RECENSIONE: The Hired Man, Union Theatre ✭✭✭

Il cast di The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

The Hired Man

Union Theatre

22 luglio 2017

3 stelle

Prenota ora Di recente abbiamo visto Andrew Linnie in un concerto alla Cadogan Hall offrire quella che, con ogni probabilità, verrà considerata a lungo la prova definitiva di questo lavoro: la prima pièce musicale di Howard Goodall, quella che ne ha segnato la svolta.  Qualsiasi compagnia che lo riprenda, con il ricordo di quel successo ancora vivo nella mente del pubblico, deve avere davvero tutte le carte in regola per sostenerne la miglior difesa possibile, con i mezzi di cui dispone.  L’Union Theatre ha certamente dimostrato – più e più volte – che le sue produzioni in formato ridotto possono reggere, sul piano estetico e artistico, il confronto con allestimenti ben più grandi: “Chess” o “Bad Girls” sono solo due esempi delle ultime stagioni che lo confermano.  Le aspettative, dunque, erano alte quando l’Union ha annunciato la ripresa di questo titolo; e noi abbiamo ripensato al suo lascito ormai consolidato nella “trilogia” di Goodall: “The Dreaming”, “Love Story” e “Girlfriends”.  Che cosa ci avrebbe riservato questa nuova versione?

L’allestimento che abbiamo davanti è senza dubbio ben castato.  Ifan Gwilym-Jones è un John Tallentire sincero e tormentato, e Rebecca Gilliland un’Emily dalla voce limpida, sempre autentica.  Luke Kelly è un Jackson Pennington deciso e diretto, fonte di guai coniugali, mentre Christopher Lyne è un Pennington sobrio, quasi “alla Des Grieux”.  Completano i ruoli in evidenza Kara Taylor Alberts, Jack McNeill, Sam Peggs, Jonathan Carlton, Megan Armstrong, Matthew Chase, Rebecca Withers, Aaron Davey, Laurel Dougall e Nick Brittain.  Stranamente, però, la presenza scenica più magnetica è quella di un’interprete dell’ensemble che in tutta la serata ha a malapena due battute: Lori McLare. È una vera scoperta, con tratti fortemente scolpiti che proiettano una gamma sempre cangiante di espressioni e stati d’animo, un senso del movimento quasi ballettistico e la capacità di essere affascinante anche quando resta completamente immobile.  Ci si chiede da dove venga una tale attenzione minuziosa al dettaglio, visto che non sembra essere una caratteristica dell’allestimento nel suo complesso.

The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

Si tratta di un racconto epico di una famiglia attraversata da tempi tumultuosi, che ne segue il percorso dal lavoro nei campi alle miniere di carbone, poi alle trincee e infine di nuovo alla terra.  I singoli episodi devono essere articolati con chiarezza e la catena di eventi che ci porta dall’uno all’altro deve risultare perfettamente trasparente e credibile.  Persino la produzione originale di quest’opera, quando la vidi all’Astoria Theatre nel West End, a tratti faticava a riuscirci.  Sorprendentemente, la regia di Samuel Hopkins dell’“azione” sulla piattaforma stretta della Cadogan Hall, contro ogni previsione, raccontava la storia con una chiarezza e una naturalezza stupefacenti.  Lì si usavano proiezioni, più che arredi e oggetti di scena, per creare il senso del cambio di luogo.  Il coro era impiegato con parsimonia, chiamato in causa solo quando doveva cantare, in modo quasi oratoriale, spostando l’attenzione con maggiore decisione sui personaggi centrali.  Hopkins, cosa rivelatrice, sapeva esattamente quando fermare l’azione e lasciare che immobilità e silenzio diventassero punti di punteggiatura eloquenti: il copione è spesso scritto in modo essenziale, soprattutto nel delineare i processi psicologici interiori che spingono avanti le figure principali.  Agli attori va concesso tempo per “digerire” le azioni altrui, e al pubblico serve tempo per registrarle.

Qui, invece, sembra valere la metodologia opposta.  L’ensemble è in scena e per gran parte dello spettacolo è costantemente impegnato in una quantità di azioni naturalistiche.  Non solo: il piccolo trio nascosto sotto le scale (Richard Bates, MD e tastiere, Sophia Goode, violino, e Dominic Veall, violoncello) pare suonare quasi senza interruzione: ampi tratti di dialogo vengono avvolti in un allegro, gorgogliante torrente di crome, una musica che tende ad attenuare l’impatto di ciò che viene detto sopra – o, più spesso, sotto – di essa.  Mi piacerebbe sapere quante persone trovino che questo aiuti a identificarsi più da vicino con chi parla.  E mi piacerebbe anche conoscere l’opinione degli attori su cosa significhi dover (a) lavorare abbastanza da farsi sentire sopra il suono della band e (b) lavorare ancora di più per esprimere pensieri e idee spesso in contrasto, per tono, con la musica che viene suonata.  E quando si considera che il regista li ha fatti esibire tutti a piedi nudi (il povero Ifan Gwilym-Jones ha già riportato un infortunio visibile a causa di questa richiesta sconcertante), è difficile non porsi domande piuttosto serie sulle intenzioni dell’allestimento.

The Hired Man. Foto: Paul Nicholas Dyke

I problemi non finiscono qui.  Come se non bastasse, la sala è piuttosto calda e priva di un impianto di aria condizionata funzionante.  Al suo posto, almeno due macchine piuttosto rumorose vengono lasciate in funzione per tutta la rappresentazione: lo scopo – pare – è pompare un po’ d’aria più fresca nell’atmosfera afosa della platea.  L’intenzione è lodevole, i risultati sono sconfortanti.  Purtroppo, per il pubblico ora sembra che gli attori debbano recitare nello spettacolo nella sala macchine dell’RMS Titanic, impressione rafforzata dalle scene di Justin Williams e Jonny Rust: una parete claustrofobica di assi di legno che ricorda, in effetti, riparazioni d’emergenza a un’imbarcazione danneggiata.  Aggiungete costumi che cambiano a malapena con il passare dei decenni (per gentile concessione di Carrie-Ann Stein) e luci (del relativamente inesperto Stuart Glover) che si accendono e si spengono, salgono e scendono e vanno da sinistra a destra quasi a piacimento e spesso del tutto indipendentemente dall’azione scenica, e avrete la ricetta per un disastro piuttosto definitivo.

È interamente merito del cast se questa catastrofe viene evitata.  Con eroismo combattono contro tutti gli ostacoli che gli vengono messi davanti e fanno il possibile per salvare dal caos una prova credibile e bella, anche se molti di loro, per buona parte del tempo, appaiono inquietantemente spaesati e senza direzione.  Le coreografie di Charlotte Tooth sono spesso molto sensibili nei momenti d’ensemble, anche se lei stessa sembra non capire affatto che cosa la produzione stia cercando di essere.  Sono certo che il regista Brendan Matthew abbia le sue ragioni per queste scelte, e vorrei poter dire di sapere quali siano, ma per ora mi sfuggono.  È un peccato.  La sua recente produzione di “My Land's Shore” per Ye Olde Rose & Crowne (un racconto altrettanto epico di gente della classe lavoratrice) era magistrale e imponente.  Lavorando qui con parte di quel cast e con gran parte dello stesso team creativo, la stessa magia non sembra essersi creata – e chi può dire perché?

Nel frattempo, qui è disponibile una resa più che discreta del testo, e può andare bene, soprattutto se non avete visto di meglio.  È improbabile che questo spettacolo passi alla storia come una delle produzioni più riuscite dell’Union.  Spero che se ne traggano lezioni preziose.  Il cast merita il nostro sostegno e il nostro apprezzamento: a tutti gli altri, per favore, cercate di aiutarli di più.

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