialog.

Die Handlung könnte man für eine weit entfernte Galaxie halten, so viele schwarze Löcher hat sie. Der junge, gutaussehende Oxford-Bursche Patrick, geplagt von Schuld, weil seine Eltern während des Krieges (durch eine Bombe) in der Nacht starben, als er ausging, nimmt ein Angebot an, eine kleine Rolle in einem Hollywood-Blockbuster zu spielen. Als er ankommt, erklärt ihm ein böser, manipulativer Hollywood-Mogul, dass er nun die Co-Hauptrolle habe – weil der ursprünglich vorgesehene Schauspieler in einem Skandal um drei Mädchen und Kokain aufgeflogen ist. Patrick nimmt an und trifft seinen Co-Star: den rauchig-gutaussehenden Matinée-Idol Jackson, einen Frauenhelden und Hedonisten, der Sex mit Männern mag.

Schon bald hat Jackson Patrick seinen Penis gezeigt, um das Interesse auszuloten – doch Patrick beteuert Desinteresse. Dennoch entwickelt sich eine Freundschaft, und nach einer Party, im Dunst von Alkohol und Zigaretten, küsst Patrick Jackson, und sie haben Sex. Viermal. Dann streiten sie sich kurz und haben wieder Sex. Beide behaupten, sofort, auf der Stelle, die wahre Liebe gefunden zu haben.

Ihre eifersüchtige, betrunkene Kollegin verrät sie mehr oder weniger an eine Kuh, die Klatschkolumnistin ist (eine Art Mischung aus Ming dem Grausamen, Hedda Hopper und Louella Parsons) – und die Kuh verrät wiederum sie, woraufhin sie sich umbringt. Danach erpresst die Kuh den Mogul und zeigt ihm Fotos von Patrick und Jackson in flagranti. Ja, richtig – Fotos von ihnen beiden.

Aber der Mogul feuert nur Jackson. Verzweifelt schmieden er und Patrick Pläne, gemeinsam durchzubrennen und im Glück zu leben. Doch als Patrick hingeht, um dem Mogul seine Meinung zu sagen, bietet dieser ihm die Hauptrolle im Film an – und verspricht, ihn mit einer Frau zu verheiraten und innerhalb eines Jahres ein Kind zu haben. Aus Gründen, die nie wirklich ausgesprochen werden, vergisst Patrick seine spontane, wahre Liebe erstaunlich schnell. Oder etwa nicht?

Dann gibt es noch eine zweite Handlungsebene, vierzig Jahre später, im Jahr 1989. Sie umfasst eine weitere arrangierte Ehe sowie die ältere Version von Patrick und den erwachsenen, vertraglich gebundenen Sohn. Auch das ist ermüdend vorhersehbar – obwohl es einen Moment echten Interesses gibt, eine Art kleine Wendung, die immerhin etwas ist.

Leider ist das Spiel größtenteils ebenso unwahrscheinlich und unglaubwürdig wie die Erzählung. Eindimensionale Klischees sind die Faustregel.

Die Ausnahmen sind, glücklicherweise, die beiden Hauptdarsteller. Trotz allem, was ihm der Text in den Weg legt, ist Alexander Hulme als Jackson fesselnd und charismatisch – und man erhascht einen Blick darauf, was eine gequälte Schönheit, gefangen in der Welt eines anderen Mannes, erleiden kann. Den Redneck spielt er gut, ebenso den Lothario; doch es gibt eine Zerbrechlichkeit, eine Verletzlichkeit, die vom Star-Getue überdeckt wird – und die Jackson zur komplexesten Figur macht, die wir hier sehen.

David R Butler ist als Patrick am stärksten in seinen Szenen mit Hulme; gemeinsam zeichnen sie die Intimität einer Freundschaft, die zu Lust und dann zu Liebe wird, sehr gut nach. Mit anderen wirkt Butler merkwürdig steif – was auch Absicht sein könnte, um Patricks Anziehung und Interesse an Jackson zu unterstreichen.

Beide haben gute Sprechstimmen und gehen mit den sinnlichen Küssen und der vollständigen Frontnacktheit souverän um. Die glaubwürdigste Szene des Abends entsteht im Dunst ihres ersten Liebesspiels.

Wenn die 1989-Handlung im Stück bleiben soll, braucht sie eine deutliche Straffung und klareren Fokus. So wie es ist, hat nur die 1949-Handlung echtes Interesse – und das liegt eher an Chemie und Können der Schauspieler als am Text.

Ein großes Himmelbett dominiert Jean Greys Bühnenbild und rückt den Akt des Sex buchstäblich wie metaphorisch ins Zentrum. Das wirkte etwas grobschlächtig, auch wenn das Hollywood-Schild darüber (inklusive des Wortes "land", das 1949 entfernt wurde – wer hätte das gedacht?) ein kluger Rahmen war. Die Kostüme reichen von köstlich bis bizarr, doch das Zeitgefühl ist in beiden Zeitebenen reichlich vorhanden.

Dieses Stück hatte bereits ein früheres Leben und eine Resonanz in Chicago, die klügere Köpfe vermutlich zurück in einen Workshop geschickt hätte. Diese Spielserie wird dem Autor hoffentlich ermöglichen, klar zu erkennen, was funktioniert und was neu gedacht werden muss. In diesen trüben Gewässern schwimmt ein interessantes Stück herum. Mit Ausdauer könnte Costello es finden.

Das Park Theatre ist ein Verfechter neuer Arbeiten – möge es lange gedeihen. The Glass Protégé läuft bis zum 9. Mai 2015 im Park Theatre – Hier buchen