REZENSION: Ernst sein ist alles, Union Theatre ✭✭

The Importance Of Being Earnest Union Theatre 13. Oktober 2014 2 Sterne

Gegen Ende des zweiten Akts des mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Musicals How To Succeed In Business Without Really Trying gibt es einen Moment, in dem J. B. Biggley und Wally Womper über die Schnapsidee einer Schatzsuche diskutieren. Womper ist ausser sich, und Biggley versucht, die Schuld abzuwälzen, indem er den Fokus auf J. Pierrepont Finch richtet und behauptet, als Finch ihm die Idee einer Schatzsuche vorgetragen habe, habe er sie für eine lausige Idee gehalten. Womper fragt, warum Biggley dann trotzdem damit weitergemacht habe, und er antwortet: „Schien eine gute Idee zu sein.“

Während ich Jaq Bessells Inszenierung von Oscar Wildes komischem Meisterwerk The Importance Of Being Earnest sah, die nun für eine kurze Spielzeit im Union Theatre läuft (an Abenden, an denen das Haus während der Spielzeit von Love Story sonst dunkel wäre), ging mir diese Szene immer wieder durch den Kopf.

Bessell macht kein Geheimnis daraus, dass er mit dem Stück „etwas machen“ will – im scharfen Gegensatz zum jüngsten West-End-Lauf von Lucy Baileys jüngstem Desaster, das zwar Wildes Titel trug, aber kaum mehr. Das ist immerhin lobenswert: Das Publikum weiss zumindest, womit es ungefähr zu rechnen hat.

Bessells Konzept umfasst Folgendes: zwei männliche Darsteller spielen alle Rollen; die Darsteller haben auf der Bühne Zugriff auf den Text; es wirkt, als würden sie auslosen, wer welches Figuren-Set übernimmt (im Kern: Jack und alle, die mit Algernon interagieren – und weitgehend umgekehrt); minimaler Einsatz von Requisiten und Bühne; absurdistische Einfälle, um einen Moment „herauszuspülen“; moderne Anachronismen; stummes Mitsingen; der eine oder andere Tanz (und ich meine wirklich: seltsam); das Durchbrechen der vierten Wand; das Einführen schäbiger sexueller Anspielungen.

Und tatsächlich gibt es keinen Grund, warum viele dieser Ideen nicht funktionieren könnten. Das moderne Theater ist voller Beispiele, in denen kleine Ensembles mehrere Rollen übernehmen – im Dienst des Geistes des Textes oder des Konzepts: Fiasco Theatres sechsköpfige, erhellende Cymbeline-Inszenierung am Barrow Street Theatre in New York oder die enorm erfolgreichen Läufe von Potted Potter und The Reduced Works of William Shakespeare sind naheliegende Beispiele dafür, wie dieses Prinzip glänzend aufgehen kann.

Es ist auch nicht das erste Mal, dass Männer die Frauenrollen des Stücks übernehmen – Hinge und Brackett haben das schon vor langer Zeit getan, und andere sowohl davor als auch danach; Geoffrey Rush hat erst kürzlich in Melbourne seine Lady Bracknell gegeben.

Die Idee, Rollen per Münzwurf zu vergeben, kann der Aufführung einen zusätzlichen Nervenkitzel geben – aber dann muss klar sein, dass das Ergebnis für die Darsteller wirklich eine Überraschung ist und nicht bloss Teil der Nummer. Hier konnte man das nicht wissen.

Doch das ist nicht die eigentlich schlechte Idee. Stil – oder vielmehr dessen Abwesenheit – ist hier der kompromisslose, unerbittliche Erzfeind.

Wilde schrieb Dialoge, die funkeln; sie verlangen eine schnelle, präzise getimte Lieferung, um die beabsichtigten Lusthöhen zu erreichen. Unbegreiflicherweise hat Bessell eine nachdenkliche, nahezu zähe Sprechweise zugelassen – nicht immer, aber fast immer. Da ist Melancholie, eine falsche Tiefgründigkeit, die dem Humor die Luft abschnürt. Die Zeilen sind nicht nebensächlich, Mr Bessell.

Der Mangel an Stil – oder vielleicht das bewusste Annehmen eines Anti-Stil-Ansatzes – verwüstet die physischen Elemente der Produktion so, wie Hannibal die Römer am Ufer des Trasimenischen Sees verwüstete. Es gibt keinen Zusammenhalt – es ist Wildes Anything Goes. Die musikalischen und tänzerischen Einlagen sind irritierend, ihr Zweck nicht zu erkennen. Sie tun nichts anderes, als den Fluss der Erzählung zu stoppen.

Offene sexuelle Anspielungen sind für dieses Stück unnötig – und fatal –; es handelt doch gerade von unterdrückter Begierde und Emotionen. Eine „halb liegende Position“ hat nichts damit zu tun, dass ein junger Mann die Hose auf Halbmast trägt und enge Boxershorts den Blick auf ein straffes Hinterteil lenken. Gwendolen als sexbesessen zu zeichnen, bedeutet, die Figur völlig misszuverstehen. Miss Prism von einer spröden, eisigen alten Jungfer zur Entsprechung des „Fahrrads“ im Seniorenresidenz-Klatsch zu machen, sobald sie den verkrüppelten, vielleicht buckligen Chasuble erblickt, saugt diesen Momenten den Charme ab – so sicher und gründlich, wie ein räuberischer Vampir seinen Opfern das Lebensblut aussaugt.

Auch die Kostüme helfen nicht. Man könnte sich vorstellen, dass die Idee funktioniert, wenn jeder Darsteller makellos im Abendanzug erschiene, mit ausreichend glamourösen Attributen zur Kennzeichnung der anderen Figuren: ein Silbertablett für Lane, eine Serviette über dem Arm für Merriman, ein Rock für Cecily, ein Brokatmantel für Lady Bracknell, ein Geistlichenkragen für Reverend Chasuble, eine Zwickerbrille für Prism sowie Schmuck und Handschuhe für Gwendolen (zum Beispiel). Aber nein. Hier sind die Darsteller merkwürdig barfuss unterwegs, mit zerknitterten Hemden und Smokinghosen; Hüte, Schals, Gehstöcke und grimassierende, seidige Gesichter sollen die Unterschiede zwischen den Figuren markieren.

Nichts an dieser Produktion funktioniert. Es fehlt an Zusammenhalt, Frische und Erkenntnisgewinn. Also lastet – wie so oft – die Verantwortung ganz auf den Schultern der Besetzung.

Simon Stallard erweist sich als der begabtere Darsteller, mit einer Leichtigkeit und einem verwirrten, sardonischen Charme, der zu der Bandbreite der Rollen passt, die er übernimmt. Seine Cecily war seine beste Arbeit, aber auch ein echter Jack blitzte immer wieder auf. Innerhalb der Grenzen von Bessells Vision mühte er sich tapfer, einen Weg zu finden, der Text und Figur gerecht wird – die Augen stets wach vor Möglichkeiten, der Körper voller Energie. Ein Darsteller, den man im Auge behalten sollte.

Bryan Hodgson – leider kein Anhänger des „weniger ist mehr“-Prinzips in der komischen Charakterzeichnung – geriet etwas ins Straucheln, allerdings vor allem wegen der Inszenierung. Ihn in der ersten Szene Algernon in seidenen Boxershorts spielen zu lassen, sorgte dafür, dass jedes Verständnis der Figur verloren ging, als wäre es in einem Schwarzen Loch verschwunden; und Hodgsons (vielleicht nachvollziehbare) Versuche, seine nackten Beine mit Lautstärke und Schärfe in der Lieferung zu übertönen, halfen nicht. Am besten war er als Lady Bracknell, obwohl er die vielen komischen Möglichkeiten, die in der Stille dieser Rolle liegen, ausliess – und am schwächsten als der notgeile Prism.

Von den beiden hat Hodgson den theatralisch volleren Stimmklang, doch Stallard setzt seine Stimme wirkungsvoller ein. Dennoch arbeiten sie offensichtlich gern zusammen, und ihre unverblümten, ungezügelten Versuche, Bessells Vision zu erfüllen, strotzen vor Tatendrang und Energie.

Zwei vielversprechende Schauspieler, eine schlechte Idee und ein grossartiges Stück. Vor Kummer wurde mein Stuhl richtig kalt.

The Importance Of Being Earnest ist am 19. und 20. Oktober zu sehen.

Tickets buchen unter www.uniontheatre.biz