RESEÑA: The Hired Man, Union Theatre ✭✭✭

El reparto de The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

The Hired Man

Union Theatre

22 de julio de 2017

3 estrellas

Reservar ahora Hace poco vimos a Andrew Linnie en un concierto en Cadogan Hall ofrecer, probablemente, la que durante mucho tiempo se considerará la interpretación definitiva de esta obra: el primer gran musical teatral de Howard Goodall, el que lo dio a conocer.  Cualquier compañía que se atreva con ella, con el recuerdo de ese éxito aún fresco en la memoria del público, tiene que afinar muchísimo para defenderla de la mejor manera posible, con los medios de que disponga.  El Union Theatre, desde luego —una y otra vez— ha demostrado que sus producciones en miniatura pueden estar a la altura estética y artística de cualquier montaje a mayor escala: ‘Chess’ o ‘Bad Girls’ son solo dos ejemplos de las últimas temporadas que lo han dejado claro.  Por eso las expectativas estaban por las nubes cuando el Union anunció que recuperaba este título; recordamos su legado ya asentado dentro de la ‘trilogía’ de Goodall, junto a ‘The Dreaming’, ‘Love Story’ y ‘Girlfriends’.  ¿Qué nos esperaba?

El montaje que tenemos aquí, desde luego, está muy bien repartido.  Ifan Gwilym-Jones compone un John Tallentire sincero y atormentado, y Rebecca Gilliland aporta una Emily de voz clara y siempre veraz.  Luke Kelly es un Jackson Pennington audaz y directo, auténtico foco de conflictos conyugales, y Christopher Lyne encarna a un Pennington sobrio, a lo Des Grieux; los demás papeles destacados recaen en Kara Taylor Alberts, Jack McNeill, Sam Peggs, Jonathan Carlton, Megan Armstrong, Matthew Chase, Rebecca Withers, Aaron Davey, Laurel Dougall y Nick Brittain.  Curiosamente, la presencia escénica más magnética de la noche es la de una integrante del ensemble que apenas tiene dos frases en toda la función, Lori McLare: es todo un descubrimiento, con unos rasgos muy expresivos que proyectan un abanico cambiante de estados de ánimo, una forma de moverse casi de bailarina y la capacidad de resultar fascinante incluso estando completamente quieta.  Uno se pregunta de dónde sale esa atención minuciosa al detalle, porque no parece ser una cualidad del conjunto de la producción.

The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

Se trata de un relato épico sobre una familia en tiempos convulsos, que traza su recorrido desde el trabajo en la tierra, pasando por las minas de carbón, luego las trincheras y, por último, de vuelta al campo.  Los episodios concretos deben articularse con claridad, y la cadena de acontecimientos que nos lleva de uno a otro tiene que resultar perfectamente transparente y verosímil.  Incluso la producción original de esta obra —cuando la vi en el Astoria Theatre del West End— a veces tenía dificultades para lograrlo.  De manera notable, la dirección de Samuel Hopkins de la ‘acción’ en la estrecha tarima de Cadogan Hall, contra todo pronóstico, sí contaba la historia con una claridad y una naturalidad asombrosas.  Allí, se recurrió a proyecciones —en lugar de mobiliario y atrezzo— para crear la sensación de cambio de lugar.  El coro se utilizaba con contención, entrando solo cuando era necesario cantar, de un modo casi oratorístico, lo que fijaba aún más el foco en los personajes centrales.  Y, de forma reveladora, Hopkins sabía exactamente cuándo detener la acción y permitir que la quietud y el silencio funcionaran como signos de puntuación elocuentes: el libreto a menudo está escrito con economía, especialmente a la hora de delinear los procesos psicológicos interiores que empujan a los protagonistas.  A los actores hay que darles tiempo para ‘digerir’ las acciones de los demás, y el público necesita tiempo para asimilarlo.

Aquí, más bien parece aplicarse la metodología opuesta.  El ensemble permanece en escena y está ocupado, con gran ajetreo, en toda clase de acciones naturalistas durante buena parte de la función.  No solo eso: el pequeño conjunto de tres músicos escondido bajo la escalera (Richard Bates, director musical y teclados; Sophia Goode, violín; y Dominic Veall, violonchelo) parece tocar casi sin interrupción: enormes tramos de diálogo quedan ahora envueltos en un alegre y parlanchín torrente de corcheas, una música que tiende a suavizar el impacto de cualquier cosa que se diga por encima o —como ocurre más a menudo— por debajo de ella.  Me gustaría saber cuánta gente siente que esto les ayuda a identificarse más con quienes hablan.  También me encantaría conocer la opinión de los actores sobre lo que supone tener que (a) esforzarse lo suficiente como para que se les oiga por encima de la banda, y (b) esforzarse aún más para expresar pensamientos e ideas que a menudo son de un tono contrario a la música que está sonando.  Y cuando consideras que el director les ha hecho actuar a todos descalzos (el pobre Ifan Gwilym-Jones ya ha sufrido una lesión visible por esta asombrosa exigencia), es fácil que uno empiece a hacerse preguntas bastante serias sobre las intenciones de la producción.

The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

Los problemas no terminan ahí.  Por si todo esto fuera poco, la sala es bastante calurosa y no dispone de un sistema de aire acondicionado operativo.  En su lugar, al menos dos máquinas bastante ruidosas se dejan funcionando durante toda la representación; su propósito —al parecer— es bombear algo de aire más fresco al ambiente templado del auditorio.  La intención es loable; los resultados, lamentables.  Por desgracia, ahora el público siente como si los actores tuvieran que representar el espectáculo en la sala de máquinas del RMS Titanic, una impresión reforzada por el diseño de escenografía de Justin Williams y Jonny Rust: una pared claustrofóbica de tablones de madera que recuerda, en efecto, a reparaciones de emergencia en un barco averiado.  Suma a eso unos vestuarios que apenas cambian con el paso de las décadas (obra de Carrie-Ann Stein) y una iluminación (de un relativamente inexperto Stuart Glover) que se enciende y se apaga, sube y baja y va de izquierda a derecha casi a voluntad y a menudo totalmente al margen de la acción escénica, y tienes la receta de un desastre bastante definitivo.

Es mérito absoluto del reparto que se evite la catástrofe.  Luchan con heroicidad contra todos los obstáculos que se les ponen por delante y hacen lo posible por rescatar de este caos una interpretación creíble y hermosa, aunque muchos de ellos, durante buena parte del tiempo, sí dan la impresión inquietante de estar perdidos y sin rumbo.  La coreografía de Charlotte Tooth suele ser muy sensible en los momentos de conjunto, aunque ella parece tan desconcertada como cualquiera a la hora de entender qué pretende ser esta producción.  Estoy seguro de que el director Brendan Matthew tiene sus razones para sus elecciones, y me gustaría poder decir que sé cuáles son, pero por ahora se me escapan.  Es una pena.  Su reciente producción de ‘My Land's Shore’ para Ye Olde Rose & Crowne (un relato igualmente épico sobre gente de clase trabajadora) fue magistral y imponente.  Trabajando aquí con parte de aquel reparto y con buena parte del mismo equipo creativo, esa misma magia no parece haberse producido… y quién sabe por qué.

Mientras tanto, aquí se ofrece una versión más que correcta del texto, y que puede servir, sobre todo si no has visto nada mejor.  Puede que esta no pase a la historia como una de las producciones más logradas del Union.  Espero que se extraigan lecciones valiosas de ella.  El reparto merece nuestro apoyo y reconocimiento; a todos los demás: por favor, intentad ayudarles más.

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