RECENSIE: The Importance Of Being Earnest, Union Theatre ✭✭

The Importance Of Being Earnest Union Theatre 13 oktober 2014 2 sterren

Er is een moment tegen het einde van de tweede akte van de Pulitzerprijs-winnende musical How To Succeed In Business Without Really Trying waarin J B Biggley en Wally Womper de haken en ogen bespreken van hun mislukte speurtocht. Womper is woedend en Biggley probeert de schuld af te schuiven op J Pierrepont Finch door te beweren dat hij het idee van Finch destijds al maar niks vond. Als Womper vraagt waarom Biggley het dan toch heeft uitgevoerd, antwoordt hij simpelweg: “Het leek toen een goed idee.”

Terwijl ik keek naar Jaq Bessells enscenering van Oscar Wilde’s komische meesterwerk, The Importance Of Being Earnest (momenteel te zien voor een korte periode in het Union Theatre op de dagen dat het theater normaal gesproken gesloten is buiten de speelperiode van Love Story), bleef die bewuste dialoog zich maar in mijn hoofd herhalen.

Bessell steekt zijn intentie om "iets eigenzinnigs" met het stuk te doen niet onder stoelen of banken – in schril contrast met de recente West End-productie van Lucy Bailey, die de naam van Wilde’s stuk weliswaar droeg maar verder een aanfluiting was. Die durf is bewonderenswaardig; het publiek weet tenminste waar het aan toe is.

Bessells concept bestaat uit de volgende elementen: twee mannelijke acteurs spelen alle rollen; de acteurs hebben op het toneel toegang tot het script; ze lijken te tossen om wie welke personages speelt (in essentie Jack en iedereen die met Algernon communiceert, en vice versa); een minimaal gebruik van rekwisieten en decor; absurdistische trekjes om momenten uit te vergroten; anachronismen; lipsynchronisatie; vreemde danspasjes (en ik bedoel écht vreemd); het doorbreken van de vierde wand; en de introductie van nogal platvloerse seksuele toespelingen.

En eigenlijk is er geen reden waarom veel van deze ideeën níét zouden kunnen werken. Het moderne theater barst van de voorbeelden waarin kleine casts meerdere rollen vertolken om de kern van de tekst of de productie juist te versterken: denk aan de onthullende productie van Cymbeline door Fiasco Theatre in New York, of de razend populaire voorstellingen van Potted Potter en The Reduced Works of William Shakespeare. Dat zijn stuk voor stuk voorbeelden van hoe dit concept spectaculair kan uitpakken.

Het is overigens niet de eerste keer dat mannen de vrouwenrollen in dit stuk op zich nemen – Hinge en Brackett deden dat jaren geleden al, en vele anderen volgden. Meer recentelijk nog gaf Geoffrey Rush in Melbourne zijn eigen draai aan Lady Bracknell.

Het idee van tossen om een rol kan een extra laag spanning toevoegen, maar dan moet het wel duidelijk zijn dat de uitkomst een verrassing is voor de acteurs en niet louter onderdeel van het ingestudeerde kunstje. Hier bleef dat helaas onduidelijk.

Maar dát is niet eens de echte misslag. Het is de stijl – of eerder het gebrek daaraan – die hier de meedogenloze bête noire is.

Wilde schreef dialogen die fonkelen en die een vlijmscherpe timing vereisen om tot hun recht te komen. Onbegrijpelijk genoeg heeft Bessell toegestaan dat de tekst op een slepende, bijna stroperige manier wordt gebracht – niet altijd, maar wel bijna constant. Er heerst een melancholie, een gemaakte diepzinnigheid die de humor volledig verstikt. De tekst is wel degelijk van belang, meneer Bessell.

Dit gebrek aan stijl – of misschien de keuze voor een anti-stijl – richt meer schade aan bij de fysieke aspecten van de productie dan de troepen van Hannibal deden bij de Romeinen aan de oevers van het Trasimeense meer. Er is geen samenhang; het is een allegaartje van stijlen waar Wilde volledig in verzuipt. De muzikale en dansante intermezzo's zijn verbijsterend en hun doel onduidelijk. Ze doen niets anders dan de vaart uit het verhaal halen.

Expliciete seksuele toespelingen zijn in dit stuk niet alleen overbodig, maar doen zelfs afbreuk aan het verhaal, dat juist draait om onderdrukte lust en emotie. Een "half-achterovergelegen positie" hoeft niet gepaard te gaan met een jonge man met zijn broek op de enkels, waarbij een strakke boxershort de aandacht vestigt op een parmantige achterzijde. Gwendolyn neerzetten als een seksbeluste nymfomaan is het personage volledig verkeerd begrijpen. En door Miss Prism te transformeren van een kille, zure oude vrijster naar het lokale pleziertje van het bejaardentehuis bij het zien van een kreupele Chasuble, verdwijnt alle charme uit die scènes.

De kostuums helpen ook niet mee. Je zou zien hoe dit idee wel kan werken als elke acteur onberispelijk in avondkleding zou verschijnen, met subtiele accessoires om personages te duiden: een zilveren dienblad voor Lane, een servet over de arm voor Merriman, een rok voor Cecily, een brokaatjas voor Lady Bracknell, of een priesterboord voor Chasuble. Maar nee. Hier lopen de acteurs vreemd genoeg op blote voeten, in verfrommelde overhemden en smokingbroeken, met hoeden, sjaals en pruiken om de wisselingen aan te geven.

Er is niets aan deze productie dat echt werkt. Het mist samenhang, frisheid en inzicht. Daardoor valt de last, zoals zo vaak, volledig op de schouders van de cast.

Simon Stallard blijkt de meest begaafde van de twee, met een lichtheid van toets en een verbaasde, ironische charme die perfect past bij de rollen die hij vertolkt. Zijn Cecily was zijn beste werk, maar we kregen ook flitsen van een overtuigende Jack te zien. Binnen de kaders van Bessells visie vocht hij dapper om een weg te vinden die recht deed aan de tekst en het personage, met een blik vol leven en een energieke présence. Dit is een acteur om in de gaten te houden.

Bryan Hodgson, die helaas de kunst van het weglaten niet lijkt te beheersen, had het moeilijker. Dat lag vooral aan de regie: door hem Algernon in de eerste scène in een zijden boxershort te laten spelen, ging elk begrip van het personage direct verloren. Hodgsons pogingen om zijn blote benen te compenseren met een harde en brute voordracht maakten het er niet beter op. Hij was op zijn best als Lady Bracknell, al miste hij de vele komische kansen die de stilte in die rol biedt, en op zijn slechtst als de hitsige Prism.

Van de twee heeft Hodgson de betere stem voor het theater, maar Stallard gebruikt zijn stem effectiever. Desalniettemin is het duidelijk dat ze graag samenwerken; hun ongeremde pogingen om de visie van Bessell leven in te blazen bruisen van de energie.

Twee veelbelovende acteurs, een slecht concept en een geweldig toneelstuk. Ik verliet het theater met een zwaar gemoed.

The Importance Of Being Earnest is nog te zien op 19 en 20 oktober.

Reserveer kaarten via www.uniontheatre.biz