REZENSION: The Hired Man, Union Theatre ✭✭✭

Die Besetzung von The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

The Hired Man

Union Theatre

22. Juli 2017

3 Sterne

Jetzt buchen Kürzlich haben wir Andrew Linnie in einem Konzert in der Cadogan Hall erlebt – vermutlich das, was für lange Zeit als die definitive Interpretation dieses Stücks gelten wird: Howard Goodalls erstes Musical-Drama und sein Durchbruch.  Jede Truppe, die es in Angriff nimmt, während die Erinnerung an jenen Erfolg beim Publikum noch frisch ist, muss alle Register ziehen, um es mit den ihr zur Verfügung stehenden Mitteln bestmöglich zu vertreten.  Das Union Theatre hat ganz gewiss – immer wieder – bewiesen, dass seine Miniaturproduktionen ästhetisch und künstlerisch mit allem mithalten können, was größere Formate bieten: „Chess“ oder „Bad Girls“ sind nur zwei Beispiele aus den letzten Spielzeiten, die das belegt haben.  Entsprechend hoch waren die Erwartungen, als das Union ankündigte, diese Show wiederaufzunehmen; wir dachten über ihren etablierten Platz in Goodalls „Trilogie“ aus „The Dreaming“, „Love Story“ und „Girlfriends“ nach.  Was würde uns erwarten?

Die vorliegende Produktion ist jedenfalls hervorragend besetzt.  Ifan Gwilym-Jones ist ein aufrichtiger, innerlich zerrissener John Tallentire, und Rebecca Gilliland eine klarstimmige, stets glaubwürdige Emily.  Luke Kelly gibt als Jackson Pennington eine kühne, unverblümte Quelle ehelicher Turbulenzen, und Christopher Lyne einen nüchternen, an Des Grieux erinnernden Pennington. Weitere Rollen übernehmen Kara Taylor Alberts, Jack McNeill, Sam Peggs, Jonathan Carlton, Megan Armstrong, Matthew Chase, Rebecca Withers, Aaron Davey, Laurel Dougall und Nick Brittain.  Merkwürdigerweise ist jedoch die magnetischste Bühnenpräsenz des Abends ausgerechnet ein Ensemblemitglied, das über den ganzen Abend kaum zwei Zeilen Text bekommt: Lori McLare. Sie ist eine echte Entdeckung – mit markanten Gesichtszügen, die ein ständig wechselndes Spektrum an Ausdruck und Stimmung tragen, einem beinahe tänzerisch-ballettartigen Bewegungsgefühl und der Fähigkeit, selbst völlig reglos noch faszinierend zu sein.  Man fragt sich, woher ihre minutiöse Detailgenauigkeit kommt, denn sie scheint nicht gerade ein Merkmal der Produktion als Ganzes zu sein.

The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

Dies ist eine epische Familiengeschichte in stürmischen Zeiten: vom Leben als Landarbeiter über die Kohlegruben in die Schützengräben – und schließlich zurück aufs Land.  Die einzelnen Episoden müssen klar herausgearbeitet werden, und die Kette von Ereignissen, die uns von einer zur nächsten führt, muss vollkommen transparent und glaubwürdig sein.  Selbst die Originalproduktion dieses Werks – als ich sie im Astoria Theatre im West End gesehen habe – tat sich damit stellenweise schwer.  Umso bemerkenswerter war es, wie Samuel Hopkins in der Cadogan Hall das „Geschehen“ auf der schmalen Spielfläche gegen alle Widrigkeiten mit erstaunlicher Klarheit und Natürlichkeit erzählte.  Dort wurden Projektionen statt Möbel und Requisiten genutzt, um wechselnde Orte spürbar zu machen.  Der Chor wurde sparsam eingesetzt, nur dann hinzugezogen, wenn er singen musste – in einer oratorienhaften Manier –, wodurch der Fokus stärker auf den zentralen Figuren lag.  Bezeichnenderweise wusste Hopkins genau, wann er die Handlung anhalten und Stille und Schweigen als beredte Satzzeichen wirken lassen musste: Der Text ist oft knapp geschrieben, besonders dort, wo innere psychologische Prozesse skizziert werden, die die Hauptfiguren vorantreiben.  Den Schauspieler*innen muss Zeit gelassen werden, die Handlungen der anderen zu „verdauen“, und auch das Publikum braucht Zeit, das zu erfassen.

Hier scheint eher die entgegengesetzte Methode zu gelten.  Das Ensemble ist auf der Bühne und über weite Strecken der Produktion geschäftig damit beschäftigt, eine ganze Reihe naturalistischer Tätigkeiten auszuführen.  Nicht nur das: Das kleine, dreiköpfige Ensemble unter der Treppe (Richard Bates, musikalische Leitung und Keyboard, Sophia Goode, Violine, und Dominic Veall, Cello) scheint nahezu ohne Unterbrechung zu spielen. Weite Dialogpassagen werden inzwischen von einem munter plätschernden Strom aus Sechzehnteln umspült – Musik, die die Wirkung dessen, was darüber gesagt wird, tendenziell abschwächt (oder – was häufiger der Fall ist – darunter).  Mich würde interessieren, wie viele Menschen finden, dass ihnen das hilft, sich stärker mit den Sprechenden zu identifizieren.  Und ebenso gern wüsste ich, was die Darsteller*innen davon halten, (a) so hart arbeiten zu müssen, um überhaupt über die Band hinweg hörbar zu sein, und (b) noch härter arbeiten zu müssen, um Gedanken und Ideen auszudrücken, die im Ton oft im Gegensatz zu der gerade gespielten Musik stehen.  Und wenn man dann noch bedenkt, dass der Regisseur alle barfuß auftreten lässt (der arme Ifan Gwilym-Jones hat sich wegen dieser erstaunlichen Vorgabe bereits sichtbar verletzt), stellt man sich vermutlich einige ziemlich ernste Fragen zu den Absichten dieser Produktion.

The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

Damit enden die Probleme nicht.  Als wäre das alles nicht genug, ist es im Saal ziemlich warm, und eine funktionierende Klimaanlage gibt es nicht.  Stattdessen laufen während der gesamten Vorstellung mindestens zwei recht laute Maschinen, deren Zweck – so scheint es – darin besteht, etwas kühlere Luft in die schwüle Atmosphäre des Zuschauerraums zu pumpen.  Die Absicht ist ehrenwert, das Ergebnis unerquicklich.  Traurigerweise fühlt es sich für das Publikum inzwischen an, als müssten die Darsteller*innen die Show im Maschinenraum der RMS Titanic spielen – ein Eindruck, den Justin Williams’ und Jonny Rusts Bühnenbild noch verstärkt: eine klaustrophobische Wand aus Holzplatten, die durchaus an Not-Reparaturen an einem beschädigten Schiff erinnert.  Dazu kommen Kostüme, die sich über die vergehenden Jahrzehnte kaum verändern (danke an Carrie-Ann Stein), und ein Lichtdesign (von dem vergleichsweise unerfahrenen Stuart Glover), das fast nach Belieben an- und ausgeht, hoch- und runterfährt und von links nach rechts wandert – häufig vollkommen unabhängig vom Bühnengeschehen. Das ist ein Rezept für ein ziemlich eindeutiges Desaster.

Es ist ganz der Besetzung zu verdanken, dass diese Katastrophe abgewendet wird.  Sie kämpft sich heldenhaft durch alle Hindernisse, die ihr in den Weg gelegt werden, und tut, was sie kann, um aus diesem Chaos eine glaubwürdige und schöne Leistung zu retten – auch wenn viele von ihnen über weite Strecken irritierend verloren und ziellos wirken.  Charlotte Tooths Choreografie ist in den Ensemble-Momenten oft sehr einfühlsam, auch wenn sie ebenso ratlos zu sein scheint, worum es dieser Produktion eigentlich gehen will.  Ich bin sicher, Regisseur Brendan Matthew hat Gründe für seine Entscheidungen, und ich wünschte, ich könnte sagen, ich wüsste, welche – doch vorerst entziehen sie sich mir.  Das ist schade.  Seine jüngste Produktion von „My Land's Shore“ für Ye Olde Rose & Crowne (ebenfalls eine epische Geschichte über Menschen aus der Arbeiterklasse) war meisterhaft und von großer Autorität.  Hier arbeitet er mit einigen Mitgliedern jener Besetzung und einem Großteil desselben Kreativteams – doch derselbe Zauber scheint sich nicht eingestellt zu haben, und wer kann sagen, warum?

Unterdessen gibt es hier eine ordentliche Wiedergabe des Textes – eine, die funktioniert, besonders wenn man nichts Besseres gesehen hat.  Diese Inszenierung wird vermutlich nicht als eine der erfolgreicheren Produktionen des Union in die Annalen eingehen.  Ich hoffe, dass daraus wertvolle Lehren gezogen werden.  Die Besetzung verdient unsere Unterstützung und Anerkennung; alle anderen – bitte versucht, ihnen mehr zu helfen.

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